约翰·塞巴斯蒂安·巴赫对音乐和声的贡献 自动翻译

约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（1685–1750）对音乐和声的发展做出了根本性的贡献，为西欧音乐此后几个世纪的发展指明了方向。 他对调性体系、半音阶、调式转换以及和弦功能关系的研究，为后世所有音乐实践奠定了坚实的基础。巴赫的创新意义远远超越了巴洛克时期。

巴赫之前的巴洛克时期和声语言

到了18世纪初，欧洲音乐正处于大小调调性体系的过渡阶段。主导文艺复兴时期音乐的调式体系正逐渐被新的音高组织原则所取代。前几代的作曲家，如吉罗拉莫·弗雷斯科巴尔迪和迪特里希·布克斯特胡德，都曾对和声进行和调性关系进行过实验。

然而，当时的和声语言仍受到多种因素的限制。键盘乐器调音普遍采用的不均匀律制使得某些调几乎无法使用。中音律制保证了常用调中三度音程的清晰，但远音调听起来却不准。

当时人们对和声的理论理解还处于起步阶段。广泛使用的数字低音系统描述了纵向和声，但并未解释其进行背后的逻辑。以主音、属音和下属音为核心构建和弦的功能和声概念，在理论上尚未形成。

《平均律钢琴曲集》与调音革命

巴赫最著名的和声成就当属两卷本的《平均律钢琴曲集》（1722年和1742年）。每卷包含24首前奏曲和赋格曲，大小调各一首。这部作品展现了一种全新律制体系的潜力，它允许在不重新调音的情况下使用全部十二个调。

这首乐曲的标题指的是巴赫称之为“好律”的调音系统。这并非现代意义上的平均律，后者直到20世纪才最终确立。好律代表了音程纯净度和转调能力之间的一种折衷方案。每个调都保留了其独特的特征，其自身的“色彩”。

现代研究表明，巴赫亲自为乐器调音，并且对其他乐手的调音并不满意。他的调性体系使得乐曲能够以几乎难以察觉的方式转调。他体系中的所有大三度音程都比纯三度音程略高，这是确保所有调性都能获得悦耳音色的先决条件。

《平均律钢琴曲集》为和声发展开辟了新的天地。作曲家们可以自由地运用半音阶转位和等音替代。作品的调性不再局限于密切相关的调。巴赫证明，每个调都拥有独特的个性，并能服务于不同的表现目的。

半音和声的发展

巴赫拓展了半音和弦的运用，使其从罕见的、色彩鲜明的元素转变为和声语言不可或缺的一部分。变音和弦、那不勒斯六和弦以及增六和弦 — — 所有这些技巧都被他系统地运用。在巴赫的音乐中，半音不仅是一种装饰，更具有结构性和表现力。

那不勒斯六度音程，即以降低的二级音为基础、第一转位的三和弦，在巴赫的作品中频繁出现。由于其降低的音级，这个和弦营造出一种特殊的张力，通常会解决到属和弦或其转位。巴赫不仅在小调中使用那不勒斯六度音程（这是它最自然的运用方式），也在大调中使用，从而创造出戏剧性的和声转折。

作曲家还大量运用了三种增六和弦 — — 意大利式、法国式和德国式。其特征是降六度音程与升四度音程之间的增六度音程，并向外解决到属音上的八度音程。这些和弦使得强有力的和弦前结构成为可能，并增强了音乐向主音的延伸。

巴赫的半音进行和辅助音常常构成暂时的协和音，这些协和音听起来像是独立的和弦。声部的线性进行产生了难以用和弦理论解释的复杂和声。这体现了巴赫音乐风格中横向和纵向维度的深刻融合。

调制作为一种结构形成原则

巴赫的转调艺术达到了前所未有的高度。从一个调过渡到另一个调不再仅仅是一种技术手段，而成为音乐戏剧性表达的有力工具。巴赫不仅在相近的五度或三度音程之间进行转调，而且还在相距更远的音程之间进行转调，从而创造出大胆的和声结构。

在他的赋格曲中，转调计划往往与乐曲的结构相吻合。呈示部确立主调，展开部探索次要调，再现部则将音乐带回其最初的中心。主题呈现之间的间奏部分起到转调过渡的作用，此时和声最为流畅且不稳定。

巴赫的转调技巧以其自然性和逻辑性而著称。他运用了多种转调方式：通过共同和弦的渐进转调、通过对协和音的重新诠释而实现的等音转调，以及突如其来的、未经准备的转调。每种转调方式都服务于特定的艺术目的。渐进转调营造出流畅的发展，而突调则带来出人意料的效果。

巴赫音乐中丰富的调性关系令人印象深刻。他能够转调到相隔三全音的调，这在当时是极其罕见的。转调到小调属调、平行大调或小调中调，以及同名调 — — 所有这些都可以在他的作品中找到。调性平面成为了作品的架构基础。

功能和声与和弦进行

尽管功能和声理论是在让-菲利普·拉莫及其追随者的作品中才逐渐形成的，但巴赫的音乐却展现了他对功能关系的成熟理解。主音、属音和下属音构成了他和声语言的基础。早在功能倾向被理论化之前，巴赫就凭借直觉领悟了其逻辑。

在巴赫的音乐中，属音总是向主音靠拢，从而形成一种方向性的进行。五度音上的七和弦，由于其不协和的三全音，需要解决。导音向上移动半音，而和弦的七音则向下移动。巴赫利用这种向下移动的趋势来制造紧张感及其解决，这构成了调性音乐戏剧性的基础。

下属功能，由四级和弦及其替代和弦构成，是属和弦的前奏。经典的TSDT序列是无数终止式的基础，巴赫赋予了它丰富的表现形式。他通过改变和弦结构，例如用替代和弦替换原和弦、使用转位和弦以及添加经过和声，对这一模式进行了变化。

巴赫大量运用了间断和弦，即在属和弦之后，并非预期的主和弦，而是另一个和弦。最常见的是六级和弦，但作曲家也尝试过其他变奏。间断和弦使得乐曲得以延展，避免了在主和弦上过早结束。它营造了一种期待落空的效果，丰富了音乐的叙事性。

巴赫的和弦进行常常基于音程。和声公式在不同音级上的重复，创造了向前推进的能量。下行五度进行、上行二度进行、围绕四度循环的各种循环 — — 所有这些都在巴赫的创作实践中得到了体现。

合唱曲与四部合唱艺术

巴赫创作的约370首圣咏改编曲堪称巴洛克和声实践的百科全书。这些四声部和声的基督教圣咏作品不仅服务于宗教仪式，同时也展现了巴赫在声部进行和和声方面的精湛技艺。巴赫的圣咏作品在之后的几个世纪里一直是和声教学的基础。

合唱曲中声部进行原则的运用，将旋律流畅性与和声丰富性完美结合。每个声部都是一条意义深远的旋律线，而不仅仅是和弦填充物。合唱曲避免使用禁忌的平行五度和八度，并倾向于使用外侧声部的反向进行。跳跃音也通过反向进行来解决。

圣咏的和声语言以其表现力和多样性而著称。巴赫运用了丰富的和弦：自然音阶三和弦和七和弦、半音变化、延留音、经过音和辅助和声。每个乐句都以终止式结束，可以是全终止或半终止，可以是正格终止或变格终止。终止式的多样性赋予了音乐自然流畅的呼吸感。

巴赫尤其注重和声与歌词之间的联系。半音阶动机常常用来描绘苦难、死亡或罪恶的歌词。铿锵有力的大调和弦则伴随着对喜悦和救赎的描述。出人意料的和声转折突出了歌词中的重要时刻。这种音乐与歌词之间的联系，被称为“形象化理论”（Figurenlehre），是德国音乐传统的重要组成部分。

对巴赫众赞歌的统计分析揭示了某些和声模式的高频率出现。最常见的是DT、SD以及D-VI中断终止式。各种和弦的使用频率并不均衡：主和弦和属和弦最为常见，而三级和弦则较少见。这些模式反映了调性体系中各音的功能层级。

统一中的对位与和谐

巴赫和声的独特之处在于它与对位法密不可分。在巴赫的作品中，和声源于复调声部的相互作用，而非反之。每个声部都承载着自身的旋律线，它们的同步发声构成了和声的纵深。这从根本上将巴赫的风格与主调和声的写作方式区分开来。

在赋格曲中，横向维度主导纵向维度。主题、回应、对位、间奏 — — 所有这些都主要由旋律构成。然而，它们的组合却产生了连贯的和弦进行。巴赫巧妙地同时掌控了这两个维度，创作出在复调和和声方面都完美无瑕的音乐。

可逆对位法允许声部互换而不破坏和声的正确性。巴赫在八度、十二度和十度范围内运用了可逆对位法。这需要精心规划声部之间的音程关系。声部互换过程中出现的和声瑕疵在作曲阶段就被消除。

模仿技巧也与和声密切相关。赋格曲中，调性回应（移调五度）会将乐曲转调至属调。而真实回应则保留了主题精确的音程关系。调性回应和真实回应的选择取决于和声方面的考量：调性回应维持了调性的稳定性，而真实回应则创造了更为疏离的调性关系。

双重赋格和三重赋格中多个主题的组合要求它们之间和声协调。巴赫创作主题时，确保它们在任何组合中都能形成正确的声部。这展现了他对旋律和和声创作的精湛技艺。

赋格的艺术与和声实验

巴赫的最后一部未完成作品《赋格的艺术》是复调艺术的巅峰之作。十四首赋格和四首卡农围绕同一主题，探索了复调技巧的各种可能性。但它也是和声驾驭能力的杰出典范，其中最复杂的复调结构并未违背和声发展的逻辑。

这部作品的主题旋律简洁灵活，可以进行多种多样的和声处理。在不同的赋格曲中，它出现在不同的和声语境中。巴赫展示了同一旋律如何承载不同的和声功能。这个主题可以作为主和弦、属和弦或经过和弦。

镜像赋格曲，即音乐垂直反射后听起来完全相同的乐曲，需要特殊的和声计算。即使音程发生转位，和弦也必须保持正确。三度变成六度，五度变成四度 — — 所有这些变化都必须产生可接受的和声。巴赫巧妙地解决了这个问题。

《赋格的艺术》中的和声节奏变化范围很广，从慢到快。有些赋格曲每小节只出现一次和弦变化，而有些赋格曲每小节则出现多次和弦变化。和声节奏的加快营造出一种日益增强的紧张感。在最后的终止式之前，和声节奏通常会加快，给人一种快速接近目标的感觉。

这首作品对半音阶的运用尤为精妙。半音对位营造出尖锐的和声。通过一系列半音和弦，实现了向远调的转调。在乐曲的高潮部分，减七和弦的出现，营造出强烈的张力。

《音乐献礼》与皇家主题

1747年创作的《音乐的奉献》以普鲁士国王腓特烈大帝的主题为创作灵感，展现了巴赫和声技艺的另一面。在这首作品中，作曲家运用了既定的素材 — — 皇家主题，而该主题本身在和声上就十分独特。主题包含半音进行，音域宽广，从而创造出独特的和声可能性。

以该主题为基础的三声部赋格和六声部赋格展现了不同的和声处理方式。在三声部赋格中，和声清晰明了，功能关系一目了然。在六声部赋格中，密集的织体营造出丰富的和声层次。大量的经过音和辅助音丰富了和声的色彩。

《音乐的奉献》中的卡农探索了模仿技法的和声可能性。其中，以转调连接开头和结尾的无尽卡农尤为引人入胜。主题的每次重复都以新的调性演奏，逐渐偏离原调。随后，出现等音替代，音乐又回到开头。

这首三重奏鸣曲出自该组曲，以其主调织体和清晰透彻的和声展现了优雅的风格。巴赫在此展现了他对当时音乐语言的精湛驾驭。优美的旋律乐句由简洁的和弦进行支撑。和声节奏更加规整，终止式也更加可预测。

器乐和和声结构

巴赫的键盘组曲、帕蒂塔和协奏曲在各种体裁中展现了和声原则。舞曲则依赖于与舞蹈节拍和节奏相契合的清晰和声模式。阿勒曼德舞曲、库朗舞曲、萨拉班德舞曲、吉格舞曲 — — 每一种舞曲都有其独特的和声特征。

萨拉班德舞曲节奏缓慢，使和声得以随着时间的推移而逐渐展开。巴赫运用了丰富的和弦、延留音和半音阶。和声节奏放慢，使人声的每一个细微差别都得以展现。萨拉班德舞曲往往包含整个音乐循环中最富冒险精神的和声转折。

吉格舞曲以其快速的节奏和赋格织体形成鲜明对比。这里的和声流畅自然，转调对频率变化十分敏感。模仿复调营造出一种透明的织体，和声功能清晰可辨。乐曲的结尾通常会回到主调，并在最后几个小节强调主音。

键盘、小提琴及其他乐器协奏曲运用和声来构建曲式。全奏与独奏之间的对比通常通过和声手段加以强调。全奏以完整的终止式确立调性，而独奏则转入次要调性。回旋曲的回归则将乐曲带回主调。

音乐会乐章的结构建立在调性稳定与不稳定的段落交替之上。呈示部确立主调，展开部探索其他调性，再现部则恢复调性稳定。这种结构基于和声关系，基于稳定与不稳定的相互作用。

对音乐理论的影响

尽管巴赫没有留下任何音乐理论专著，但他的作曲实践对音乐理论的发展产生了深远的影响。让-菲利普·拉莫是第一个系统性和声理论的创立者，他分析了包括巴赫在内的同时代作曲家的作品。功能和声、低音以及和弦转位等概念都是基于巴洛克音乐发展起来的。

19世纪，海因里希·申克尔发展出一套结构层次理论，主要分析巴赫和贝多芬的音乐。申克尔证明，和声进行表层之下隐藏着基于主音延展的更深层次的结构。他的理论解释了对位和声如何在不同的作曲层次上相互作用。

巴赫的众赞歌已成为世界各地音乐学院和声教学的基础。分析这些众赞歌有助于我们理解声部进行、和弦功能关系以及终止式等原则。许多和声教材都以巴赫的众赞歌为例进行讲解。

对巴赫音乐的计算机分析揭示了一些听觉感知并不总是显而易见的模式。研究人员运用数字分析方法，对和弦进行、调性频率以及不协和音的分布等统计数据进行了研究。结果证实了巴赫和声实践的系统性。

对后世作曲家的影响

莫扎特在维也纳斯维滕男爵家中聆听巴赫的音乐后深受感动。他抄录了巴赫的赋格曲，并仔细研究其结构。巴赫的影响在莫扎特晚期的交响曲和弦乐四重奏中清晰可辨，复调音乐在这些作品中占据了更为重要的地位。例如，《朱庇特》（第41号交响曲）的终乐章就是一首由五个主题构成的宏伟赋格曲。

贝多芬一生都在演奏《平均律钢琴曲集》，并称之为他的音乐圣经。他晚期的弦乐四重奏和奏鸣曲中包含赋格，这些赋格融合了复调技巧和浪漫主义和声。《弦乐四重奏大赋格》（作品133号）是他尝试将巴赫的复调技法与贝多芬戏剧化的风格相结合的成果。

肖邦曾与学生们一起研习巴赫的前奏曲与赋格。他自己的前奏曲作品28号，虽然以浪漫主义风格写成，却遵循了巴赫的原则：每个调创作一首曲子。肖邦的半音和声在很大程度上发展了巴赫的创意。

勃拉姆斯是变奏技法的大师之一，他不断汲取巴赫的遗产。他的《亨德尔变奏曲》和《帕格尼尼变奏曲》展现了他对复调和声的精湛掌握，并秉承了巴赫的精神。他的第四交响曲的终曲帕萨卡利亚舞曲直接借鉴了巴赫的复调形式。

20世纪，不同流派的作曲家都承认巴赫的影响。斯特拉文斯基在其新古典主义时期借鉴了巴赫的创作模式。勋伯格认为巴赫是第一位运用十二音体系进行创作的作曲家，尽管他仍然遵循调性原则。保罗·欣德米特则基于他在巴赫音乐中发现的声学原理，发展出了一套和声理论。

运用现代方法研究巴赫的和声

现代音乐学运用计算机方法分析巴赫的和声语言。包含巴赫数百部作品所有音符的数据库使得对音乐模式进行统计分析成为可能。对众赞歌中和弦进行的分析表明，巴赫在创作中高度遵循某些规则。

对和声进行的网络分析表明，巴赫的音乐展现出复杂系统特有的尺度不变性特征。这意味着结构模式在不同的组织层次上重复出现。局部和弦进行与作品的整体调性结构紧密相连。

对巴赫音乐中1/f波动的研究表明，协和模式遵循普遍规律。在所有被研究的大师中，巴赫的音乐展现出最高的和声秩序，这巩固了他“和声之父”的地位。

机器学习正被用于自动生成巴赫风格的旋律和声。神经网络通过巴赫的众赞歌进行训练，学习声部进行和和声进行规则。结果表明，巴赫的风格可以被形式化到一定程度，从而实现计算机的模仿。然而，这位作曲家的创作天才仍然是无法复制的。

管风琴作品和和声

巴赫的管风琴音乐将和声展现得淋漓尽致。管风琴的复调织体、丰富的音域以及踏板 — — 所有这些都为创造出震撼人心的和声效果提供了可能。管风琴的托卡塔、幻想曲和前奏曲充分展现了巴赫对和声空间的精湛掌控。

D小调托卡塔与赋格（BWV 565）是管风琴音乐中最著名的作品之一，它以一个修辞性的乐句开篇 — — 一个下行的乐句，通过减七和弦的琶音勾勒出主音的和声。随后的展开部分充满了半音阶、出人意料的转调和减和弦。和声在这里成为营造戏剧张力的手段。

管风琴圣咏前奏曲是对新教圣咏的改编。圣咏的旋律通常由一个声部演唱，一般是女高音，而其他声部则负责营造和声与对位氛围。巴赫创作了大约两百首这样的前奏曲，每一首都代表着对和声问题的独特解决方案。

在巴赫的《管风琴小曲集》（Orgelbüchlein）中，他系统地探索了众赞歌前奏曲的各种可能性。该曲集呈现了多种织体类型，从最简单的四声部结构到最复杂的复调结构，应有尽有。和声服务于情感表达，生动地展现了众赞歌的内容。不协和音强调了歌词中关于苦难的描述，协和音则强调了歌词中关于喜悦的描述。

C小调帕萨卡利亚舞曲，BWV 582，展现了变奏曲式的和声可能性。低音主题重复二十次，每次都采用新的和声和织体处理。巴赫的和声才华令人叹为观止：他从最简单的主题中提炼出无穷无尽的变化。转调丰富了曲式，而回归主音则带来一种圆满的完成感。

声乐与和声戏剧

巴赫的康塔塔、受难曲和清唱剧运用和声来营造戏剧效果。宣叙调以其流畅的和声，反映了歌词的含义。出人意料的和弦强调了重要的词句。转调到遥远的调性则展现了强烈的情感。

在《马太受难曲》中，半音阶和声伴随着极致的悲痛。合唱“来吧，你的女儿们”以气势磅礴的和声开篇。两个合唱团之间的对话营造出立体声效果，和声技巧更强化了这种效果。和弦从一个合唱团倾泻而下，传递到另一个合唱团，从而创造出空间深度。

女低音咏叹调《Erbarme dich》（某人的恶行）以简洁的手段展现了深刻的情感。和声缓慢推进，每个和弦都经过精心雕琢。半音经过音营造出一种尖锐的质感。解决音的延迟加剧了紧张感。音乐表达了无尽的悲伤。

在巴赫的《b小调弥撒曲》中，他充分运用了丰富的和声语言。从《垂怜经》中古老的调式乐句，到某些咏叹调中现代而华丽的和声，一切都在这部宏伟的作品中找到了各自的位置。数字象征意义、调性的神学内涵以及修辞手法 — — 所有这些都交织在一个高度复杂的结构之中。

巴赫和声的教育意义

巴赫的钢琴作品《创意曲》和《交响曲》最初是作为教学作品而创作的，旨在教授复调音乐和和声。他在序言中阐述了创作的教学目标：教授纯粹的二部和三部和声，培养作曲兴趣，并达到优美的演奏风格。这些作品至今仍被用于音乐教育。

每首乐曲都提出了特定的技术和音乐挑战。模仿复调与清晰的和声结构相结合。学生在练习中同时掌握了对位法和和声的原理。音乐思维的培养是通过巴赫音乐原理的实际应用而实现的。

《法国组曲》、《英国组曲》和帕蒂塔也具有教学意义。巴赫系统地教授各种舞曲体裁，每种体裁都有其独特的和声特点。学生们通过学习特定的作品，接触到丰富多样的音乐风格，并加以掌握。

以巴赫音乐为基础的音乐教育体系已遍及全球。音乐学院在各个阶段的教学中都使用巴赫的作品。从最简单的小步舞曲到哥德堡变奏曲，音乐家的成长之路都离不开对巴赫音乐遗产的精深钻研。

现代视角下的巴赫和声

当代作曲家继续从巴赫的和声原则中汲取灵感。菲利普·格拉斯和史蒂夫·莱奇的极简主义作品运用了巴赫作品中常见的持续音和缓慢的和声进行。爵士乐音乐家研究巴赫的和声进行，从中汲取即兴创作的灵感。

20世纪的新古典主义运动有意识地借鉴了巴赫的模式。“回归巴赫”的概念意味着回归清晰的和声功能、严谨的声部进行逻辑以及结构上的和谐。在先锋派实验之后，许多作曲家寻求古典原则的支持。

电子音乐和计算机作曲也汲取了巴赫的遗产。算法作曲依赖于巴赫凭直觉运用的规则的形式化。巴赫音乐中发现的分形和自相似结构启发了新音乐的创作者。

巴赫的和声语言在他去世近三个世纪后依然充满活力，与时俱进。他的原则展现出普世性，适用于多种音乐风格。他所达到的横向和纵向平衡，为历代作曲家树立了典范。

低音线作为和声基础

低音声部在巴赫的和声中扮演着特殊的角色，它是整个和声结构的基础。巴赫继承了编号低音（basso continuo）的创作手法，在这种手法中，低音线条定义了和声，数字则表示高音声部的音程。然而，他将这一体系发展到了前所未有的完美境界，使低音声部成为一个完整的旋律声部。

巴赫的低音线条以其丰富的表现力和逻辑性的行进而著称。它们并非仅仅标记和弦的根音，而是创造出独立的旋律线，可以作为一首独立的乐曲单独演奏。大音程的跳跃与流畅的级进交替出现。低音的半音进行更增添了其独特的表现力。

在管风琴作品中，脚踏板部分通常包含持续音 — — 管风琴音符 — — 其上方的高音声部会发展出复杂的和声。主音管风琴音符确立了主调，而属音则在解决之前营造出紧张感。巴赫精湛地运用了这种技巧，以单个低音音符为基础，创作出宏大的作品。

由于声学特性，上行低音进行不如下行低音进行常见。五度或四度的下行进行听起来更自然，也更符合和声逻辑。巴赫深谙此道，并运用它们来营造音乐的走向性。

在舞蹈作品中，低音线条往往决定着舞蹈的风格。萨拉班德舞曲的节奏感、布雷舞曲跳跃的低音、库朗舞曲流畅的动作 — — 所有这些都通过低音声部的模式得以体现。这里的和声与节奏和节拍紧密相连，共同营造出舞蹈画面的统一性。

巴赫和他的同时代人

将巴赫的和声语言与同时代作曲家的和声语言进行比较，既能发现那个时代的共同特征，也能发现他们各自的独特之处。与巴赫年龄相仿的乔治·弗里德里克·亨德尔则运用了更为简洁明了的和声。他的音乐面向大众，因此需要更易于理解的和声元素。

多梅尼科·斯卡拉蒂的键盘奏鸣曲中运用了大胆的和声转折，预示了古典主义时代的到来。他的转调有时比巴赫的更出人意料，但系统性稍逊。斯卡拉蒂凭直觉进行和声实验，而巴赫则依赖于对调性体系的深刻理解。

法国羽管键琴演奏家弗朗索瓦·库普兰和让-菲利普·拉莫发展了优雅的加兰特风格，其特点是旋律优美、和声清澈透明。拉莫是一位理论家，他系统地阐述了巴赫在其作曲实践中所体现的和声原则。法国音乐倾向于装饰和优雅，而德国音乐则倾向于复调的复杂性。

意大利作曲家安东尼奥·维瓦尔第和阿尔坎杰洛·科雷利开创了协奏曲风格，其特点是清晰的和声结构。协奏曲的里托内洛曲式建立在调性稳定的全奏和转调的独奏交替之上。巴赫沿用了这些原则，并赋予其更丰富的复调内容。

泰勒曼是那个时代最多产的作曲家，他的作品融合了多种民族风格。他的和声比巴赫的更为传统，但其独特之处在于其多样性，融合了法国、意大利和波兰的音乐元素。巴赫则将各种民族传统融会贯通，创造出一种通用的音乐语言。

不和谐及其解决

巴赫对不协和音的处理遵循严格的对位规则，但他运用这些规则的方式却极为巧妙。延留音是不协和音的主要类型之一，它被用来制造和声张力。不协和音在前一个和弦中预先形成，然后在和声变化期间延留，最后向下解决一个音级。

经过音不协和音源于声部在和弦音之间的旋律进行。巴赫不仅使用自然音阶经过音，还使用半音阶经过音，从而创造出尖锐的纵向音程。流畅的声部进行能够使任何自然产生的、源于线性进行的非协和音变得合理。

围绕基音的辅助音，无论是在基音上方还是下方，都会产生不协和音。双重辅助音，即两个声部同时偏离基音，会创造出格外复杂的协和音。巴赫大胆地运用了这种组合，并充分运用了声部进行的逻辑。

七和弦和九和弦 — — 本质上是不协和的和弦 — — 需要解决。属七和弦解决到主和弦的方式具有其独特的声部进行：三音和七音汇聚，构成主和弦的三音。减七和弦可以解决到各种不同的和弦，使其成为一种用途广泛的转调工具。

不协和音的发展与解决塑造了音乐的时间走向。不协和音不可能无限持续下去，它需要解决为协和音。这便创造了一种张弛有度的动态，构成了音乐戏剧性的基础。巴赫在作曲的各个层面都巧妙地运用了这种动态。

和声的节奏维度

和声节奏 — — 即和弦变化的频率 — — 是巴赫音乐的关键要素。在乐曲的不同部分，不同的段落中，和声节奏各不相同，从而营造出动态发展。缓慢的和声节奏代表平静的乐段，而快速的和声节奏则标志着高潮的到来。

在合唱曲中，和声往往在每个小节的每个节拍上都发生变化，从而营造出一种有节奏的律动。然而，在合唱前的乐段中，和声节奏加快，和弦闪烁得更加频繁，从而产生一种终止感。这种技巧增强了临近解决的紧迫感。

在快速赋格曲中，和声变化相对缓慢，因为注意力集中在主题的复调互动上。和声支撑间隔数小节。中间和声是复调进行的结果，并不构成独立的和声功能。

切分节奏会影响人们对和声的感知。弱拍上的重音会营造出一种不稳定感，而不稳定的和弦则进一步强化了这种感觉。巴赫运用节奏手法来强化和声效果，从而融合了多种音乐元素。

乐曲中的停顿，称为延音记号，通常位于和声稳定的点上。圣咏中的终止式以延音记号标记，使人能够感受到和声的解决。时间结构与和声结构密切相关。

色调绘画及其影响

音乐修辞格（Figurenlehre）的概念表明，音乐中的乐句变化与特定的情感或概念之间存在联系。巴赫系统地运用和声手段来表达音乐之外的思想。半音阶与痛苦相关，而自然音阶则与喜悦和清澈相关。

下行的半音阶旋律线传统上用来描绘悲伤、哀悼和死亡。哀悼旋律（passus duriusculus） — — 一种四音半音进行 — — 常见于哀悼场合。巴赫在他的受难曲（Passion）中运用了这一旋律，这些康塔塔的歌词都取材于死亡和苦难，从而创造了一个广为人知的悲伤象征。

上行乐段描绘了升华、复活和狂喜。小调乐段之后明亮的大调和弦象征着从黑暗到光明、从绝望到希望的转变。从小调到平行大调的转调营造了一种顿悟之感。

减七和弦音色紧张，常用于极度紧张、恐惧和混乱的时刻。在激情宣叙调中，它们强调戏剧性的词句。减七和弦的突然出现会造成一种震撼的效果。

调性也具有象征意义。D大调被认为是喜庆而庄严的调性，而G小调则被认为是忧郁而沉静的调性。巴赫在为特定作品选择调性时会考虑这些联想。调性的象征意义构成了巴洛克音乐修辞体系的一部分。

等音变换

等音异名 — — 即用不同的调重新诠释同一个音符或和弦 — — 为出人意料的转调提供了一种强有力的手段。一个由小三度构成的减七和弦，可以用四个不同的调来诠释。和弦中的每个音符都可以是导音，并逐渐趋向主音。

巴赫运用等音异名音来创造转调链，最终抵达遥远的调性。一个记作升号的音符被重新诠释为降号，音乐便进入了一个全新的调性领域。这种转换产生了一种神奇的效果，仿佛瞬间将听众带入了另一个和声空间。

增三和弦将八度音程分成三个相等的部分，因此也允许进行等音异名的诠释。每个音符都可以是调内的五度音，彼此之间以大三度隔开。巴赫很少将增三和弦作为独立的和弦使用，但半音变化使它们得以短暂出现。

等音调转换需要良好的平均律。在中庸平均律体系中，等音音符实际上音高不同。升号音符比对应的降号音符低。巴赫的良好平均律体系消除了这些差异，使等音调转换在实践中成为可能。

对等音异名的理论理解出现得较晚，是在19世纪的作品中。但巴赫在实践中运用了它们，依靠的是听觉经验和直觉。他的等音异名转调预示了浪漫主义时期大胆的和声运用。

序列和和声模式

序列 — — 即以不同音高重复同一乐句 — — 是音乐发展中一个普遍适用的原则。巴赫巧妙地运用序列，创造出充满活力的向前推进感。和声序列则基于和弦进行在不同音高的重复。

以五度下行音程进行乐句，其中每个和弦都是下一个和弦的属和弦，可以营造出强劲有力的行进感。这种乐句可以贯穿整个五度循环，最终逐渐回到原调。这种模式在巴赫的音乐中频繁出现，尤其是在展开部。

逐秒递增的音序营造出一种渐强的效果。每一次重复都比前一次更高，能量不断积聚。巴赫运用这种音序来制造高潮。音乐达到顶峰后，通常会向下解决，释放积聚的紧张感。

和声模式 — — 巴洛克时期标准的和弦进行 — — 是即兴演奏和作曲的基础。罗马式、弗利亚、恰空舞曲、帕萨卡利亚 — — 所有这些模式都代表了和声体系，各种变奏曲都建立在这些体系之上。巴赫运用了传统的和声模式，但却以非凡的创造力对其进行了诠释。

固定低音 — — 即重复的低音线条 — — 定义了变奏曲式中的和声。D小调恰空舞曲（独奏小提琴曲）以八小节的低音线条为基础，并以不同的和声和织体变化重复出现。低音线条的一致性创造了统一性，而和声的变化则创造了多样性。

民族风格对和谐的影响

法国风格以其精致和装饰性影响了巴赫的一些作品。法国组曲中包含优雅的舞曲，其和声清澈透明，旋律优美动听。装饰音（即旋律上的点缀）会影响和声的感知，从而产生旋律上的不协和音。

意大利风格充满活力和精湛技艺，在协奏曲和奏鸣曲中得以充分展现。和声更为直接，功能关系也更加清晰。和弦进行遵循简单的模式，衬托出独奏者的精湛技艺。巴赫继承了意大利音乐清晰的曲式和和声逻辑。

德国合唱传统塑造了巴赫在宗教作品中运用和声的方式。新教圣咏以其舒缓的节奏和清晰实用的和声，为无数改编作品奠定了基础。巴赫在保留其精神内核的同时，以复调和半音阶丰富了这一传统。

波兰舞曲 — — 波兰舞曲和玛祖卡舞曲 — — 出现在巴赫的组曲中。这些舞曲具有独特的和声特征，与其节奏特点密切相关。特定的重音影响着和声支撑的位置，从而造就了这些民族舞蹈的独特风格。

不同民族风格的融合创造了一种超越个体传统局限的通用音乐语言。巴赫将法国的精致、意大利的活力和德国的深沉融为一体。正是这种普世性，使他的和声语言成为后世的典范。

数字符号和调和结构

中世纪和巴洛克时期的音乐传统赋予数字象征意义，这些意义体现在音乐结构中。数字三象征三位一体，七象征完美，十二象征圆满。巴赫在其作品的编排中，包括和声方面，都自觉地运用了数字象征主义。

调式转换的次数、和弦序列中的和弦数量以及终止式的安排通常都受象征性数字的支配。在以三位一体经文为基础的圣咏中，三位一体的概念可以体现在和声结构中。研究人员在巴赫的音乐中发现了许多数字对应关系，但这些对应关系的解释仍然存在争议。

字母数字命理学，即每个字母对应一个数字，使得名字能够被编码到音乐结构中。例如，巴赫（BACH）这个名字对应的数字是14（B=2，A=1，C=3，H=8），而这个数字在他的作品中出现的频率异常高。和声结构可以根据这个数字进行组织。

黄金比例 — — 一种被认为是完美的比例 — — 体现在乐曲的顶点和和谐转折点的位置上。黄金比例点通常与关键的调式或和谐事件相吻合。这可能是出于对比例的直觉感知，也可能是经过深思熟虑的计算。

巴赫音乐的象征意义与纯粹的音乐意义交织在一起，构建出多层次的意义结构。和声不仅服务于听觉享受，也承载着思想内涵。音乐成为一种可以从多个层面解读的文本。

当代音乐实践中的遗产

爵士乐的和声虽然与古典和声有所不同，但仍与巴赫的原则有着联系。爵士乐的声部进行遵循源自巴洛克时期的规则。巴赫用作经过和弦的二度和弦，在爵士乐中已成为独立和弦。然而，它们的运用逻辑仍然与功能和声密切相关。

电影配乐作曲家经常借鉴巴赫的和声模式。合唱段落营造出崇高的氛围，赋格曲则传达出深邃的思想内涵。电影配乐运用巴赫的创作原则，创造出能够引起广大观众共鸣的情感效果。

摇滚乐和前卫摇滚乐积极运用巴赫的元素。像Yes、Genesis、Emerson和Lake & Palmer这样的乐队都将赋格段落和巴洛克风格的键盘乐段融入到他们的音乐中。和声进行也借鉴自古典音乐传统。

电子音乐运用巴赫的算法生成和声。对位法的规则被形式化地写入计算机程序，这些程序根据巴赫的原则创作新音乐。人工智能通过巴赫的圣咏进行训练，吸收和声语言的模式。

音乐疗法利用巴赫音乐的和声秩序。研究表明，巴赫的音乐对心理健康有益。和声逻辑创造了一种秩序感和稳定感，具有治疗作用。