安迪·沃霍尔的波普艺术肖像：丝印画的特征 自动翻译

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安迪·沃霍尔（Andy Warhol）现在被认为是其中一位 最伟大的后现代艺术家 二十世纪。 与弗朗西斯·培根一起，他的作品跻身世界 十大最昂贵的绘画 ，以及他对 美国艺术 不能被高估。 作为名人画家 流行艺术 运动，他-和画家一起 罗伊·利希滕斯坦 雕刻家 克莱斯·奥尔登堡 和其他-重新定义 当代艺术 1960年代和70年代。 他的 丝印 肖像画激发了流派的流派 肖像艺术 ，使他成为最具创新性的人之一 20世纪的肖像画家 。

介绍

的热情 安迪·沃霍尔 为了电视的美感，社会报纸专栏和粉丝杂志完全与抽象表现主义者所遵循的欧洲奋斗前卫艺术家的模式背道而驰。 沃霍尔要求财富和名望，他认为让他们着迷的任何人。 不仅如此，正如亚当·格普尼克（Adam Gopnik）指出的那样（1989年4月10日，纽约客），他的“口红和过氧化物调色板”具有“一种完全原始的色彩感，使以前的所有美国调色板看上去都具有欧洲色彩”。 沃霍尔对任何独创性的否认都定义了他的艺术身份，而他的画作的新颖外观-利用最新的商业艺术技巧-证实了这一点。

沃霍尔独特技能的一部分在于他认识到，与艺术作品相比，人们可以通过媒体更有效地进行交流，并且他试图完全在可复制图像的浅层平面上定义他的存在。 在1968年斯德哥尔摩现代博物馆的展览目录中，他写道：“如果您想了解安迪·沃霍尔的全部知识，只需看看我的画的表面，我便知道了。仅此而已。” 从1960年代初直到1987年去世，沃霍尔巧妙地利用了风格和媒体，从而坦率地展示了当代社会的浅薄价值，这种坦率既具有颠覆性，又比其时代领先。 他表明，在一个不断变化的图像世界中，所有名望都是平等的，而且基本上毫无意义。 他自己的公众形象可能令人难以抗拒，但是其肤浅的表面也留下了令人不安的情感空白。

注：其他流行艺术家包括：亚历克斯·卡兹（Alex Katz，生于1927年），雷·约翰逊（Ray Johnson，1927-95年），汤姆·韦瑟曼（Tom Wesselmann）（生于1931年）， 詹姆斯·罗森奎斯特 （b.1933）， 吉姆·丁 （b.1935年生）和 埃德·鲁沙（Ed Ruscha） （b.1937）。

背景

沃霍尔（Warhol）于1928年在匹兹堡附近出生，是一个拜占庭天主教天主教工人阶级移民的家庭。 在1949年获得卡内基理工学院平面设计学位后，他与同学菲利普·珀尔斯坦（Philip Pearlstein）（1924年生）搬入纽约的一间公寓，并迅速获得了商业艺术家的成功。 沃霍尔（Warhol）在《纽约时报》上为米勒（Miller and Co）设计的鞋子图纸特别受好评，并且在十年之内，他是该市薪水最高的商业艺术家之一，年薪6.5万美元。 沃霍尔（Warhol）继续从事图形艺术事业，直到1962年12月，但从一开始，他就怀private着成为一名成功的优秀画家的愿望。

从风格上讲，沃霍尔在1950年代对艺术的尝试与其在广告中的商业工作密切相关，他的商业设计实践中的几种方法和技术预见了他后来的美术的各个方面。 例如，他主持了“上色派对”来制作广告，并将几项任务委托给他的母亲，他后来在广泛使用助手来制作艺术品时会重复这种策略。 类似地，后来他采用丝网印刷的方法重复了他在纸上绘图（或从杂志中查找图片）然后将它们以湿墨水转移到准备好的背景上的技术。

沃霍尔早期流行艺术的特征

尽管沃霍尔在1950年代的几种艺术实践在他的后期作品中都得到了保留，但很难说它们不可避免地导致了令人震惊的直接性，他在1959年底突然开始在他的绘画中采用商业艺术风格。在他的漫画作品和报纸广告大画中，有直接从媒体直接使用题材的先例（例如，Campbells Soup Can，1962年）。 根据Barry Blinderman（《现代神话：对安迪·沃霍尔的采访》，1981年）所述，在60年代初，沃霍尔曾使用投影仪以机械精度来抄录和放大他的资料来源，在他的媒体声明中，他指出他的创作没有任何原创性。工作。 然而，从1961年在Leo Castelli画廊中遇到Roy Lichtenstein的漫画画起，他就放弃了漫画作为主题，这显示出了创造原始风格的敏锐本能。

决定了主题-廉价的小报上的廉价广告，漫画和标题后-沃霍尔（Warhol）在1960年至1962年之间以各种风格玩耍。在某些作品中，他以宽松的方式抄录了他的资料，并附上了油漆滴，以给他们一种手势绘画中表现力人物的形象。 同时，他创作了其他图像，这些图像具有坚硬，精确的边缘，冷淡，机械的风格，最终被他所接受，称它们为“无可奉告”的绘画。

沃霍尔（Warhol）享受了媒体广告所宣传的令人麻木的非选择性批量生产图像。 他的艺术表达并崇高了大众文化的“相同性”，而所谓的抽象表现主义知识分子则不赞成这种文化。 在他的《任何沃霍尔哲学》（The Philosophy of Any Warhol，1975年）一书中，他说他对美国最喜欢的是，美国最富有的消费者购买了许多与最贫穷的人们相同的东西。 “总统喝可乐，猫王喝可乐-任何人和所有人都喝可乐。没有钱能买到更好的可乐，因为所有可乐都是一样的。

即使这样，他对学科的选择也不是随机的或任意的。 正如Kynaston McShine在其出版物《安迪·沃霍尔：回顾展》（1989年，纽约现代艺术博物馆，纽约）中所揭示的那样，他的许多早期作品-“假发”，“你的破裂在哪里？”，“之前和之后”-关于有希望身体得到改善的产品姿势，头发和更大的肌肉，反映出沃霍尔的身体不安全感。 甚至他在1960-61年间绘制的《超人》和《大力水手》都是经历了即时物理变化的角色。 沃霍尔在1950年代尝试戴上银色假发并进行整容手术以重塑鼻子的方式改善了他的外表，从而证明了麦克Shine的解释。

沃霍尔直到1962年秋天埃莉诺·沃德（Eleanor Ward）在马able画廊（Stable Gallery）推广了他的流行绘画后，才在纽约进行展览，尽管他确实悬挂了其中的一些（例如广告，小国王，超人，之前和之后，以及他在1961年4月为Bonwit Teller举办的百货商店展示中以时装模特的背景为背景。星期六是Ferus画廊（洛杉矶）的Irving Blum在1962年秋天举办了他的第一场画廊展览：安装了32个Campbell汤罐，每个罐20 x 16英寸。 沃霍尔始终与时俱进，可能是对贾斯珀·约翰斯（Jasper Johns）的《彩绘青铜啤酒罐》（1960年）的回应，但在其量产状态的温和中立性方面超过了约翰斯雕塑。 这些图像是如此不可抗拒。 它们不是罐装的汤，而是图像，比当时的几乎所有绘画都更加绝对地将“指示符”与“指示符”相分离。 尽管直到1962年，沃霍尔（Warhol）的一些汤罐绘画仍保留了精致的手势特征，但32罐却没有任何表现力或个性的痕迹。

丝印：消除艺术家的触动

沃霍尔（Warhol）手工绘制了1961年和1962年的罐头和报纸头条，但在1962年末，他发现了如何将照片通过照相方式转移到丝网上，并立即转换为这种技术，从而消除了艺术家的所有触摸痕迹，并产生了更加机械的分离感。图片。 此外，他越来越依赖助手来创作他的画。 1963年6月，他聘请Gerard Malanga专职从事丝印画的创作，然后逐渐有其他助手加入了工资单。 他们像图形设计办公室的员工一样运作。 举例来说，沃霍尔（Warhol）开始在玛丽莲·梦露（Marilyn Monroes）上工作时，马兰加（Malanga）和比利·纳姆（Billy Name）进行了大部分工作，例如剪东西和布置屏幕。他走在行前问诸如“您认为哪种颜色好呢？”这样的问题。 沃霍尔故意指出他不参与创作，认为其他人应该可以为他完成所有画作。 他声称他之所以使用助手并按照他的方式工作是因为他想成为一台机器并创造出一种完全“中性”的外观，没有任何人为的感觉。 但是，事实是，如果他真的想要真正的商业外观，他很容易将工作外包出去。 照原样，他宁愿包括偶尔的人为错误，例如屏幕未对准，着墨不均匀和涂片间歇。

玛丽莲·梦露·利普斯（Marilyn Monroes Lips，1962年，华盛顿特区赫希霍恩博物馆和雕塑花园）看起来印刷效果不完美，黑线和彩色屏幕不太吻合，着墨质量差别很大。 大众市场商业流程造成的平庸重复似乎与这幅画以及Gold Marilyn Monroe（1962年，纽约现代艺术博物馆）中的个人存在（尽管是被动的）相冲突。 重复操作使图像具有匿名，淡淡的外观，而每个不完美制作的单元中的特定功能都设法使自己醒目，从而在机械外立面和掩埋在其中的个人的感觉之间造成了尴尬的不和谐。 因此，观察者和艺术家都被简化为被动的偷窥者，体验着作为大量生产的图像的流水线的生活。

电影明星和灾难图片：令人恐惧的空虚

玛丽莲·梦露，丽兹·泰勒（Liz Taylor）和其他电影明星的肖像越来越多，这与沃霍尔（Warhol）对好莱坞的魅力和闪闪发光的热情息息相关。 在安迪·沃霍尔（1968）的斯德哥尔摩现代博物馆展览目录中，他说：“我爱好莱坞。它很美。每个人都是塑料的。我想成为塑料的。” 他是最终的粉丝，最终的消费者。 但是他的《玛丽莲·梦露》也有阴暗面。 这些照片是在1962年8月女演员自杀后制作的。此外，她肖像的机械重复使她显得透明，肤浅，否认了她在表面形象下的任何个性。 它构成了一个令人恐惧的人格去人格化，也许反映了艺术家自己的形象。 例如，直到1975年，他才写道：“我仍然对着照镜子，一无所见的想法感到困扰。”

电视转播全国悲剧时，例如玛丽莲·梦露的自杀或约翰·肯尼迪的暗杀和葬礼（沃霍尔都痴迷于此），这些视频片段连续播放了几天。 沃霍尔的“玛丽莲”和其他多图像肖像具有相同的麻醉重复性。

沃霍尔（Warhol）于1963年开始着手制作灾难系列，例如《星期六灾难》（1964年，布兰代斯大学玫瑰美术馆），该系列进一步提高了“玛丽莲斯”病态的质量。他基于一系列可怕的警察和小报的车祸照片制作了该系列。受害者，电椅和原子弹。他以各种颜色和装饰图案重现了这些图像，这些图像之所以令人不安，不仅是因为它们令人恐惧的露骨性，而且还因为沃霍尔的超然离异意味着可怕的人格解体：一种情感空虚的反映六十年代的生活异化。

沃霍尔在1962年和1963年创作了几幅新达达艺术家罗伯特·劳森伯格（Robert Rauschenberg）的肖像，他因从贫穷而成名而受到崇敬。 从某种意义上说，劳森伯格的例子很好地体现了沃霍尔的名言：“未来每个人都将在十五分钟内成为世界闻名的人。” 沃霍尔极大地吸引了名人这一作为任何人都可以拥有的消费产品的观念。

工厂（1963-67）

1963年底，沃霍尔制片厂搬迁至东四十七街的一家老工厂。 众所周知，“工厂”逐渐演变成充满时尚个性和其他“美丽人物”，扮装皇后以及地下音乐成员的地方，其中许多人都沉迷于毒品和/或怪诞的行为。 。 沃霍尔似乎需要被怪兽和艺术家、, 废和放荡以及美术所包围。 无论如何，沃霍尔在1964年仍在生产。事实上，回顾过去，许多艺术评论家仍然坚信沃霍尔的重要作品可追溯到1960年至1964年。

到1965年，沃霍尔（Warhol）的名气越来越大，吸引了其他纽约名人，他们希望在The Factory上看到和看到它们。 同时，媒体吸引了沃霍尔，而访客和挂衣架争相引起他的注意。 1965年秋天，在费城当代艺术学院沃霍尔（Warhol）展览的开幕式上，四千人挤进了两个小房间，为了安全起见，工作人员不得不将画从墙上移开。 那是一场没有艺术的艺术展览！

沃霍尔后来在《流行主义》（1980年，沃霍尔和哈克特）一书中回忆说：“我想知道是什么使所有这些人尖叫。” “想到它是在艺术开幕式上发生的，真是不可思议。但是，那时，我们不仅在艺术展上，而且是艺术展。”

1966年，工厂人群在傍晚开始聚集在联合广场的一家餐厅，该餐厅被称为马克斯的堪萨斯城。 它受到艺术家和作家的欢迎，其后室则散布着各种暴露狂，毒品和性爱。 名人参观者包括杜鲁门·卡波特（Truman Capote），鲍比·肯尼迪（Bobby Kennedy），以及这座城市和地下世界的有影响力人物。 但是沃霍尔仍然是催化剂：他的出现激励或被动地激发人们在观看或拍照时活出幻想。

Leo Castelli拥有纽约最负盛名的后现代主义美术馆之一。 沃霍尔一直想在那里举办个展（罗伊·利希滕斯坦（Roy Lichtenstein）于1962年在那里举办个展），卡斯特利终于在1964年给他一个展。他的第一场演出是沃霍尔在他的作品中远离自然主义的“花”。调色板-并不是说他的早期作品在任何意义上都是自然主义的，但他倾向于要么使用与自然相对应的价值尺度，要么使用至少具有残差相似性的更人为的尺度。 从1964年开始，他开始在调色板中加入完全非自然的色彩：例如，涂上绿松石和粉红色的“坎贝尔汤罐”（而不是红色和白色），并创建带有蓝色面孔和黄色头发的多色调“自画像” 。

到1966年，沃霍尔（Warhol）成为六十年代纽约的主要艺术名人，并在最时尚的画廊举办展览，对绘画感到无聊，几乎停下来了，宁愿专注于推广一种迷幻的多媒体表演，称为“爆炸性塑料”。 “不可避免”，其中包括摇滚乐队Velvet Underground。 他还越来越多地拍摄电影，拍摄了《切尔西女孩》（The Chelsea Girls，1966），这是第一部在经济上非常成功的地下电影。 接下来是许多令人震惊的电影，这些电影完全无法证明其艺术创作的合理性。 这并不奇怪，因为他的早期电影在被动性方面毫不妥协。 他所做的只是将照相机对准某人，然后让它运行，没有音轨，就像他长达6个小时的无动作电影《睡眠》（1963）一样。 在Eat（1963）中，相机对流行歌手连续对焦45分钟 罗伯特·印第安纳 当他吞下蘑菇时。 在《帝国》（1964）中，相机在帝国大厦的顶部进行了8小时的严格对焦。

艺术衰落

1967年，工厂搬到联合广场西（Union Square West）的33号，直到1968年6月沃霍尔（Warhol）被一群瓦莱丽·索拉纳斯（Valerie Solanas）枪击并严重受伤后，场面变得越来越怪异，瓦莱丽·索拉纳斯（Valerie Solanas）在他的一部电影中只占一小部分。 狂欢的气氛突然结束了。 沃霍尔被宣布死在手术台上，但幸运的是复活了。 在医院待了8周之后，他回到了一个受惊的男人。 尽管他担心如果没有周围狂欢节式混乱的刺激，他可能会失去创造力，但进入工作室的机会却越来越紧。 工厂集中于将要销售的大量生产艺术品：即沃霍尔称之为“商业艺术品”的前卫商业纪念品。

实际上，沃霍尔（Warhol）的艺术品是从1963年开始使用流水线方法生产的-60年代中期，工厂每天生产多达80幅丝网印刷画，每周生产一部电影。 无论如何，到1969年中期，沃霍尔的美术作品已经基本枯竭。 正如沃霍尔（Warhol）的工作室助手之一布里吉德·波尔克（Brigid Polk）所说：“在过去的一年半里，我一直在做这一切。安迪不再做艺术了。他对此很无聊。” 确实是这样。 沃霍尔将注意力转移到他的上流社会八卦杂志《 Interview》等其他企业。

新画像

1970年代初期，沃霍尔通过一系列社会肖像和中共领导人毛泽东的绘画重新激发了他对绘画的兴趣-例如。 毛（1973年，芝加哥艺术学院）。 到现在，沃霍尔已经成为国际知名的艺术家名人-继毕加索之后最受关注的艺术家，并成为A社交场合和文化活动的常客。 随着越南战争的结束，以及水门事件的政治和犯罪启示，非常富有和反文化的抗议运动都将自己视为象征。 沃霍尔（Warhol）的毛主席画使富裕的艺术收藏家感到开心，同时通过将世界革命的标志性冠军转变为富人的消费品，证实了西方资本主义的优势。

出现了更多的肖像画。 的确，沃霍尔（Warhol）七十年代的丝网印刷肖像画复兴了肖像画艺术的流派。 许多作品以两个40 X 40英寸面板的标准格式印刷在准备好的纹理笔迹上，并且许多对象呈现出无量纲的塑料物体的外观。

什么是真实的？

在七十年代和八十年代，沃霍尔承担了更多的广告和设计委托。 当他在1986年内曼·马库斯（Neiman-Marcus）的圣诞节画册中入选时，他甚至成为了消费品：它与沃霍尔（Warhol）肖像画广告的价格为35, 000美元。 沃霍尔与地位和金钱的紧密联系利用了70年代和80年代美国消费文化的肤浅和唯物主义，因为各地的人们开始对生活的不真实感越来越疏远。 正如艺术家本人承认的那样：“我不知道人造物在哪里停下来，真正的起点在哪里。” 波普艺术大祭司悲哀地承认，他的职业生涯是揭示现代社会的“真相”。

安迪·沃霍尔（Andy Warhol）创作的波普艺术绘画和素描在世界许多地方都可以看到 当代艺术最好的画廊 并在 最好的艺术博物馆 在全球范围内。