Diego Rodriguez de Silva Velazquez（1599-1660）

伟大的画家和杰出的外交家迭戈罗德里格斯德席尔瓦维拉斯奎兹已成为17世纪艺术时代最明亮的象征之一。 一位才华横溢的艺术家，由菲利普四世国王爱抚，过着忙碌的生活，创造了令人惊叹的世界绘画杰作。 他的作品被称为各种评论家，有时是至关重要和真诚的，有时是冷酷和神秘的，有几个世纪以来赢得了全世界艺术爱好者的心。

所有Velazquez的画作

早年的青春

出生于西班牙塞维利亚的贵族之子迭戈·贝拉斯克斯（Diego Velazquez）的确切出生日期仍未知。 我们所拥有的只是1599年6月6日的记录，证明了当地教会未来大师的洗礼。

迭戈从一开始就很幸运，他的父母喜欢这个男孩对绘画的热情，并提前将他送到当地最着名的画家 - 弗朗西斯科·德埃雷拉长老（1576-1656）的工作室。 我必须说，当时塞维利亚不仅仅是一个繁荣的港口城市，因其修道院，丝绸生产以及诗人，作家和美丽的画家而闻名于整个西班牙。

这位年轻的艺术家非常勤奋地训练，据早期的传记作者说，他在字面上“掌握”了所有东西。 然而，仅仅一年之后，他离开了埃雷拉的工作室，这是由于这位古老画家的极端困难。

但没有老师，迭戈没有留下来。 他立即被另一位才华横溢的艺术家和一位非常有礼貌的人 - 弗朗西斯科帕切科（1564-1645）录取。 作为教堂绘画中的宗教裁判专家和学术艺术家，帕切科喜欢人文主义的思想，善于表达，并因其反应能力而闻名。 一位受过多元化教育的教师不仅透露了这位年轻人的艺术能力，而且还将他介绍给社会的高层，给予他未来的赞助。 在他的工作室里，Diego Velazquez遇见了未来着名的雕塑家和建筑师Alonso Cano以及才华横溢的艺术家Francesco de Zurbaran。 帕切科在各方面都相信维拉斯奎兹。 作为一个艺术家，作为一个人。 他于1618年甚至将他十五岁的女儿嫁给了他。

Diego Velazquez在加入塞维利亚艺术家公司时只有17岁，之后他的独立生涯开始了。 不久，迭戈和帕切科的女儿胡安娜米兰达有两个女儿：伊格纳西娅和弗朗西斯科，然而，他们中的第一个，伊格纳西亚，在非常小的时候去世了。 但这位年轻的艺术家虽然开始了一个家庭男人的生活，但他并没有忘记他的职业生涯一分钟。

委拉斯开兹的梦想是成为西班牙国王的宫廷画家。 为了更接近目标，艺术家前往马德里。 在那里，他在1622年写了“诗人Luis de Gongor-i-Artte的画像”（波士顿美术博物馆），吸引了法院重要人物的关注。 但是，这一次，画家与君主菲利普四世的这次欢迎会议并非注定要举行。 Velazquez没有回到塞维利亚，他继续在那里工作。

家居画

在他职业生涯的最初阶段，作为一位观察力很强的艺术家，委拉斯开兹对流派绘画产生了浓厚的兴趣。 那些年的塞维利亚是一个非常活跃的城市，街上有许多工匠和穷人，还有许多小酒馆的繁忙生活。

成名的大师的第一部作品，致力于从事对话，烹饪或清洁的众多工匠，厨师和学徒的日常生活。 这种类型被称为“bodegones”（西班牙语中的“bodegon”一词意为“小酒馆，小酒馆”）。 这个系列的画布的特点是黑暗，最常见的传统背景。 普通人的平常膳食由排列的水壶，玻璃杯，盘子和微薄的食物描绘，直接放在桌子或白色桌布的板上。

画作“The Old Cook”（大约1618年，苏格兰国家美术馆，爱丁堡）就是这种类型的一个典型例子。 准备蛋早餐的疲乏的年长妇女在一个黑暗的厨房里。 一个男孩正在等待烹饪，显然是某人的学徒或女主人公的仆人。 那个年轻人手里拿着一壶酒，另一只手拿着一个成熟的瓜，显然准备把它全部放在桌子上。 小酒馆的精益内部由粗糙的块体代表，其上面放置着陶器板，厨师后面挂着一个短的勺子和一个旧的柳条筐。 整个画面充满了这位老年妇女在这里度过的日子的单调。

画布上的“两个年轻人在桌子上”（大约1618年，伦敦惠灵顿博物馆）展示了一个带有可怜酒馆装饰的令人沮丧的情节。 在这里，我们看到前景中的一堆干净的盘子，陶器壶，倒铁杯和木制推杆干燥。 附近有一块皱巴巴的抹布，显然是用作毛巾。 其中一个年轻人喝了他的酒，弯着桌子，静静地和他的朋友谈论什么。

这些绘画的平凡，简单和平静的情节成为塞维利亚观众对委拉斯开兹画作有些蔑视态度的原因。 艺术爱好者认为绘画太“平凡”，因为高级名称“艺术”。

图片“早餐”（大约1618年，国家冬宫博物馆，圣彼得堡），属于同一系列，情绪略有不同。 在画布上，画家描绘了两个性格开朗的年轻人，他们是一位受人尊敬的老人。 这个三位一体在小酒馆中至少有一个人有着高贵的血统。 这可以通过挂在墙中央的短边帽，剑，以及绝不是雪白的衣领来证明。 尽管如此，餐桌上的食物非常稀少，这不会破坏整个公司的情绪。

其中一个年轻人微笑着举起拇指，第二个带着幸福的表情展示了一瓶满满的酒。 只有一个留着胡须的老人笑着看着他的朋友。 这张真实的Velazquez画面可能是他的系列剧“bodegones”中唯一的一部，尽管背景沉闷，所描绘的情境贫乏，但人物却充满了乐观和无忧无虑的青春。

画布“玛丽和玛莎家中的基督”（大约1620年，伦敦国家美术馆）充满了完全不同的氛围。 在图片中，我们看到一位年轻的厨师在她的迫击炮中碾碎了一些东西。 在她面前的桌子上是两个鸡蛋放在盘子里，一个杯子里的鱼和大蒜头。 一个女人准备食物（这里的鱼是基督的象征），她生活中睿智的老对话者指着讲述福音故事的照片。

在构图方面，我们面前有“绘画中的绘画”的经典版本，当两个地块在意义上紧密重叠时。 姐妹们玛丽和玛莎听了基督的讲话，他们来到他们家，留下他们的家务。 此外，上帝儿子的祝福姿态延伸到描绘的情节，玛丽和玛莎的房子，以及主要情节情节中的微薄餐。 因此，艺术家将圣经的写作准备与教师的话语暂停，以及日常场景的现代大师之间的平行，一位老年妇女也停止了她的商品，提醒她永恒的价值观。

“塞维利亚水的卖方”（1622，Wallace Collection，London）的作品中提出了一个完全不同的生活寓言。 在这里，我们看到一个穿着黝黑皱纹的脸的平民，向一个体贴的小男孩拿出一杯水。 画家特别强调了明暗对比，他旁边的水罐的圆形轮廓，特别是仔细地画出了透明容器的优雅，其中无花果果实位于底部，不仅给水带来愉快的味道，而且还是一个当时的色情符号。 事实证明，一个老人，好像随便提供一个毫无戒心的男孩尝试“一杯爱”。 在背景中，画布，一个坚强的年轻人，愉快地喝着他的杯子。

所有的画作都以黑暗为特色，仿佛没有空气的背景，没有深度。 每个静物的构造都严格而简洁，但并非没有庄严。 艺术家选择的所有图像都是至关重要和富有表现力的，绘画的颜色是平衡和平静的。

梦想成真

尽管如此，年轻画家的利益并不仅限于普通公民的形象，他对着名世俗人物的性格同样感兴趣。 因此，在1623年夏天，委拉斯开兹开始了一次新的马德里之旅。

这一次，艺术家设法在菲利普四世的法庭上建立了牢固的联系。 在艺术家帕切科（Pacheco）的老朋友 - 皇家牧师唐·冯·丰塞卡（Juan de Fonseca）的赞助下，委拉斯开兹（Velazquez）收到了奥利瓦雷斯伯爵（Count Olivares）的肖像订单。 惊人的表演，高贵的起源和必要的联系帮助画家首先在伯爵身上找到了一位赞助人和朋友，然后给了君主自己的善意。 一个年轻，受过良好教育的多种语言和美丽女性的爱好者，完全信任奥利瓦雷斯的菲利普四世国王最终同意与一位鲜为人知的塞维利亚艺术家见面。

1734年的皇宫火灾摧毁了宫殿本身和存放在其中的大量艺术品。 丢失的画作中包括奥利瓦雷斯公爵和菲拉斯克斯国王菲利普四世的第一幅肖像画。

但有证据表明，同时代的艺术家获得了国王对其作品的最高赞誉。 1623年10月6日，在他抵达首都的第一年，艺术家立即被任命为西班牙国王的宫廷画家。 在他位于西班牙君主宫殿的车间里，为他的皇家陛下安装了一把特别的椅子，菲利普四世随时都在那里方便，经常用他自己的钥匙打开房间。

当然，这位新艺术家如此迅速的成功导致了许多嫉妒和不满的人的出现。 Velasquez的艺术能力不断受到质疑，宫廷贵族常常对他的傲慢和傲慢态度表示不满。 但艺术家有一个坚不可摧的赞助人。 在“Olivares公爵的GasparddeGuzmán肖像”（1624年，圣保罗艺术博物馆）中，这位英雄看起来强大而有力的绅士。 他站在一个雄伟的姿势，只是将手轻轻地靠在一张铺着天鹅绒桌布的桌子上。

在得到西班牙两位最有影响力的人的赞助之后，这位艺术家与他那个时代的大多数宫廷画家不同，他也是一位活跃的贵族，因此他不能完全屈服于艺术。

尽管有最严格的法庭礼仪规则和不断的宫廷阴谋，但委拉斯开兹与年轻的君主之间建立了非常友好的友好关系。 如果他最喜欢的画家不在，菲利普四世甚至不想为任何人摆姿势。

艺术家使用了他的特殊安排，在画布“菲利普四世的肖像”（1631-1632，国家美术馆，伦敦）上清晰地显示。 国王被描绘成一件装满银色的长袍。 他的一只手平稳地放在剑的剑柄上，这剑传统上是权力和力量的象征，但另一方面，国王拿着一份文件，上面写着Velasquez的签名。 君主的帽子位于画面深处的桌子上，仿佛菲利普四世在一分钟之前在一个重要的观众面前拍摄了它。

豪华的装饰有宏伟的艺术品，众多的走廊迷宫和皇宫的阴暗房间，大大扩展了大师的艺术视野。 对于鲁本斯和提香的画作，他给人留下了深刻的印象，委拉斯开兹委托国王画了菲利普四世的马画像和他的妻子。

与君主不同，伊莎贝拉女王不喜欢为艺术家摆姿势，所以只有她的一些影像能够幸存至今，包括波旁女王伊莎贝拉的马术肖像（1634-1635，普拉多，马德里）。 这幅画描绘了玛丽亚梅迪奇的女儿坐在豪华的姿势，在一匹雪白的马上装饰着华丽的刺绣毯子。 像当时的大多数肖像一样，这一幅画显然是在工作室中绘制的，而背景中的西班牙自然只不过是一个准备好的“背景”。 在一个平坦，没有空气的空间里，女王优雅地握住她的马的缰绳。 这部作品是当时西班牙传统仪式肖像的生动例证。

然而，他画布上的人物的僵硬和冷酷的外观逐渐改变。 多年来，所描绘的心理特征开始变得更加复杂，这在王室和贵族的自定义肖像中尤其明显，但在小丑和小矮人的形象中，显然，很多人都在菲利普四世

根据一些报道，当时皇家宫廷有超过一百名小丑，怪物和小矮人。 这些人的鬼脸和各种身体残疾是皇宫居民单调乏味生活中唯一的娱乐活动。 矮人和小丑是皇家宫廷既定秩序中不可或缺的一部分，他们不适合表示怜悯或同情，但他们只能在礼仪的范围内被嘲笑。 在法庭上有一种描绘怪胎和小矮人的传统，超过了16世纪所有西班牙画家所作的单人和群体肖像。

这种类型的绘画甚至有自己独立的名字 - 洛杉矶truhanes。 通常在他们的主人旁边的礼仪肖像中描绘了小丑。 Velazquez也有这一类型的作品。

例如，在肖像的Infanta Balthasar Carlos与矮人（1631，美术博物馆，波士顿），旁边的小王子，穿着一件漂亮的金色刺绣西装，肩上披着一件衣服，有一个一个穿着白色围裙的矮人。 矮人左手握着拨浪鼓，右手拿着一个苹果给自己。 该肖像提出了一些关于艺术家所隐藏的心理意义的问题。 因此，矮人，毫无疑问只是一个属于宝座继承人的玩具，手里拿着物体，这些物体由于某种原因非常类似于力量和权杖。 他是，而不是王位的继承人，在图片中看起来像一个真正的孩子，而美丽和打扮的Balthasar Carlos看起来更像一个空娃娃。

所有在委拉斯开兹的矮人肖像都以表现力和深刻的同情而着称。 仔细观察“矮人埃尔普里莫的肖像”（1644，普拉多，马德里），很难不注意到他脸上的印记和智慧。 通常矮人都没有用高贵的衣服描绘，而且在照片中，英雄穿着贵族服装的事实很可能意味着他的高贵起源。 众所周知，El Primo受过良好的教育，除了履行职责外，还在皇家办公室服务，因此艺术家用书籍描绘了他。

真实的，朴素和怪胎的朴素肖像更多地讲述了艺术家而不是他的委托作品。 Los Truhanes绘画的另一个例子是Francisco Lescano（1643-1645，Prado，Madrid）。 画布的构图非常类似于正面肖像的经典设置。 艺术家将小丑描绘得如此善良和直接，以至于使他明显的精神区别类似幼稚的天真而不是愚蠢。

一些评论家认为“唐·胡安·卡拉巴萨斯的肖像”（约1643-1644，普拉多，马德里）含糊不清。 驼背上印有愚蠢的传统属性 - 干南瓜摇铃，在西班牙语中称为“Kalabasas”（因此是小丑的名字）。 这项工作的另一个名称是“El bobo”，意思是“傻瓜”。 尽管如此，肖像的主人公更像是一位专业艺术家，为高贵的贵族描绘了一个傻瓜，而不是一个智障人士。

“Don Sebastian del Morra的肖像”（1645年，马德里普拉多）给人留下了特别强烈的印象。 一个矮大的头部和不成比例的短腿的矮人用一个受过教育，讽刺和有力的男人的穿透和智能的外观看着观众。 披着矮人肩膀的皇家披肩，看起来像是对这个男人的命运的嘲弄。 显然，值班的艺术家与皇室的所有居民进行了很多交流，并且非常了解他们的角色。

在委拉斯开兹在法庭上职业生涯期间，首先是从宫廷艺术家到职员，后来从衣柜到整个王宫的管理者，他看到了很多。 一个哀悼被另一个人所取代：起初，伊莎贝拉女王去世，然后菲利普四世的妹妹玛丽亚去世，王位继承人巴尔塔萨尔卡洛斯王子意外去世。 这位疲惫不堪的画家决定离开皇家住所，在得到君主的支持后，前往意大利，决定在景观上工作。

大师的作品中的自然

景观在Velazquez的工作中占据了相当微不足道的地位，但是，有一些着名的艺术家的草图描绘了罗马郊外着名的Medici公园的风景如画的角落。

这种景观的一个例子是绘画“罗马的Villa Medici。石窟Logzip的立面”或“罗马的Villa Medici.Ariadne Pavilion”（1630年，普拉多，马德里）。作品的特点是对生活的直接感知形式的清晰度和自由的写作方式。被遗弃的地方的独特氛围与人们强调的工作人员形象形成鲜明对比，好像专家为了恢复沉闷的公园而特别刻在主人身上。明暗对比的明显过渡两幅素描都给画作带来了轻微的浪漫悲伤。长期以来，作品的历史可以追溯到1650-1651年，也就是第四次将委拉斯开兹带到意大利的时期。但是由于最近的研究，很明显草图是由大师早些时候写的，就在他第一次旅行时。

绘画“菲利普四世的马术肖像”（大约1634-1635，普拉多，马德里）作为一个作品的例子，其中委拉斯开兹使用一个相当逼真的景观作为背景，不像许多类似的作品，有一个平坦的，没有空气的空间。

艺术家的作品不仅限于肖像和风景。 这位伟大的画家创作了许多关于神话和历史题材的绘画作品，他总是以自己的方式解读，不等于其他着名绘画大师的既定传统和成就。

宗教绘画

按照当时流行的传统，即使在职业生涯的最初阶段，委拉斯开兹也常常转向宗教主题。 艺术家的作品在其原始解释上有所不同，无论他是否将传统主题描述为独立作品，例如，“圣母无染原罪”（1618，国家美术馆，伦敦）或“魔法崇拜”（1819年，普拉多，马德里），或在一个普通的流派场景中插入一个圣经情节，例如，“玛丽和玛莎之家”（大约1620年，伦敦国家美术馆）。

搬到马德里后，这位画家主要创作肖像画，实际上并没有吸引宗教类型。 唯一的例外是西班牙君主的命令在不同年份创作的一些作品。

根据传说，国王菲利普四世曾对马德里本笃会修道院的一位年轻修女圣普拉西多点燃了恶毒的热情。 为了赎回这个亵渎神灵的罪，君主承诺将向首都提供宏伟的艺术品，这些艺术品属于首都最着名的艺术家 - 迭戈·贝拉斯克斯的画笔。

大师创作了几幅画作，其中最着名的是“钉在十字架上的基督”（大约1632年，普拉多，马德里）。 像艺术家的大多数宗教作品一样，图片的原始解释与图片不同。 画家故意将基督的形象赋予最真实和最心理的色彩。 耶稣在十字架上以一种非常平静，无泪的姿势被描绘出来。 可能Velasquez试图避免表达无法忍受的痛苦，所以救主的一半脸被一缕头发隐藏起来。 他的整个身影似乎散发出温暖的光芒，与黑暗的透明背景形成鲜明的对比。 这种技术给人的印象是耶稣的身体是将我们的世界与消耗的黑暗分开的墙。

“玛丽加冕”（1645年，普拉多，马德里）的作品带有完全不同的基调。 在其中，委拉斯开兹描绘了新约三位一体，在玛丽的头上铺上了一朵美丽的花朵。 耶稣的脸是庄严而专注的。 凭借力量和经验，这位白发苍苍的上帝父亲一手拿着水晶魔法球。 在中间，一只鸽子在它的翅膀上翩翩起舞，在一个闪亮的光环中从它身上冻结，金色的光线从那里倾泻到玛丽的脑袋上。 该群体及其构图结构经过深思熟虑的色彩决定类似于充满神圣精神和血液的人类心灵。 这些画布是世界上最好的博物馆的珍品，它们的辉煌弥补了伟大画家的少量宗教作品。

神话情节的原始解释

委拉斯开兹的绘画中的神话情节也有一个相当原始的解释。 在这个艺术家类型的所有画作中，似乎计划本身的神话方面根本不感兴趣。 历史人物和众神在他身上得到的解决不是高尚和英雄，而是平凡的。 例如，画作“巴克斯的胜利”（第二个名字是“酒鬼”，1629年，普拉多，马德里）并没有展示神灵和萨特的盛宴，而是一场普通的西班牙流浪汉，位于田野中。 其中我们看到古代神巴克斯和他的牧神。

年轻的上帝已经用一个葡萄藤花圈给了其中一个参与者，现在心不在焉地在他面前鞠躬的士兵的头上放了同样的花圈。 但是这张照片的构图中心根本不是巴克斯，而是一个戴着黑色宽边帽子的笑乞丐，拿着装满酒的玻璃杯。 所有参与者看起来都很有趣，甚至很伤心。 弯曲在一个年轻的神的肩膀上的流浪汉看起来醉and and的。 所有角色似乎都取自现实本身。 巴克斯的面孔没有古老的完美和崇高，就像他的身体一样，腹部突出。 与此同时，所有的英雄都完全没有一丝粗俗。 这位巧妙的艺术家能够很好地围绕熟悉的日常画面与Bacchic元素。

另一位作者的解释还有另一项致力于神话情节的作品 - “火山的伪造”（1630，普拉多，马德里）。 古代情节的场景是，阿波罗到达了铁匠之神瓦肯，他在学徒期间有独眼巨人，并告诉强大的神灵，美丽的维纳斯，瓦肯人的妻子背叛了他的令人不快的消息。 似乎上帝的反应应该是愤怒的风暴，在火与铁中爆发。

但是，委拉斯开兹以完全不同的方式解释了经典情节。 在中世纪的锻造中，我们看到的不是独眼巨人，而是缠腰带的强壮男人。 所有的铁匠都看着金色的阿波罗突然出现在金色的光环中，头上戴着月桂花环，还有古怪的长袍，带着迷惑。 瓦肯人脸上没有怨恨或怨恨 - 只有怀疑和惊讶。

如果它不是为了一个闪亮的古代神的存在，我们将面临一个典型的日常图片。 画布上还有一个寓言 - 在炽热的山峰上方的架子上，我们看到一个雪白的闪亮水罐。 当然，画家需要这个明亮的垂直点来平衡图片的色彩构成，因为他只是在白色阿波罗作品的另一面。 但是水壶还包含语义负荷。 就像一个美丽的维纳斯，这个完美的白色船只属于火山，甚至直接站在炽热的山上，靠近煤烟铁，周围是汗湿的男性身体，它仍然保持原始状态。 因此，所有真正爱的男人都相信他们的配偶是无可挑剔的，忠于他们。

两幅画布 - “伊索”和“战争之神”（约1640年，普拉多，马德里）都是一系列大型系列的一部分，旨在装饰位于马德里托雷德拉帕拉达附近的皇家狩猎城堡。 这些着名人物也被剥夺了悲伤，看起来完全平凡，也就是说，与艺术家的风格完全一致。 如果战争之神看起来只是一个疲惫而忧郁的士兵，那么伊索就像一个完全荒芜的人。 隐藏的悲伤笼罩着两位英雄，这显然也是作者在执行命令时的特征。 菲利普四世的公民无法回应这个国家的衰落。

委拉斯开兹接受了古典天主教教育，甚至与神圣宗教裁判所的官员有关，但这并不能超过意大利经典作品大师所做出的最强烈的印象。 因此，在第二次访问意大利之后，艺术家开始对裸体形象产生兴趣。 有消息称，他创造了许多类似的图像，这些图像与当时的西班牙绘画完全不同。 显然，年轻的君主分享了他心爱的画家的兴趣，因此，所有这些画作很快装饰了宫殿的房间。 但不幸的是，直到我们的时间，他们还没有活下来。 除了一个例外，维纳斯在镜子前面（大约1648年，伦敦国家美术馆）已经成为Velazquez性感女性肖像的独特典范。

正如作者所设想的那样，图片是一种具有国内场景元素的流派画布。 赤裸的女神，背对着观众，躺在丝绸床单上。 她在镜子里看着自己有翅膀的丘比特为她抱着，红色的天鹅绒窗帘作为他们的背景。 金星丝绸床上所有精美的褶皱，天鹅绒般的皮肤，柔软诱人的弯曲，镜子上绚丽的丝带，以及拉红色帷幔的方向，营造出完美的构图，彰显其美丽与和谐。

正如在委拉斯开兹的其他神话画布中一样，这幅画有点神圣，一切都有点世俗和平凡。 丘比特的灰色，仿佛不自然的翅膀与他精心喂养的身体形成鲜明对比，不清晰的镜子的黑色宽框架旨在增强观众的阴谋：美丽的金星的外观是什么？ 镜子中的反射是模糊不清的，但显而易见的是，女神的脸因某种原因不能发出美丽的光芒，正如人们所期待的那样，通过观察她优雅的轮廓。

在这项工作中，大师对自己保持忠诚 - 他再次描绘的不是一个传统上期望的神圣形象，而是一个简单的人。 关于那张照片，有一个传说，意大利艺术家Flaminia Trivio为Velazquez拍摄。 我必须说，在那些日子里，女性很少画画。 也许，Trivio和艺术家之间爆发了一场恋情，之后Velazquez回到了自己的家乡，而Flaminia生了一个儿子。 因此，“镜子前面的维纳斯”与主人的通常形象是如此的感性和惊人的不同。 事实上，艺术家为自己创造了他心爱的真实肖像。

两个半世纪以来，画布改变了几个所有者，并在1914年完全被攻击。 玛丽理查森是最热心的妇女权利倡导者之一，用锄头砍掉画布以示抗议，之后他正在修复很长一段时间。 令人惊讶的是，这位伟大艺术家的几乎所有作品都有着艰难的命运。

西班牙君主制的军事胜利

当Velazquez仍然是他的皇室主教，他正在为下一座皇宫的内部装饰Buen Retiro进行装饰时，他开始研究一系列旨在演唱西班牙君主军事胜利的历史画作。 所有作品都与1630年代有关。

“布雷达投降”（1634-1635，普拉多，马德里）的作品可能是所有幸存者中最大的。 它描绘了1625年6月2日西班牙平息其反叛的北方领土时，将关键交给被围困的荷兰城市西班牙军队胜利之战的庄严行为。

关键转移插曲本身就是画面的构图中心，其中伟大的肖像画家令人难以置信地准确地给出了两位着名军事领袖的心理描述。 在强迫奴役中，荷兰驻军指挥官Yusgiv Nassau用手中的一把黑钥匙向西班牙指挥官高大瘦弱的Ambrosio Spinola鞠躬致敬。 胜利的高贵姿态的背面击败了被击败的对手肩膀。 两名指挥官都被他们的部队所包围。

只有少数战士留在拿骚身后，他们低头低头。 只有几只孤独的芦苇耸立在它们之上。 在他们身后，黑色的烟雾从大火中升到天空，向右倾斜，从而将观众的视线转移到西班牙军队。 在斯皮诺拉的军官群体之上，矗立着一片细长的森林。 他们明确的节奏加强了对胜利军队的力量和力量的印象。 由于精心编写的空间深度，无论是在战士群体的形象还是在风景背景中，整个画布看起来都非常逼真。

这位画家在画布上的几乎每件服装的质地都非常出色地工作，站在前台。 这是当时西班牙贵族肖像的整个画廊，其中包括指挥官安布罗西奥·斯皮诺拉的形象，艺术家给予了高贵的侠义心理描写，并以他自己悲伤的自画像结束于马头附近。 与胜利的冷酷尊严相反，被击败的荷兰人被描绘得简单而庞大。 他们的自然姿势非常真实和人性化。 奇怪的是，作者允许自己对失败者表示同情。 荷兰各省拼命争取独立，当委拉斯开兹创作这幅画时，布雷纳已经被荷兰人击退了。 即使在这项工作中，也会读到一些隐藏的讽刺，尽管它旨在美化西班牙君主制的胜利和勇气。

Velazquez depicted in the right "Spanish" part of the picture perfectly painted horse croup, which, of course, is a symbol of the advantage and power of Spain. That’s just why the artist turned her back to the viewer? Despite all his devotion to Philip IV, the painter, as a smart man and well versed in politics, subtly expressed his opinion in the only way that was available to him - through the picture. I must admit, in this Velazquez was not equal among the painters of his era.

Portrait of the pope

In the late 1640s, Velazquez made his second trip to Italy. The official pretext for his visit was the acquisition of an antique sculpture and several masterpieces of Italian painting for the collection of Philip IV. But we must not forget that the artist was at the same time a high-ranking court official of his monarch, whose duties included establishing diplomatic relations with high-ranking officials of Italy. The painter coped well with both tasks, he was favorably received by the new Pope Innocent X in the Vatican, who immediately ordered his portrait for him. The result of the three-month work of the artist stunned the whole of Rome, not to mention the customer.

The canvas “Portrait of Pope Innocent X” (1650, Loria Pamphili Gallery, Rome) instantly gained the widest fame. Although this was not characteristic of that time, many copies were made from the painting. Such success was primarily associated with the achievement of an unusually high correspondence of the psychological portrait of the hero of the canvas.

Against the backdrop of a heavy raspberry curtain, in a red satin cap, an imperious pontiff sits on a gilded throne. The snow-white folds of the cassock, the silk of his scarlet mantle, and even the golden ring with a large dark stone adorning his right hand are very materially and necessarily.

Despite the comfortable position in the chair, the pose of Innocent X carries internal tension. This is noticeable in the slightly bent fingers on the arm of the throne and barely noticeable drops of sweat on the pope’s nose and forehead. Reflexes here are transmitted with great conviction. But the pontiff’s face is especially striking. His tightly compressed curved thin lips and a wide heavy chin with a liquid beard eloquently show secrecy and cruelty of character. A long nose indicates its noble origin. Deep-set eyes carefully and coldly look directly at the viewer. The glance of the head of the church reads arrogance, intelligence, insight and cunning.

As if by chance, the artist emphasizes the big ear of the pontiff, on which light falls. This insignificant detail unexpectedly tells the whole image of Innocent X the ordinary and prosaic. An authoritative, strong, and not without vicious passions, an elderly man in the clothes of the most senior dignitary of the church looks from the portrait. The most important thing that Velazquez conveyed to the viewer is that, for all its strengths and weaknesses, the Pope does not have the main thing - neither Christian mercy nor holiness.

Evidence of eyewitnesses has been preserved, which says that the pontiff, when he first saw his portrait, exclaimed: “Too true!” An educated, endowed with a sharp mind Innocent X could not help but recognize how brilliantly created this masterpiece. He solemnly awarded the artist a papal medal and a gold chain.

Velazquez himself immediately received many orders for portraits from other high-ranking dignitaries of the Vatican: from Monsignor Camillo Massimi to Cardinal Letali Pamfili. But the king urged the diplomat and painter to return. Therefore, Velazquez hastened to return to Madrid, where he already had many creative plans.

Allegory of an unfair lifestyle

One of the most amazing and symbolic paintings of Velazquez was the painting “Spinners” (the second name is “The Myth of Arachne”, circa 1657, Prado, Madrid). The canvas is divided into two compositional parts. In the foreground, in the gloom of a weaving workshop, spinners engaged in their hard work are depicted. In the center, a young worker, kneeling down on one knee, picks up skeins of wool from the floor. On the right side, the artist realistically and coarsely wrote out another spin, winding a woolen thread into a dense ball. Her broad back and large arms with rolled up sleeves express accuracy and confidence of movements. Nearby, another young woman watches her work. To their left, in a carelessly thrown shawl, a tired weaver sits near her wooden loom, talking to her assistant. At her bare feet a cat comfortably settled down. Behind the weaver’s helper,thanks to the heavy red curtain pushed back, we can see the finished tapestries folded in a stack. The whole scene is depicted in a manner characteristic of the artist - ordinary and unvarnished. The necessary dynamism to the picture is given by individual details - such as a rotating wheel of a machine tool or a spin of a leg thrown forward, as well as a rich color of the scene.

The second compositional part of the canvas is the background. There, as if on a stage flooded by the sun, two court ladies are pictured, carefully examining the carpets hanging on the wall. Probably the lady on the left is the mistress of the workshop, patiently awaiting the decision of a potential buyer. The bright patterned edging of the carpet, the solemn mythological scene depicted on it and its pure sonorous colors seem to turn the entire far part of the room into a fabulous solemn performance, in sharp contrast to the routine of the front of the picture.

Two different plans of the work are in a complex and at the same time direct interaction with each other. This is not just a contrast between hard work and its excellent result. Details are important here, namely the theme depicted on the finished tapestry being inspected by the customer. There we can see the ending of the ancient Roman legend about Arachne, which sets the correct interpretation of the whole work.

The mythological heroine was famous for the skill of the skilled spinner, who was proud of her abilities and for this was turned by the goddess Minerva into a terrible spider. Here lies not even irony, but rather the bitter regret of the great painter. That is why the face of the court lady has an undeniable portrait resemblance to a young worker standing in the right corner of the picture. The now-leading vertical staircase located on the left side of the picture, above the head of a weaver sitting behind a wooden loom, is designed to compositionally direct the viewer’s eyes from the bright distant plan back into the twilight of the workshop.

A round dull hood crowning the whole composition is very eloquent - despite the fact that, judging by the stream of bright light pouring from the left, there is already a large window in the back room. The meaning of the fringed black sphere placed by the painter above the whole picture is to symbolize the irreversible circle of human life. Neither hard work, nor outstanding talent can fix the situation once and for all: the skill of the simple girl Arachne cannot surpass the elite art of the goddess Minerva. It was not for nothing that Velazquez depicted on the tapestry not the moment of divine anger and the transformation of Arachne into an insect, but the triumph of the divine warrior.

This peculiar allegory, perhaps, has political notes. The plot can also be interpreted as the sad triumph of the Spanish monarchy, which can easily grind both an individual person and entire states, imagining himself above them. The work was not only the highest achievement of the artist’s art, but also an expression of his deep understanding of the injustice of the world order and an expression of sympathy for those lower in the hierarchy.

Mysterious Menin

In 1656, the renowned painter creates a picture considered the crown of his work and one of the most mysterious paintings in the history of art - “Menins” (Prado, Madrid).

Translated from Spanish, “menin” is a young girl of noble birth, who is the constant maid of honor of the princess and always accompanies her in her retinue. According to the inventory of the royal palace, the canvas was listed as “Family Portrait”, but it is very difficult to call it “family”, as, indeed, “Menins” is a surprisingly inappropriate name for it.

The compositional center of the painting is the fragile little figure of the Infanta Margarita in a light beautiful dress. The girl stands with her head slightly turned and looks as if expectantly at the viewer. The young maid of honor Maria Sarmiento sank down on one knee in front of her, according to the requirements of etiquette, and serves a vessel with a drink. The maid of honor Isabella de Velasco froze in curtsy on the other hand. To the right of the wall are the permanent members of the suite of the Infanta Margarita - her jesters: dwarf Maria Barbola and young Nicholas Pertusato. The first - presses a toy to his chest, the second - pushes a large dog lying with his foot.

In the middle plan, we see a woman protruding from the twilight in a monastic robe - the mentor of Princess Marcelo de Ulloa, and the Guardamas - a permanent guard and accompanying infantry. In the open doorway in the background, Jose Nieto, a court nobleman, rises up the stairs. And on the left side of the canvas, near a huge canvas stretched on a stretcher, the artist portrayed himself. He holds a long brush in one hand and a palette in the other. The eyes of the painter, the princess, crouching in the curtsy of maid of honor, and dwarfs are fixed on the viewer. More precisely, on a couple of people reflected in a mirror on the opposite wall, which seems to be standing on this side of the picture - the royal couple of Philip IV and his wife Marianne of Austria.

For more than three centuries, art historians and biographers of the great painter have been trying to unravel the meaning of this strange multi-figure painting, in which the artist again used his favorite construction of the composition - “painting in painting”. Once again, the master reliably showed the life of the royal family and her courtiers. There is no official greatness, no ceremoniality, only a certain immediacy and sincerity in the guise of a princess gives the picture its sound. What did the artist want to say with this work? Why is the royal couple depicted only in obscure spots?

There are different versions, in their own way interpreting the plot of the work. According to one of them, Velazquez depicted the moment of a break during the creation of the portrait of the infant, when the royal couple looked into the studio and all the maids of honor rushed to his mistress.

According to another version, the artist created a portrait of precisely Philip IV and Marianne of Austria, interrupting his work due to the unexpectedly arrived princess and her retinue. There are hundreds of explanations and interpretations of the unusual composition of this amazing picture, but all of them, unfortunately, contradict each other and individual details on the canvas of the great master.

One of the mysterious moments is that Velazquez, standing in the picture in his own workshop, depicted all the windows of the room tightly curtained. On the ceiling, fixtures for chandeliers are clearly visible, but there are no chandeliers themselves, like no other light sources. From this, a large spacious room, hung with paintings by great masters, is plunged into darkness. But not a single painter will work in the dark. Judging by the location of the shadows on the canvas, the light comes from the conditional arrangement of the royal couple, and even the doorway in the background is flooded with sunbeams.

It turns out that in this way Velazquez shows us that he paints his brilliant paintings "in the darkness" of the royal palace. And despite his noble birth and the title of knight of the Order of Santiago, which is eloquently testified by the golden symbolism in the form of a cross on the jacket of his suit, he does not have the opportunity to "come out into the light." That is, the artist could only create “in the rays” of his monarch, or he would be forced to leave the royal palace and go nowhere. Perhaps it was this idea that the artist wanted to convey, portraying himself along with the retinue of the princess in the “Family Portrait” or “Meninas”.

Another eloquent symbol is a dog lying in the foreground of the picture. The image of a dog is an image of a faithful friend who will endure everything - you can kick him with a boot, he will still protect his master. Her image symbolizes the unsweetened fate of the court painter, a brilliant creator who could be something more than just a devoted servant of his master.

Unexpected death

The art of Velazquez most deeply expressed the rapid flowering of realistic painting of the XVII century in Europe. True images created by a brilliant painter still serve as an unsurpassed example of perfection for true connoisseurs of art and artists of different generations.

In 1660, Velazquez went to the court of the French monarch to settle issues regarding the conclusion between the Spain and France of the "Iberian Peace", which ended the long-standing confrontation between the two countries. The essence of the artist’s mission, chosen by the trustee of the King of Spain, Philip IV, was to settle all the issues regarding the marriage between the eldest daughter of the king Maria Theresa and Louis XIV.

According to tradition, an event of this magnitude was required to be fixed with "blood ties." The artist not only wrote and delivered to Versailles the magnificent “Portrait of the Infanta Maria Theresa” (1652, Vienna Museum of Art and History), he also organized all the celebrations and receptions on this occasion, and even accompanied the royal motorcade to the wedding ceremony, which took place on the island Pheasants on the French-Spanish border.

And although Velazquez received many praises from Philip IV for his hard work, his strength and health were undermined. Returning to Madrid, the sixty-year-old painter felt a fit of fever. All the best court doctors gathered to save the beloved royal dignitary, but none of them could cure the master. On August 6, 1660, Diego Rodriguez de Silva Velazquez passed away.