当代英国绘画 自动翻译

英国艺术背景

1960年代-诞生的十年 当代艺术 -国民财富大大增加，个人的消费能力大大增强。 所有人都可以乘飞机旅行了； 留声机的唱片播放时间更长，每个青少年都有购买它们的资源。 战争消退到过去，但它的技术衍生品无处不在。 商业人工制品的物质世界主导了每个人对现实的感知。 大多数家庭都拥有电视，日常生活中常见的图像越来越多地由新闻摄影师提供或由广告代理商发明。 吸毒在波西米亚已经流行了一个多世纪了，如今已成为一种时尚。 1963年避孕药的问世很快就淘汰了传统上对男女行为的限制。

美国的影响

在所有这些问题上，美国人的生活和文化开始成为可以模仿的标准。 战后很长一段时间仍在英国驻扎的美国军人帮助他们实现了生活方式的自然化。 美国电影是在电视上看到的，American语是在街上听到的。 吉姆·波特（Jimmy Porter）是约翰·奥斯本（John Osborne）的戏剧《 回头看愤怒》 （ Look Back in Anger） （1957）的反英雄，他粗暴地观察到他生活在“美国时代”。 在艺术领域，“节拍”诗人和小说家杰克·凯鲁亚克（Jack Kerouac）和威廉·伯劳斯（William Burroughs）以及 马克·罗斯科 （ Mark Rothko） 和 杰克逊·波洛克 （ Jackson Pollock） 领导的 纽约 抽象表现主义画家的作品都宣布了这个时代。 波尔洛克的宏伟油画常常以绘画臂的全方位表现来表达，经常使用大桶的油漆飞溅和滴落在漩涡和螺旋中，这也许是存在主义的练习，就像他在欧洲的当代艺术家所做的那样少。 但是它们也是积极的，是创造力的断言，或者在罗斯科（Rothko）的情况下，是在思考有色空洞时要探索的精神高度和深度。

帕特里克·赫伦

这种积极的能量吸引了 帕特里克·赫伦 （1920-99），他是与纽约小组直接有联系的为数不多的英国画家之一。 在1950年代后期，他放弃了受到Braque和Matisse启发的人物题材和静物，他一直在绘画，并开始制作大型摘要，通常是在最初的“条纹绘画”中，堆起许多彩色的笔触，这些都是早期的反映。纽约的事态发展； 苍鹭本人声称自己已经独立到达这一点，并为某些美国人带路。

苍鹭在圣艾夫斯（St Ives）或附近生活了大部分时间，圣艾夫斯曾是战前许多最敏锐的风景画家的故乡，尤其是 本尼科尔森 （1894-1982）。 他在1950年代末和1960年代初的照片就像是模糊的，色彩鲜艳的回忆，让人联想到Nicholson整洁的几何形状。 它们与另一位与北爱尔兰艺术家圣艾夫斯（St Ives）有关的画家的作品有共同之处 威廉·斯科特 （1913-89），他沉迷于静物的抽象含义：从平面上看去，就像从空中看到的平底锅或水罐一样，成为了简化的颜色和形状排列的基础。 苍鹭的抽象确实在1970年代和1980年代变得非常庞大。 它们由色彩缤纷的粉红色，蓝色或黄色斑点互相漂浮而来，设法将其美感嫁接到一种非强制的新鲜感和完全是英语的自然美感上。

也可以看看： 分析名画 。

圣艾夫斯学校

遵循前面的示例 格雷厄姆·萨瑟兰 ，许多英国画家-以及有影响力的评论家 赫伯特·里德 -继续在圣艾夫斯（St Ives）寻找灵感，并发展了抽象的传统（另请参见 漩涡主义 ），应该得到更多的认可。 罗杰·希尔顿 （1911-75）和 特里·弗罗斯特 （生于1915年）是战后在那里工作的杰出艺术家。 乔伊·德·维尔维 （ Joie de vivre） 代表着他们大部分作品，证明了一种满足的心情，即使不是乐观，也弥漫着很多 圣艾夫斯学校 艺术。 在 彼得· 拉尼翁（ Peter Lanyon ，1918-64年），该镇有一个本地儿子，在康沃尔郡接受培训，像尼科尔森一样乐于融入 美术绘画 和3D 雕塑 以一种自由，表达力十足的方式自然地将他引向了大型抽象作品，并汲取了当地风景的特点。 他于1957年在纽约遇到了罗斯科（Rothko），他的作品在规模和广度上与纽约艺术家有联系。 但是他的画通常具有英国乡村和海边的色彩-漩涡状的绿色和棕色以蓝色和白色射穿，油漆浓密而有力地应用于大型的室外笔触。 这些照片从物理上体现了Lanyon对生命，死亡和重生的有机循环的关注，它们唤起了户外的新鲜风。 从诗意上讲，莱昂因滑行事故而死亡可能是适当的。

圣艾夫斯（St Ives）拥有白色的板岩屋顶小屋和狭窄的街道，错综复杂的海港前线和宽阔的海湾，似乎具有非凡的能力，可以引领艺术家前进，寻找一种语言来表达自己对这些雄辩的周围环境的强烈感觉。 灵感是至关重要的，因为抽象问题尚未解决。 这是否是不可避免的发展，每个认真的画家和雕刻家都必须追求的目标？ 还是总是有一个潜在的外部参考？ 在圣艾夫斯，有两种可能。 这个地方本身就是一种抽象，要求绘制和绘画。

英国画家 Victor Pasmore（1908-98）于1950年访问了该镇，大约在那时， 代表性艺术 放弃了色彩淡淡，富有诗意的泰晤士河场景以及为纯抽象构图的坚固建模人物研究，他以福音派的活力在泰恩河畔纽卡斯尔大学艺术学院担任绘画总监，追求这一点。 他采用了非代表性艺术的新国际语言，在这种语言中，他一言以蔽之。 但是他故意允许他的作品，无论是绘画， 拼贴 或浮雕雕塑，带有“自己动手”结构的标记-碎片破裂，可见的粘胶-是真实性的印记，与这些精简，精巧的精巧练习表面上的“机械”质量背道而驰。

尤斯顿路学校

在此之前，Pasmore早在1937年就与 William Coldstream （1908-87）和 Claude Rogers （1907-79）一起创立了 Euston道路学校 ，试图摆脱抽象和表示的不确定性。 尽管他们欣赏最近取得的许多成就，但他们认为绘画对于初学者来说应该是可以理解的。 1930年代经济萧条引发的社会问题极大地影响了Coldstream。 他认为真正的左翼艺术必须是普遍可用的，而不是稀缺的抽象知识。 “我坚信艺术应该面向更广泛的公众”，Coldstream写道。 “而我所学到的所有艺术革命思想都朝着相反的方向发展。” 他自己解决问题的方法是对现实进行仔细的审查，用肉眼观察，然后通过半虚构，半真实的网格将其转移到画布上。 网格由Euston Road的学生 Lawrence Gowing （1918-91）称为“扫描”，使图片具有淡淡的机械外观，如果不是现代主义，也许可以帮助验证对现代性的吸引力。 Gowing谈到了“验证的美学”，而当代英国哲学很容易被“验证主义”所接受。 务实的需要只说明在Euston Road图片中可以确认的真实内容。

另一位Euston Road画家 Euan Uglow （1930-2000年）通过无情地系统客观地绘制人体来解决了这个问题。 他的“扫描”措施将头部，四肢和躯干划分为一个空间，似乎暗示着这个问题的确切答案：所有这些部分如何相互关联？ 没有机会的余地。 结果是令人喘不过气来的平衡，这是由无情的智力过程决定的。 尽管有人物存在，但这本质上是抽象绘画。

传统主题

弘扬现代主义和传统世界的大师是 斯坦利·斯宾塞 （ Stanley Spencer ，1891-1959年），不足为奇的是，有些艺术家发现他的榜样在努力建立一种可行的个人风格中很有价值。 诺曼·布拉尼 （ Norman Blarney ，1914-2000年）以斯宾塞（Spencer）具纪念意义的人物构图为出发点，以大胆，简化的语言设计出复杂的空间设计。 他还继承了Spencer的深厚宗教信仰。 他一生的工作主要由一系列记录高国教教堂礼节的绘画作品所主导。 他 在圣潘克拉斯旧教堂举行的教务长弥撒期间的场景 （1960）是一个有力的例子。 宗教主题在20世纪的英国并没有消亡。 凡妮莎·贝尔 和 邓肯·格兰特 （ Vanessa Bell） 和 邓肯·格兰特 （ Duncan Grant ）在其职业生涯的后期，不再先锋派，为南丘陵下的查尔斯顿附近的贝里克教堂制作了大型壁画。 约翰·沃德 （ John Ward ，生于1918年）在肯特郡（Challock）的一个小乡村教区，在当地乡村和一群当地群众的情节中演出了一系列抒情 场面，来自《基督生平》 （1958）。 多年以来， 皇家学院 展示了 卡雷尔· 惠特（ Carel Weight） （1908-97）的画作，这些画作表达了20世纪后期更为不安的灵性，并在伦敦郊区的单调景观中引发了隐约超越自然的事件。

厨房水槽学校

这些奇异的艺术家很大程度上是通过退出该时期的知识分子之战，而忽略了其光鲜的商业主义，从而找到了自己的声音。 对于那些参与辩论的人来说，正是这为更全面地了解现实提供了灵感。 在1950年代，所谓的 厨房水槽学校 -也许是最现实的 学校 现代艺术运动 -出现了，使Sickert对家用破烂病的热爱进一步发展了： 约翰·布拉特比 （1928-92）和 杰克·史密斯 （b.1928）的粗略处理照片使存根充满的烟灰缸，浴室配件和凌乱成为现实厨房。 在美国和英格兰，街道上的大量信息-路标，广告，报纸照片-都在迅速被称为波普艺术（Pop Art）的图像中找到了途径，波普艺术是最早的国际化艺术之一 当代艺术运动 。 而而 油漆 没有过时的，新的，工业生产的 丙烯画 清洁，光滑的质地和易于使用的特性提供了一种适当的光泽替代品。

英国流行艺术

在1950年代中期，英国画家 彼得·布雷克 （ Peter Blake ，生于1932年）开始将明信片和杂志封面结合到他的照片中，创建了绘画和拼贴的混合体，该技术起源于立体派。 从一开始就 流行艺术 体现了新的英美文化的张力。 布莱克（Blake）的 女孩及其英雄（1959）（猫王） 用丙烯酸画而成，记录在从报纸和流行杂志借来的图像中，英国人对美国商业音乐，摇滚乐（Rock’n’Roll）和猫王（Elvis Presley）表现出极大的热情。 布雷克（Blake）在《 带徽章的自画像》 （ Self-portrait with Badges ，1961）中以自己目前的从属关系，兴趣和忠诚度来表明自己的身份，这一点得到了他在衣服上固定的标志性锡徽章的肯定。 艺术家和服装的自觉青春是当下的代表。

日益壮大的波普艺术运动得益于英国和美国艺术家之间的友谊。 RB Kitaj （ b.1932年生 ）于1957年从美国来到伦敦，并进入了皇家艺术学院，在那里他结识了 大卫·霍克尼 （b.1937）。 霍克尼（Hockney）的学生作品是出于认真的 Euston Road School学派 。 到本世纪末，他采用流行音乐的方式是一次惊人的转变。 被涂污的表面（如旧的城市墙壁）上覆盖着随意的涂鸦，成为碰碰的背景，有时甚至构成了整个画面。 幻觉风格的茶画 （1961）结合了家常的Ty-phoo茶包，将这个版本的Pop摆放到了弗朗西斯·培根（Francis Bacon）一样的空间和图像歧义中，毫无疑问地放在了一个舒适的中产阶级下英格兰，而不是在曼哈顿的街道。 相比之下，基塔伊（Kitaj）是一个世界主义者，将取自文学，哲学和艺术史的思想融入到现代世界的万花筒式讽刺作品中，尽管如此，却充满了人类的同情心。 这种同情温暖了他精美的绘画和周到的肖像。 霍克尼（Hockney）也是一位出色的制图员，在1970年代，他对他的朋友及其在伦敦和洛杉矶的家庭环境进行了一系列敏感研究。 他很快屈服于美国生活的吸引力，并搬到加利福尼亚，在那里拍摄的照片完全明显地唤起了游泳池边和棕榈树林荫大道上阳光普照，悠闲的生活方式。 从浑浊的浆状颜料到鲜艳的原色透明度的转变是对环境变化的显着反应。

这些艺术家的整体讽刺意味被 艾伦·琼斯 （ Allen Jones ，b.1937年）的作品中的激烈讽刺所取代， 艾伦·琼斯 （ Allen Jones ）一直痴迷于在商业艺术中使用女性形象。 这些图像的明显暗示性目的是讽刺于他那锐利的胸膛，鱼网状的腿，但通常带有华丽的颜色和光滑的轮廓的明显不露面的人物。 理查德·汉密尔顿 （生于1922年）的社会评论也具有讽刺意味， 理查德·汉密尔顿 （ Richard Hamilton ）的图像通常基于新闻图片和广告，从而散布了1960年代在媒体中传播的反保守讽刺讽刺的精神。

伦敦学院

值得记住的是，英国画家和蚀刻师 沃尔特·西克特 （1860-1942）率先使用报纸照片作为1930年代照片的基础。 对绘画中可识别的“伦敦”品质的认可很大程度上归功于Sickert的才华，尽管不能说1970年代盛行的所谓的“ 伦敦学校 ”具有单一的风格或方法。 在这里，根据他们的兴趣，将许多在这里不同地方讨论过的艺术家归为一组。 也许 莱昂·科索夫 （ Leon Kossoff，生于 1926年）的处理粗糙的游泳浴场或地铁站场景，其场景 厚涂颜料 和紧急的自发性，继续通过Sickertian的眼睛看到伦敦。 我们在 弗兰克·奥尔巴赫 （生于1931年），他的技术像科索夫（Kossoff）一样，源于庞贝（Bomberg）的后一种风格，后者在自治市立理工学院教过他们。 像科索夫一样，他也选择伦敦的主题-人民和风景。 穿越Auerbach扭曲的表面的明显混乱，以发现汉普斯特德·希思（Hampstead Heath）上的面孔或树木，在下面结实而严格的纪律结构，这是一次有益的经历。 相比之下， 迈克尔·安德鲁斯 （ Michael Andrews ，1928-90年）则使用精美的涂料，专门研究城市日常生活，群体肖像和地形景观等传统主题，尽管有时在很大的画布上工作。 注意：有关当代英国画家的一些作品的分析，请参见： 现代绘画分析 （1800-2000）。

英国抽象艺术

这些发展大多与 抽象主义 。 肯尼斯·马丁 （ Kenneth Martin ，1905-84年）和妻子 玛丽·马丁 （ Mary Martin ，1907-69年）的作品与对Coldstream对日常生活的研究进行了仔细的审查和衡量相符，后者的绘画和浮雕是Piet Mondrian和Russian的发展作品 建构主义 。 他们通过数学计算来建立自己的构图，在画布上放置最小的标记-线条，块或空间-并非出于美学决定，而是遵循精心计划的“和”顺序。 最终的图案既凉爽又干燥，但就肯尼思·马丁而言，却以低调的方式令人惊讶，有时甚至表现力十足。 它们以微妙平衡的移动雕塑形式自然地扩展到三个维度。 玛丽·马丁（Mary Martin）的画作同样精巧地计算，具有罕见的静止性和平衡性。

OP-艺术

同样，波普艺术对商业和媒体意象的评论在 布里奇特·赖利 （b.1931）。 赖利（Riley）一直是国际化的专精 欧普艺术运动 在1960年代和1970年代处于鼎盛时期。 这是一种抽象方法，其重点是刚性但细微的几何形状和令人吃惊的色彩组合。 莱利开始只用黑白绘画，用精细调制的条纹或点滴动眼睛，看起来像是闪烁，褪色或折叠。 她的冷静，坚强的客观性使她尽力聘请助手进行实际的绘画工作：故意消除了艺术家的个性和所有代表性的参照物，其程度在英国抽象艺术中是罕见的-比较帕斯莫尔保留自己个人风格的焦虑印记。 蒙德里安的格子是赖利（Riley）方法的根源，但有趣的是，当她试图复制他的 百老汇布吉·伍吉（Broadgie Boogie Woogie）时， 她放弃了它，无法感觉到自己进入蒙德里安（Mondrian）创作过程的方式。 因此，她自己的抽象语言是本质上不同的，并且是战后最原始的语言之一。

霍华德·霍奇金

莱利和马丁斯的艺术谱的另一端是郁郁葱葱的 霍华德·霍奇金 （ Howard Hodgkin ，1932年生）的绘画，他继承了基于表示的抽象本国传统： 马修·史密斯爵士 （1879年）的裸体和静物-1959年）和 伊冯·希钦斯 （1893-1979年）的 水域 景观似乎都对他产生了影响。 他画的肖像画，室内装饰，风景画都变成了发光的彩色大锅，上面散布着波尔卡圆点和融化的彩虹，其中极富光泽感的油漆起到了画龙点睛的作用。 他在印度度过了很多时间，印度布料的出色花纹在他的作品中起着重要的作用。 甚至连他的画框都被涂上了油漆，使他笔法的丰富广度超出了绘画空间，并延伸到了房间。 甜美应用价值的年轻指数 彩色颜料 是特蕾斯· 奥尔顿 （ Therese Oulton ，生于1953年），他的大画布常常被水波荡漾的潮水淹没，大量的，沉闷的色彩被间歇性的适宜光线闪烁照亮。

奥尔顿时代的另一位抽象画家 克里斯托弗·勒·布伦 （ Christopher Le Brun ，生于1951年），在他那幅沉闷的大画作中反映了纽约画派的一些关注。 尽管他阴暗的空间通常以更具体的方式唤起先验者。 尤其是最近，他引入了强有力的代表性元素，这些元素通常取材于那些象征主义主义者的最爱瓦格纳和但丁。 该摘要毫不费力地融入了音乐表现主义者。 勒布朗（Le Brun）从完全抽象的观点转向对人类渴望，怀旧或痛苦的无法言喻的方面的代表性描述，这是本世纪最后几年越来越多的方法的征兆。

卢西安·弗洛伊德（Lucian Freud）

也许并非偶然的是，本世纪末英国绘画的主要天才是一位年长的画家，他一再坚持艺术学校的美德，而这所学校似乎在1960年代和1970年代的破例时代受到了严重威胁。 卢西安·弗洛伊德（Lucian Freud） （1922-2011）1930年代与家人一起来自维也纳，他早年的工作经历 超现实主义 和主题 德国表现主义 战后初期的紧张焦虑情绪直截了当。 但是在他1950年代的肖像画中，已经对人体的微小细节表现出了毫不妥协的迷恋-痴迷不是一个字。 多年来，审查变得更加微观，对每条静脉和毛孔都给予了无情的关注。 有时让我们想起Spencer朴实的裸体，以及他对人类与动物死肉的显式比较-也许与 法式培根 （1909-92）最初可能会出现。 从长远来看，弗洛伊德从来没有必要离开艺术学校：他所有的材料都在那里。 愿意的模特儿坦率地将他或她自己暴露在艺术家的强烈观察之下，而周围环境则非常不重要-沙发，粗ro​​ughly的床，裸露的木板。 所有这些都是古老的血统，弗洛伊德也没有尝试将他的主题打扮成现代的。 然而，由于他凝视的本质，它是现代的-未经审查，不可动摇，富有同情心。 这些是我们仍在努力完全理解的解放后的骄傲。

弗洛伊德画了许多肖像，尽管他不是老式的肖像画家：他不满足自爱，并希望不讨好任何人，至少要讨好自己。 是他的祖父西格蒙德·弗洛伊德（Sigmund Freud），他使20世纪社会上几乎没有肖像画家成为可能。 现在，人脸画家几乎不得不阐述自己的心理，无论他的表面主题如何。 一个很好的例子就是奥尔巴赫的肖像，这些肖像带有折磨的，大量使用的油漆。 但是出于这个原因，我们应该赞扬许多继续履行社会肖像画家功能的艺术家。 他们在这样一个世界上做事，这使得人们越来越难以尊重决定肖像参数的旧的权力，地位和财富议程。 肖像画仍然是一种偏爱，这在英国绘画界很典型。 对可识别的相似性的渴望与以往一样强烈。 布拉尼（Blarney）和沃德（Ward）是出于记录目的而制作技术上出色的肖像的人， 霍华德·摩根 （ Howard Morgan （b.1949））重制了光面flat媚的传统，因此受到了有效的利用。 托马斯·劳伦斯 和 约翰·辛格·萨金特（John Singer Sargent） 一起在注重媒体的时刻创造出一种风格。

弗洛伊德的榜样激发了人们对该人物的新兴趣，的确，本世纪的最后几十年，主题绘画的复兴，例如爱尔兰艺术家 斯蒂芬·麦肯纳 （ Stephen McKenna ，生于1939年）的神秘，常常是超现实主义的风景和室内装饰，以及 肯·基夫 （ Ken Kiff ，1935-2001年）的幻想，以简单，童趣的形式和充满生机，不混和的色调讲述了童话故事，其中有些带有格里姆式的恐怖，有些则喜剧，通常使用浓密而明亮的水彩画。

英国青年艺术家（YBA）

我们已经看到了尼科尔森（Nicholson），马丁（Martin）等人的20世纪绘画如何自然地走向雕塑。 近几十年来，各种媒体之间的界限变得越来越模糊，许多艺术家携手合作。 相机起着越来越重要的作用：静态摄影，电影和视频都进入了混合媒体创意的舞台。 概念艺术 倾向于抢风头，特别是在“英国背包”中 达米安·赫斯特（Damien Hirst） 他在1990年代崭露头角，在其Britart中重塑了前卫的旧技术：奇异的相异之处，日常物品或情色用品被用来探索现代生活中日益多样化的体验。 尽管技术手段飞速增长，但许多年轻艺术家还是将绘画作为反映世界的适当媒介。 但是，当时的心情已被对过去时代艺术的自觉性意识所打扫，并且不断涌现出讽刺性借口，这是对解构传统概念和工作方法的后现代热爱。

在这些年轻的当代艺术家中，较为传统的一位是 彼得·多伊格 （ Peter Doig，生于 1959年），他以人物的身分回到风景名胜的语言中，玩着树木在雪地上玩耍（冬季运动是常见的主题），或者自然和建筑形式的相互关系。 加里·休姆 （ Gary Hume ，生于1962年）在图像中重现了流行音乐运动的一些生气勃勃的方面，这些方面的效果很大程度上来自大胆简化的抽象，并以引人注目的色彩和广告形状进行了投射。

对 菲奥娜·雷 （ Fiona Rae ，1963年生）的抽象作品提出批评的欲望以一种有趣的形式出现。 她的作品可以看作是对20世纪许多运动的解构，并暗指毕加索，培根和波洛克。 它们是由似乎是偶然的主题相连而成的。 其作用是将抽象的可能性发挥到极致。

从一个截然不同的位置开始， 珍妮·萨维尔（Jenny Saville） （1970年出生）将弗洛伊德的183幅人体解剖学带进了一步，在布罗布丁纳特写中呈现了她巨大的女性裸体，像突变体一样扭曲甚至变形。

相比之下，苏格兰画家 杰克·维特里亚诺 （1951年生）以其风格化的油画取得了巨大的商业成功，这种油画描绘了怀旧的，虽然有些暗示性的男女会面场景，例如 《唱歌的男管家》 （1992年，私人收藏）。

尽管有将近一百五十年的临终预言，绘画仍未从其在视觉艺术中的独特地位移开，并继续吸引着严肃的从业者，同时也反映出了年长的同胞的深思熟虑。 ，是当代多媒体艺术的许多创新。 抽象追求其使命是探究思想和经验的更不可思议的方面，而在一种复兴的象征性传统中，我们的人性再次从个体及其相互作用的角度进行研究。 事物很少像它们看起来的那样真实：这些艺术家提请人们注意生活的奇异之处以及生活的奇异之处。 对人类现实的探索接触对于为一连串的艺术作品充电至关重要，而这种相遇无止境。