雕塑家，十九世纪 自动翻译

十九世纪是一个永恒的危机时代，最优秀的艺术家与公众之间越来越多的利益冲突导致双方都深感沮丧。 雕塑家从未经历过如此的敌意或他们的才华如此敏感。 这在很大程度上是由于艺术家与社会日益疏远的结果，这既是浪漫运动的原因也是后果，但雕塑家比其他艺术家更容易受到伤害。 原因很明显。 用于的材料 雕塑 花费更多。 没有雕塑家，任何雕塑家都无法在没有委员会的情况下竖立一座大型纪念碑。在市政局和委员会的形式下，他们比以往任何时候都更受舆论的支配，他们对艺术的微妙之处几乎没有耐心。 虽然画家经常可以找到一小撮富有同情心的顾客来使他们继续前进，但雕刻家不得不与公众品味融洽，结果他们中的许多人被迫以两种不同的方式工作： 学术艺术风格 以获得公共佣金，并在他们的工作室中获得更自由，更自发的表达。

陪审团的力量 沙龙 ，雕刻家普罗特（Preault）称其为“ Le reptiles de l’Institut”。 是整个19世纪法国局势的主要因素。 尽管制度发生了变化，陪审团在学术上也保持了坚定不移的态度，但并没有给沙龙施加古典的严厉性，而是鼓励了一种无害的胆小方法，该方法被认为可以吸引“正义军方”。 上半个世纪最成功的沙龙风格从业者是 詹姆斯·普拉迪尔 （ James Pradier，1790- 1852年），他的风格设法成为 洛可可 ，古典和现实主义同时达到完全无风格的地步。 他的成功是对波德莱尔（Baudelaire）的成功，标志着当代雕塑的微弱。 普雷迪尔（M. Pradier）是其国王，这是当今雕塑可怜状态的极好证明。 他的才华冷酷而学术。 他一生都在增添一小撮古董躯干，并为她们配备被保管的女性。

鲍德莱尔（Baudelaire）对雕塑艺术被大量生产用于琐碎目的而贬低的方式感到痛苦。 “他们是像院士一样学识渊博的，或者是杂技演员的学识； 他们释放所有时期和所有类型的自由； 他们深入了所有学校的深度。 他们很乐意甚至将圣丹尼斯的坟墓改成雪茄盒或披肩盒，并将每一种佛罗伦萨青铜改成三便士。 雕刻家突袭了艺术史，以其如画的形式和生硬的效果。 法国在恢复时期对浪漫雕塑家的正式谴责意味着，只有准备按照双重标准工作的浪漫雕塑家才得到主要佣金。

注意：有关3D艺术的起源和发展（包括主要机械运动）的指南，请参阅： 雕塑史 。

奥古斯特·普雷特 （1810-79）对他的作品毫不妥协地表现出了非凡的浪漫。 他从当时的著作中偶尔出现，是一个完全的波西米亚风格：一个机灵的人，鲍德莱尔（Baudelaire）认为他是唯一一个用凿子工作的同胞精神，对自己的“加勒比人”和“雕刻家”也很鄙视。 鲍德莱（Baudelaire）引用他的话说：“我是米开朗基罗（Michelangelo），让·高昂（Jean Gaujon）和杰曼·皮隆（Germain Pilon）的行家。 但是对于雕塑，我是一个完全的无知。” 当时的作家认为雕塑是最不适合表达浪漫主义的艺术，但普罗特似乎已经蓄意着手试图通过在雕塑的框架内表达强烈的个人情感来挑战这种观点。 浮雕 。 Tuerie （1834）缺乏明确定义的主题，被认为是片段，但受害者的痛苦在罗丹（Rodin）的本世纪的视觉艺术中没有发现。 青铜雕塑 加莱城堡的雕像 。 奥菲利亚 （1843）的救济同样令人惊讶，因为如果不知道它最初是在1843年构想的，人们可能会误认为它是 新艺术运动 本世纪初的生产。 可以发现法国16世纪艺术家 让·古洪 （ Jean Goujon） 雕塑的回声，但是几乎没有什么养育他的同时代人的伟大古典传统。

[*有关古典雕塑的更多信息，请参见 希腊艺术 和 希腊雕塑 。 也可以看看 罗马艺术 ]

Preault出生于1809年，曾在David d’Angers的工作室学习。 他于1833年首次亮相沙龙， 当时他的肖像 浮雕 是《诗人吉尔伯特 之 死》的 浮雕，由阿尔弗雷德·德·维尼（Alfred de Vigny）和 斯特拉 · 米塞勒 （ La Misere）创作 ， 诗人 吉洛尔 （ Deello） 死于母亲的怀抱，但他的作品一直被沙龙拒绝，直到1839年，尽管他们受到浪漫作家的钦佩。

尽管被称为浪漫主义者，但当时的其他雕塑家却与传统模式妥协。 弗朗索瓦·鲁德 （ Francois Rude， 1784-1855年）的 马赛 （ Marseillaise ，1833-6年）是一个很难将浪漫元素孤立在构图中的例子，这种构图归因于各种风格。 人物在单个平面上的移动和动作的顺序在概念上是传统的，但是La Patrie的哭泣和手势具有戏剧性，在爱国纪念碑的背景下令人吃惊。 拉帕特里（La Patrie）的身材对于现代品味而言过于古怪，但其奔放的激情使主要群体的学术头脑更加活跃。 士兵们的英勇精神表达了对革命后时期的怀旧之情，是爱国主义和公民美德之一，而鲁德的拿破仑觉醒到永生之墓（1845年）则显示出一种纯正的浪漫感觉，取代了 新古典艺术 具有远见的构想形式，使明暗对比对于雕塑表现很重要。

David d’Angers （1788-1856）在他的时代被认为是必不可少的浪漫雕塑家，但他的公开表演（如万神殿的下）却乏味而学术。 他的作品比其他艺术家更清楚地展示了私人作品和公共作品之间的裂隙，并且他始终无法将兵马俑素描的自发性贯彻到他的纪念性作品中。 他以一系列特征鲜明但技术单调的肖像奖章来纪念欧洲的伟人。

关于雕塑欣赏的注意事项
要了解如何评估19世纪的现代主义雕刻家，请参阅： 如何欣赏现代雕塑 。 有关早期作品，请参阅： 如何欣赏雕塑 。

Antoine-Louis Barye （1796-1875）的浪漫主义风格与Delacroix的绘画相呼应，该绘画彰显了外来动物的力量和力量。 他是最著名的动物学家之一，他通过廉价而粗糙的砂铸工艺生产了数千只青铜器，但他本人更喜欢采用成本更高，更费力的cire-perdu（失蜡）方法进行作业，因为为了保留他对表面的原始处理。

不幸的是，他的工匠般的挑剔与时代潮流相反，这要求复制品的价格越来越便宜，并且他的作品质量低，导致未经他的同意，他的青铜器铸就了许多不同的口径。 巴里（Barye）还为所谓的历史浪漫主义做出了杰出贡献。 对于他的正式任务，他采用了基于古典的古希腊风格 大理石雕塑 ，其中轻快的运动感与手势的使用协调一致，如 “ These修斯与半人马座战斗”中 所示的 示例 。 对“原始”艺术形式的这种兴趣可以与 Felicie de St Fauveau （1799-1886）领导的“佛罗伦萨”活动 相提并论 ，后者以佛罗伦萨为基础** 原复兴 trecento，其主要工作是但丁的精美纪念碑。 这些艺术家的活动试图用最近重新受到青睐的时期作品来代替传统模型，导致奎特梅雷·德·昆西（Quatremere de Quincy）指出“佛罗伦萨和雅典是沦亡的地方”。

[**有关更多信息 意大利文艺复兴时期雕塑 ，请参阅 文艺复兴时期的雕刻家 例如：多纳泰罗（Donatello（1386-1466），米开朗基罗（1475-1564）和矫饰主义的Giambologna（1529-1608）。]

浪漫主义雕塑家已经探索了各种学术正统的替代方法，但是在19世纪上半叶，巴洛克风格仍然令人难以接受，仍然被认为是一种轻率而又自言自语的风格。 在第二帝国的第二个世纪下半叶，人们对十八世纪宫廷风格的轻松愉快和 让-巴蒂斯特·卡尔佩 （1827-75）尽管沙龙持续不屈不挠，但仍受到青睐。 在Carpeaux的雕塑中，新鲜的反应感和处理感以及一种百家乐的感觉相结合，这是十七世纪绘画中最接近的先例。 Carpeaux最初是 Rude 的学生，1853年他去了罗马，在那里住了很多年。 1860年，他在那里完成了一群Ugolino和他的孩子们，在罗马受到高度赞扬，但在巴黎学院受到冷落。 它是19世纪折衷主义的最完整表达。 该主题取材于但丁，在18世纪后期的英国浪漫主义画家中很受欢迎，但后来的艺术家认为它太令人痛苦。 Carpeaux对这个问题的治疗是自然主义的，但是其成分和表面处理却显示出广泛的影响。 构图立即 使人联想起Laocoon ，但强烈的内心痛苦使人想起 高复兴 的传统 米开朗基罗 并期待罗丹。 它具有出色的学习能力和无可挑剔的技术，从某种意义上说，它毫不逊色地具有学术性，但Carpeaux并没有再次尝试其高度重视。

他回到巴黎后， 造型艺术 不再寻求崇高的精神，而是探索光影和节奏运动的可能性，最终以他的杰作《歌剧院外墙》（1868-9）的《丹丹》（ La Danse） 达到高潮。 由于拿破仑二世及其家人的支持，Carpeaux得以回避学者的反对，但这并不能保护他免受虐待， La Danse 成为公众场合的 名人 。 对当时的罗丹和他的同学们来说，这种方法的新鲜感是一个启示，但是批评者却把它看作是试图建立色情主义纪念碑的一种尝试。 它使以前与小克洛迪翁和马林兵马俑相关联的处理自由进入了公共事业，并否定了鲁德 马赛 小说中爱国主义和公民主义的内容。 它本身就是一件艺术品，其质量在于人物的狂喜运动和空间关系的复杂性，而自巴洛克时期以来几乎没有尝试过短暂的运动感。 像巴洛克风格一样，它也容易受到轻浮的束缚，甚至从Carpeaux那里学到很多东西的罗丹也觉得鲁德的《 马赛 曲》是更深刻的作品。

他更亲密的研究和素描表明，他对破碎的表面和轮廓有了更大的探索。 在Flaubert博士的肖像中，建模的自由度营造出一种动画效果，使人联想到 贝尼尼 Scipione Borghese的画像。 尽管当时的学术雕塑家仍使用抛光的表面，但Carpeaux几乎将表面的表现力解放到了抽象的程度，但并未以三维结构为代价。 刻意缺乏饰面，雕塑的革命性发展导致素描和成品之间的障碍逐渐被打破。

Carpeaux的性感感被 Ernest Carrier-Belleuse （1824-87）适应了1860年代装饰雕刻家的要求，他是最大的青铜生产车间 肖像半身像 和装饰品。 埃德蒙· 冈古特 （Edmond Goncourt）将他描述为当时的 钟表匠 ，他的作品无疑要归功于这位大师的小兵马俑，但他的作品规模更大，搬运时也具有Carpeaux的自由度，尤其是在头发上图示的 Bacchante 。 然而，他的真正重要性在于，罗丹受雇于他的工作室，并通过为他的主人制作大量兵马俑模型而获得了极大的便利。

朱尔斯·达洛 （ Jules Dalou ，1838-1902年）也受到了Carpeaux（他被称为“ un Carpeaux gras”）的影响，但他的最佳作品是沉思和认真的。 Dalou缺乏Carpeaux的视野和分组指挥能力，但他 现实主义 进行了更多的搜索，而他对工人的研究（以米勒绘画的强烈社会主义精神进行）也具有德加的私人研究的亲密感。 像梵高一样，他从对英国维多利亚时代艺术家的研究中吸收了对工人阶级主题的兴趣，但他无法以对纪念性建筑的渴望和他在国家广场的 胜利 （1899年）调和这一现实主义在巴黎，除了部分地区外，其他地区都不令人印象深刻。 他的工作纪念碑计划旨在展示所有人类活动和工作，而这只是预科课程。 它的构想是一座巨大的塔楼，为罗丹在1894年开始的更为堕胎的纪念碑提供了先例。

一个人也不应忘记（1）阿尔萨斯富有进取精神和创新精神的雕塑家- 奥古斯特·巴索迪（Auguste Bartholdi） （1834-1904）-举世闻名 雕像 被称为 自由女神像 比他和大多数他的同龄人活得更长寿； 和（2）受欢迎的纪念性美国雕塑家 丹尼尔·切斯特（Daniel Chester）法语 。

浪漫主义运动对英国雕塑的影响不大，在生命力上堪比法国最好的产品。 维多利亚时代的艺术 直到 阿尔弗雷德·史蒂文斯（Alfred Stevens） 在他之后 弗雷德里克·莱顿 。 阿尔伯特纪念堂（Albert Memorial）艺术家的无菌学术现实主义别无选择（请参阅 爱尔兰雕塑 和 约翰·亨利·佛利 ），他以牺牲艺术活力为代价，获得了致命的技术能力。 偶尔会制作出精美的人像胸像，但机械复制和放大的微妙的消隐作用破坏了艺术个性的表达，而易于铸造和加工的人造石的发展。 例如科德石，这意味着即使大规模 石雕 可以被视为大规模生产的商品。

由利物浦行家威廉·罗斯科（William Roscoe）发现的 约翰·吉布森 （ John Gibson ，1791-1866年）试图在本世纪下半叶保持完整性。 新古典雕塑 他从他的主人那里学到的 安东尼奥·卡诺瓦 （1757-1822）和 贝特尔·托瓦尔森（Bertel Thorwaldsen） （1868-1944），但他只有在罗马工作了大部分时间才获得成功。 通过仔细研究人体，可以减轻他的工作的严峻性，但是美国 希兰姆·鲍尔斯 （1805-73）的工作显示出对形式纯洁的追求，而这种追求常常变得平淡无奇。 然而，不应仅将19世纪的古典主义者视为风格上的 迟钝者 。 他们保留了形式纯净的理想，这种理想将在 阿里斯蒂德·梅洛（Aristide Maillol） （1861-1944）和 康斯坦丁·布朗库西 （1876-1957），他在本世纪末寻求替代罗丹的“牛排”艺术。 （注：有关新古典主义早期时代的详细信息，请参阅： 新古典雕塑家 。）阿尔弗雷德·史蒂文斯（Alfred Stevens）是阿尔弗雷德·吉尔伯特爵士（Alfred Gilbert）爵士之前唯一拥有这一天赋的雕塑家，这可能使英国雕塑脱离了地方主义。 但是他的职业生涯是永远的挫败感之一，只有他强大的模型才能真正体现出他的米开朗基罗风格和野心。 也可以看看： 美国雕刻家 。

现在，我们来谈谈19世纪以来最杰出的造型师，以及自从Mannerism以来最伟大的雕塑家： 奥古斯特·罗丹（Auguste Rodin） （1840-1917）。

也可以看看 20世纪雕刻家 。