Pierre Auguste Renoir（1841-1919）

1841年2月25日，在法国南部的利摩日镇，第四个孩子出生在裁缝的家庭 - 一个叫皮埃尔·奥古斯特的男孩。 几年后，整个雷诺阿家族搬到了巴黎。 从幼年时期开始，奥古斯特就以出色的绘画能力和华丽的声音而着称。

Pierre Auguste Renoir绘画[分机]

教堂唱诗班的负责人，年轻的雷诺阿唱歌，甚至建议他的父母考虑他们儿子的音乐生涯（顺便说一下，是后来写着名歌剧“浮士德”的查尔斯古诺）。 但是未来艺术家的家庭并不富裕，他的父亲为他的儿子看到了一个不同的未来 - 这位艺术家在中国享有声望和高薪。

因此，在1854年，在十三岁时，奥古斯特进入了瓷器工厂。 年轻人很喜欢这个职业，他很快学会了，开始画杯子和碟子，然后整个服务。 与此同时，这位年轻人经常前往卢浮宫，在那里画画，灵感来自洛可可艺术家弗朗索瓦·鲍彻（Francois Boucher）的古董雕塑和绘画。 随着时间的推移，雷诺阿开始用瓷器复制它们。

这个年轻人为他的年龄赚了不少钱。 为了进入他的职业生涯，他进入了一家瓷器厂，在一家雕塑家和一家瓷器工厂的同事的指导下开始画画，他预测了他在艺术领域的光明前景。

艺术家的青春

不幸的是，年轻的雷诺阿，但幸运的是，对于其他所有人来说，19世纪的技术进步的特点是几乎完全拒绝手工制作。 瓷器画被印刷图纸取代。 印刷设备确保生产完全相同的产品，这吸引了买家和车间所有者。 随着时间的推移，手绘已经不再受到重视。

一开始绝望的年轻人试图以极快的速度描绘产品，这并没有给他带来成功。 结果，他不得不寻找其他收入。 随着各种技术的不断发展，临时工作的时机已经到来。 雷诺阿首先画了巴黎咖啡馆的粉丝和墙壁，然后不小心找到了窗帘大师的工作。 顺便说一句，他掌握了这种技术的完美，并再次开始赚钱，但艺术家并不想满足于自己的成就，因为这种职业绝对不是他梦想的极限。 雷诺阿把他在新梦想中赚到的所有钱都留在了一边 - 在艺术学院的一所特殊学校里画画。

1862年底，奥古斯特·雷诺阿满足了他的珍惜欲望，进入了巴黎美术学院。 在那里，他最终进入艺术家Charles Gleyre的工作室，坚持学术风格。 这位年轻人已经有了相当丰富的经验，但他认真地参加了所有课程并学习了学术绘画。 然而，Glair立即不喜欢Renoir如何使用颜色：即便如此，艺术家也使用了多汁鲜艳的颜色，这在学术环境中并不受欢迎。 有一次，老师甚至表示担心他的爱好自由的学生不会成为第二个德拉克罗瓦 - 法国浪漫主义的主要代表，他在色彩上工作得很漂亮，是雷诺阿的真正偶像，但在学术艺术家看来，是一个前“叛教者”。 奥古斯特不是Gleur工作室中唯一的年轻艺术家，他试图反抗学术风格并找到自己的新路。 他很快成为克劳德·帕格，阿尔弗雷德·西斯利和弗雷德里克·巴齐的朋友，他们对这幅画有着非常密切的看法，并热烈讨论了复兴的可能性，他们通过这种可能性理解了学术主义的束缚。 过了一会儿，Camille Pissarro加入了他们。

培训没有持续很长时间，仅仅一年后，雷诺阿被迫离开了绘画学校，因为他再也无法支付费用了。 他和他的新朋友一起取消了研讨会上的课程，露天工作，他们很快也出乎意料地完成了艺术教育，因为研讨会已经关闭。 雷诺阿的所有同志不仅在改变艺术世界的愿望方面相似，而且因为他们很难找到食物和材料的工作方式。

1866年，雷诺阿写了他的早期静物之一，“大花瓶静物”（剑桥沃格特艺术博物馆），用荷兰静物画风格写作，给人一种快乐而又细腻的感觉。同时色彩丰富。 同年，他创作了“安东尼旅馆的客栈”（1866年，斯德哥尔摩国家博物馆）。 与开花静物不同，这项作品的配色方案相当黑暗，具有主导的黑色。 视觉表现力基于对比：酒馆游客的黑色服装强调桌面上的雪白桌布，也与白领工人的亮点，服务员的围裙，光线宽阔形成鲜明对比。 - 一位英雄的帽子和躺在他脚下的白狗。

该作品生动地展示了雷诺阿在颜色的帮助下构建构图的技巧和原则：一个雪白的桌布被包围在由黑色图形组成的环中，通过穿插白色配件防止它们融入一般的质量。 字面上“以棋盘图案”应用白点使得颜色分布特别和谐。 这幅画将这位艺术家描绘成一位出色的肖像画家和一位华丽的静物大师：整个桌子摆放着精湛的技艺，食物和餐具的残余非常逼真。

一年后，这位艺术家描绘了他心爱的女友丽莎·特雷（Lisa Treo）的肖像，雷诺阿遇见了七年多，但从未结婚。 最后，丽莎中断了他们的关系，几个月后，他嫁给了一位年轻的建筑师。

尽管如此，这幅作品“丽莎”（1867年，埃森的福克森博物馆）被接纳参加了1868年的沙龙，受到了观众的积极赞赏，这对于这位尚未知名的艺术家来说是一次巨大的成功。 在照片中，女孩被描绘成完全成长，她穿着一件白色的连衣裙，被宽阔的黑色皮带和太阳下的黑色遮阳伞遮住。 这个女孩的浅色连衣裙似乎充满了明媚的阳光，女主角的肩膀和脸上都熠熠生辉，上面覆盖着一把伞。 这个精致的黑白游戏继续在桦树的树干上，桦树的背后是Lisa的背部和她脚下的草地，黑暗的阴影与阳光照射的区域紧密相连。

1867年，雷诺阿创作了另一幅画，Lisa Treo为“戴安娜女猎手”（华盛顿国家美术馆）拍摄了这幅画。 由于这个时代的道德原则，艺术家无法将一个现代女性裸体描绘出来，所以他手里拿着一个狩猎弓，并将这张图片命名为一个神话般的名字，这使他的作品成为正式存在的权利，同时避免了丑闻。由1863年的画作“草地上的早餐”引起的»Eduard Manet。

这位对肖像类型非常感兴趣的艺术家经常写他的印象派朋友，在日常活动中将他们描绘在一个熟悉的氛围中，从而将肖像与流派绘画结合起来，并创建纪录片来源，告诉我们这些人的生活。

画作“弗雷德里克·巴齐的肖像”（1867年，巴黎奥赛博物馆）向我们展示了一个年轻的巴西，当然还有绘画。 艺术家转向观众的形象，专注于他的作品。 在风格上，令人惊讶的无缝傻笑工作，部分原因在于几乎单色的配色方案。 它类似于精心制作的黑白照片，其中使用明暗对照来模拟体积。 一年后，雷诺阿创作了一对“阿尔弗雷德希思黎肖像与他的妻子”（1868年，科隆瓦尔拉夫理查兹博物馆）。 在画布上，我们看到希思黎对他年轻的妻子有多么强调。 他的整个姿势表达了他对服务，支持和帮助女人的准备，以及对她的爱和温柔。 这对年轻夫妇画在画布上，仿佛散发着幸福和爱的光芒。

雷诺阿的作品“阿尔及利亚女人”（1870年，华盛顿国家美术馆）是对尤金·德拉克罗瓦（Eugene Delacroix）喜悦的致敬。 在其中，艺术家描绘了他的丽莎形象，一个华丽的，一个明亮，豪华的东方女人，懒洋洋地躺在枕头上，穿着华丽的衣服，向自己招手。 在这幅画布上，雷诺阿似乎陶醉于色彩。 斜倚女主角的形象几乎占据了画布的整个空间，似乎画面缺乏空气。

对印象派的承诺

奥古斯特·雷诺阿经常与年轻印象派的另一位着名代表克劳德·莫奈合作。 艺术家绘画的性质相同，在自然界中观察到光和影，并研究了调色板传达这些效果的可能性。 他们结合的一个例子是着名的画作“青蛙” - 不仅从一种性质绘制的绘画，而且也被命名为相同的绘画。 绘画的情节很简单 - 一个漂浮的咖啡馆，在木船等待他们的乘客的背景上有一个有趣的观众。

雷诺阿本质上是一个乐观主义者，通过他所有的工作，他们热爱展示生活，跳舞或休息的女士们和先生们。 艺术家试图不去关注生活中的黑暗面，他真诚地相信艺术应该给人们带来美好的快乐时刻，而不是发挥教化或无聊教学的作用。

雷诺阿“青蛙”（1869年，斯德哥尔摩国家博物馆）乍一看似乎是一幅草图，但根本不是完成的作品，场景的裁剪就好像是随机的。 在某种程度上，就是这样，场景的描绘与艺术家所看到的一模一样，没有复杂的深思熟虑的构图，平衡计划和建立视角。

艺术家追求一个完全不同的目标 - 在温暖的夏日捕捉和传达有趣和无忧无虑的氛围，捕捉水中的眩光，女士连衣裙上的太阳反射（虽然这些女士可称为拉伸：大多数照片中的女主角是轻松指挥的少女，是一个声名狼借的咖啡馆的居民。 因此，雷诺阿和莫奈在一个特殊的书写技巧中工作，需要在很短的时间内进行绘画工作 - 宽大，快速的笔触，只能指示人物的形象并概述周围环境，但不会浪费时间写作细节。 可以这么说，这种新风格并没有被公众所喜爱，而年轻印象派的看似粗心的艺术风格受到了批评。

但正是从自然状态传来的转瞬即逝的感觉，新绘画运动的本质才是。 印象派起源于露天。 灯光的不断变化对于那些在未来首先被讽刺和辱骂为印象派的人来说非常重要。 这种不寻常的渴望传达一种难以捉摸的，不断变化的现实的印象，使他们的作品和“死”学术绘画之间有了明显的区别。

古典学术绘画仅存在于狭隘的神话，宗教和历史主题的背景下，而不承认现代时代的形象。 这是理想化的艺术，将一种人为的内部秩序和清晰的结构引入一切。 静物，风景和肖像中的物体和物体被描绘为理想化的，而不是人眼实际看到的。 印象派画家的梦想是将绘画带回现实生活。 年轻的雷诺阿，在莫奈开始在露天写作之后，因为只有这样一种方法才能实现自然阳光的传播，从而给人一种从记忆中在车间工作时不可逆转地失去自发性的画面。 它很轻，成为他们画作的主要“主角”。 然而，与莫奈不同，奥古斯特·雷诺阿对这个神奇的光空气环境中的人类形象比对自然本身更感兴趣。

在另一部作品“新桥”（1872年，华盛顿国家美术馆）中，雷诺阿在我们看来是Vedut（城市景观）的艺术大师，准备精心编写建筑细节并精心构建视角。 已经有了更平滑的书写风格，并且使用线条和辅助绘图创建了卷的构造。 然而，宽阔的桥梁和漫步的公众可以看到城市景观，仿佛通过阴霾，建筑元素和人物形象的所有轮廓都没有清晰的轮廓，所有的线条都非常柔软。 艺术家捕获了一个沐浴在阳光和空气中的城市。

他的朋友兼同事Monet Reads（1872年，巴黎Marmotin博物馆）的肖像由雷诺阿以深色调制作，几乎是单色。 尽管如此，这位艺术家的朋友的形象非常活泼，他每天都看到莫奈的样子，就像他自己每天看到他一样：戴着帽子，嘴里叼着新鲜的报纸和烟斗。

雷诺阿研究了灯光的效果，展现了莫奈脸部的突出和阴影区域以及手中的报纸。 用手上温暖的色调，椅子背面的学院以及报纸的白色，巧妙地稀释画布的整体深色。 因此，艺术家实现了和谐的构图，以色彩为基础。 服装的面料几乎与深色背景混合，仿佛被周围的黄昏所吸收。 正是这种效果，画家试图在低光下传达晚读的氛围。

1872年“克劳德·莫奈的妻子在沙发上的肖像”（私人收藏，里斯本）变得异常生动和令人印象深刻。 年轻的卡米拉莫奈（nee Donsier）正坐在沙发上，穿着漂亮的蓝色连衣裙，她裸体为艺术家摆姿势，仿佛让自己画得好看。 在这里，雷诺阿并没有试图仔细描述周围的环境，他只传达了一个年轻的家庭主妇的平静和自由的感觉，他们下午有时间休息。

作为女性美的真正鉴赏家，艺术家公开钦佩帆布女主人公的青春和新鲜感。 仿佛在草图中，雷诺阿只勾勒出沙发扶手，其中一个靠在卡米尔上，还有一个茶杯，边上有一个杯子。 这是由于沙发上缺少几何图案和明确的线条划分了它的设计，沙发看起来异常柔软。 物体的轮廓是模糊的，这使得房间的氛围具有非凡的轻盈和通风的效果，就好像雷诺阿展示了一种无形的阳光环境，将房间中的所有物体结合在一起。 只有卡米拉的黑色头发，眉毛和眼睛突出一般的浅色背景，吸引了观众的眼球。

在70年代初期，雷诺阿花了很多时间在巴黎附近的阿让特伊（Argenteuil）度过了很长一段时间，在此期间莫奈居住的地方，朋友经常一起工作，他们最喜欢的一个主题是塞纳河上的帆船。 这项工作致力于“Argenteuil附近的帆船赛”（1874年，华盛顿国家美术馆）的作品。 在这幅画中，艺术家再次使用了快速，宽笔画的大纲写作风格。 只有这样的风格才能让我们捕捉到景观，捕捉到变化性质的瞬间状态。

照片中的天空被绘得异常动态，粉红色的云层撕裂，仿佛吸收了所有的阳光。 似乎它正在倾覆塞纳河，反映了云的模式和船的白色风帆，这反过来吸收了天堂照明的反射并变成粉红色。 雷诺阿描绘的图片不是用线条，而是用彩色斑点。

“高草丛中的路径”（1874年，巴黎奥赛博物馆）的作品非常类似于克劳德莫奈的“Argenteuil罂粟田”（1873年，巴黎奥赛博物馆）。 奥古斯特·雷诺阿（Auguste Renoir）描绘了沿着蜿蜒在高草地上的小径行走的人。 像莫奈一样，为了营造一种运动感，艺术家重复了山顶及其底部的人物形象。

剧院和裸体

像许多艺术家一样，雷诺阿被剧院所吸引。 在这里，您可以找到各种各样的绘画场景，观看数千人的角色和命运，注意好奇的事物和不寻常的场景。 画家对位于礼堂的观众和演员的兴趣都很感兴趣，演员的生动生活在斜坡的另一边。

雷诺阿的戏剧作品之一 - 洛奇（1874年，伦敦库托研究所画廊）由艺术家在第一届印象派展览中展出，耸人听闻，失败，这是在同一个84年的工作室中组织的。摄影师纳达尔。 这张照片是一位女士和一位绅士坐在一个盒子里等待表演开始的双重肖像。 一个女人直接冷静地看着观众，她的同伴，相反，坐在后面，通过人群中的双筒望远镜寻找某人。 这位女士有点难过，绅士似乎完全忘记了她的存在。女主人公的身影显得更接近照片的前景，她的脸部明亮，仿佛在寻求与观众的对话，在暮光之城中，英雄被从观众和他的同伴中移除。 艺术家能够出奇地简单地使用光影效果在语法中添加语义重音。

同一个印象派展览的展览还有艺术家的两件作品：“舞者”（1874年，华盛顿国家美术馆）和“巴黎人”（1874年，国家威尔斯博物馆，卡迪夫）。

这幅名为“舞者”的画作向我们展示了穿着蓝色连衣裙的年轻芭蕾舞演员。 她站在自由的第四位，提醒我们Edgar Degas的一些作品，他在剧院最喜欢的主题上创作了许多画作。 然而，所有德加女英雄都是以舞蹈或弓箭的形式被捕获的，他们从不为他提出过。 德加画了他们 - 正如狗仔队现在正在拍摄 - 在一个看似随意的视角中在一个意想不到的时刻被捕获，而没有关注心理学。

奥古斯特雷诺阿的工作方式不同。 在他的画布上，舞者被描绘成不是舞蹈而不是舞台形象，但好像在她自己的角色。 肖像中的一个重要角色是一个小小的悲伤的眼睛和一个年轻女孩的吸引力，她的惶恐和温柔。 画面以柔和的色调和柔和的轮廓来区分 - 与德加的清晰定义的作品形成鲜明对比，德加总是将线条用作主要的表现工具。

当谈到大师的下一幅画 - “巴黎人”时，许多艺术史学家引用了亚历山大·布洛克的作品，他在画布创作三十多年后写道：

“每天晚上，在指定的时间，
（或者只是我在做梦？）
一个女孩的营地，被丝绸捕获，
在一个有雾的窗口移动。
慢慢地，在喝醉之间传递，
总是没有卫星，一个人，
呼吸香水和迷雾
她坐在窗边……“

这位年轻女子的上身非常清晰，而她裙子的轻薄裙子似乎是用轻盈的面料缝制而成。 因此，艺术家在一个特殊的光空气环境中实现了人物存在的最佳效果，由此女主人公似乎从阴霾中走出来。 图像的令人愉悦的吸引力来自于这个难以捉摸的迷雾Mademoiselle完全开放与观众对话。

次年，雷诺阿创作了他的着名画作“阳光中的裸体”（1875年，巴黎奥赛博物馆）。 艺术家的创新理念是在自然界中写下裸露的东西，展示如何从树叶上晒太阳眩光和反射在她娇嫩的皮肤上。 这个想法并不坏，而且真正的印象派。 然而，结果却引起了评论家和公众的强烈反对。 根据传统绘画的规范，一个裸体的女性身体必须写得很理想，已经提出了一个壮观的“舞台”模特的姿势，她的皮肤应该是完全光滑的，并且只有温暖的色调。 雷诺阿，而不是光滑的皮肤，显示眩光和反射，审查人员称腐烂尸体上的尸体斑点。

1876年，画家在这个主题上创作了另一幅画布。 在绘画“裸体”（普希金国立美术博物馆，莫斯科）中，雷诺阿表现出自己是一位真正的女性美女鉴赏家。 他真的很欣赏他的模特，仿佛用刷子抚摸她的身体。 这一次，他完美地描绘了她年轻的薄皮肤，并且只用粉红色调。 从构图上看，这部作品类似于Jean Auguste Dominique Ingres（1807）的绘画“The Bather”。 在重新思考自己的创作之路的过程中，艺术家后来将重返安格尔（顺便说一句，这是埃德加德加的榜样）。

大师定期参加印象派的后续展览。 在他们的第三部，1877年，除了其他作品之外，他还在红磨坊和Swing上演了The Ball。

18世纪法国绘画的摇摆动机不同寻常; 事实上，它缺席了。 目前尚不清楚雷诺阿究竟是什么促使这个情节，但有证据表明他熟悉弗拉戈纳尔的同名画作，弗拉戈纳尔将其描述为一个具有隐藏意义的“勇敢场景”，并附有吸引人的前景，敞开的骑士坐在地上的裙子在风中摇曳，在风中摇摆的年轻女士们。 雷诺阿的“秋千”（奥地利博物馆）写于1876年，基本上是同样的“英勇的场景”，借用洛可可时代，但写在一个现代的情节，没有轻浮的内涵。

在画布上，我们看到一个年轻人背对着观众站立（这本身就是传统艺术中不可接受的），他微微摇晃着一个站在木质秋千上的忧郁女孩。 附近是一个男人和一个小女孩，亲切地，可靠地看着一位女士。 顺便说一句，儿童的图像在艺术家的整个作品中占据了一个单独的页面，但稍后会更多。

整个画作“Ball in the Moulin le la Galette”（1876，Museum l’Orsay，巴黎）画在巴黎的蒙马特山上，那时仍然有三个保存完好的木制工厂。 其中一家餐厅位于“Moulin de la Galette”餐厅，以美味的肉饼（moulin-mill，galette-cutlet）而闻名。 餐厅定期举行舞会，聚集了最多样化的巴黎观众，其中包括年轻艺术家。

这些地方非常适合雷诺阿，她喜欢写出多汁，明亮的光线，穿着女士服装和绅士们的西装。 艺术家喜欢将这些生活节日和无忧无虑的年轻人的画布场景转移到画布上，其特点是异常欢乐和明亮的氛围。 他描绘当地观众的画布是一种时代的文件：他们永远占据了巴黎的这个角落，当时的中产阶级受到了欢迎。 艺术家在这样一个日常情节中投入了大幅画布，这在当时极为罕见。

很长一段时间，艺术家的画作都没有出售，因为公众拒绝将印象派视为艺术。 然而，展览使得有可能建立有用的联系。 通过他们，雷诺阿收到了几个良好的肖像订单，帮助画家以某种方式维持生计。 这位艺术家的愉快和有利可图是与Charpentier配偶的会面。 事实上，Charpentier夫人在巴黎拥有自己的沙龙，其中聚集了一些有趣的观众：作家，艺术家，诗人和艺术家。 正是在这里，雷诺阿遇到了女演员珍妮·萨马里，他为此献上了三幅肖像画。

肖像画人才

令人惊叹的书面，生动和抒情的“Jeanne Samari肖像”（1877年，莫斯科普希金美术博物馆）展示了艺术家构建作品的非传统方法。 这位年轻的女演员用她的手靠在她的下巴上，好像在一次保密的谈话中，她直接的开放视线直接转向了观察者的眼睛，以及最接近边缘的人物形象，产生了紧密接触的效果女主角和观众。 由于这种姿势，肖像具有无法形容的魅力，并带来许多积极的情绪。

一年后，艺术家创造了另一个同名的画布（1878年，国家冬宫博物馆，圣彼得堡）。 在其中，雷诺阿再次写信给撒玛利亚的珍妮，但现在正在全面成长。 这位女士穿着一件令人惊艳的雪白色连衣裙，搭配火车，非常贴合她苗条的身材。 但即使在这里，在一个仪式肖像中，女主角也会与观众进行对话 - 她的姿势再次向前，她略微弯曲，为了这种接触而牺牲了骄傲的姿势和直肩。 她直接张开的目光并没有让观察者放开，但是她略微分开的嘴唇吸引着他。

同年，雷诺阿写了“肖像夫人与儿童肖像画”（纽约大都会艺术博物馆）。 照片是以标准的“沙龙”方式制作的，显然是为了取悦女主人自己。 两个可爱的儿童形象，以直接姿势描绘，完美地传达了独特的儿童塑料，辅以天使的特征 - 手臂和腿部的肿胀，精致的卷发，赋予画布特殊的魅力。 作品的总体构图再次使用颜色构建：装饰以红褐色阴影描绘，Charpentier夫人的形象在她的背景中突出。 女主人穿着黑色连衣裙，胸前有一个白色对比的插图，一条白色的衬裙从下摆下面偷看，她脚下是一个黑色和白色的巨大圣伯纳德。 在这个黑白相框中，儿童穿着淡蓝色短裙。

雷诺阿在他的一生中被认为是杰出的肖像画大师。 他设法抓住并传达了帆布英雄的短暂情绪。 他在这一类型中的作品的一个显着例子是“带风扇的女孩”（1881年，圣彼得堡国家冬宫博物馆）。 一个年轻女孩的柔软沉思的脸上，黑色的头发落在她的额头上，仔细而顺利地写出来，厕所，风扇，手和背景的细节更加柔和，轮廓模糊。 图片的背景，没有详细说明，只是为了塑造女孩的美丽外观，而不会分散观众的注意力，使其免受闪亮的黑眼睛，娇嫩的皮肤和分开的嘴唇的影响。 帆布具有对比度最喜欢的效果，主人经常使用的交替黑白斑点：粉丝的白色部分 - 礼服的深色面料，白领 - 模特的深色头发。这个象棋顺序完美地关注注意力观众对模特精致的肤色。

与他的印象派朋友的观点相反，雷诺阿决定参加年度沙龙。 这是他获得名声和有用联系的唯一途径。 由于Charpentier夫人的努力，1879年的沙龙接受了艺术家的两幅画作 - “Samari肖像”和“Charpentier夫人与孩子的肖像”。 雷诺阿终于宣告了自己。 观众对画家表示满意，并开始定期收到新订单。 从那时起到1882年，艺术家没有参加印象派的展览。 雷诺阿的财务状况有了很大改善，以至于他在1881年能够负担得起长途跋涉前往阿尔及利亚，威尼斯，罗马和庞贝的旅行。

在同一个肥沃的时期，雷诺阿遇见了Alina Sherigo，她是画家女性美的理想生动体现。 阿丽娜开始出现在画家的许多画作中，首先是“赛艇运动员的早餐”（1881年，菲利普斯收藏，国家美术馆，华盛顿）。 一段时间后，她甚至成了他的妻子。

画布“划船早餐”的轻盈构图由雷诺阿在自然光下绘制。 这幅画的情节是艺术家所钟爱的另一个生活假期，绅士的求爱，无忧无虑的青春，女士的微笑和错综复杂的人际关系。 这部作品参加了1882年印象派的第七次展览，以及艺术家在意大利旅行期间创作的几幅威尼斯风景画。 仅仅一年之后，在1883年，雷诺阿的第一次个人展览就在那里举行。

自己的风格识别和挫折

19世纪80年代艺术家的名声已经超越了法国。 受人尊敬和尊敬的奥古斯特·雷诺阿经常开始旅行。 1885年，他们的第一个孩子，皮埃尔的儿子，出生于大师和阿丽娜。 不久，全家搬到了Alina的香槟家园。 1886年，雷诺阿创作了他的妻子和他的小儿子的肖像。

画布“母亲”（佛罗里达州圣彼得堡美术博物馆）已经在庆祝其他的乐趣。 巴黎公众的无忧无虑的娱乐消失在幕后，所有艺术家的注意力转向了家庭生活的乐趣和母性的幸福。 这张照片是多愁善感的：一个胖胖的年轻阿丽娜母乳喂养一个胖乎乎的婴儿对着田园诗般的田园诗。 坐在椅子上的女人的比例看起来有点缩短，因为艺术家在站立时画了她，而且他的观点高于模特。

随着时间的推移，曾经公认的印象派大师奥古斯特·雷诺阿（Auguste Renoir）对他所发展的写作方式感到失望。 他对作品的不满使得大师甚至毁坏了一些创作的画布。 如果从他创作生涯的一开始，那位画家就在Eugene Delacroix，Jean Honore Fragonard和Francois Boucher的画作中寻找灵感并回答那些折磨他的问题，这些问题促成了他创作个性的形成，现在他转向了Jean Auguste Dominique Ingres的作品 - 一位杰出的院士和新古典主义者，主线，写作诱人的裸体美女和异常温柔的女性肖像。 此外，雷诺阿开始使用文艺复兴时期大师的经验，他的作品在意大利征服了他。

尽管风格发生了变化，艺术家仍然忠于幸福，美丽和明亮幸福的世界。 他从未创造出悲伤，哲学或有启发性的作品。 配对作品“村里的舞蹈（1882年，奥赛博物馆，巴黎）”，“布吉瓦尔的舞蹈”（1883年，波士顿艺术博物馆），以及“城市中的舞蹈”（1883年，奥赛博物馆， Paris) became a logical continuation of the topics raised by the painter in the works of previous years. 所有这三幅画都向我们展示了那些喜欢运动，音乐的舞蹈夫妇，仿佛是无云幸福主题的延续，以及画布“红磨坊的舞会”中的青春的延续。

这幅画“村中的舞蹈”带回了早期绘画“阿尔弗雷德希思黎与妻子的肖像”的回忆。在新作品中，我们可以看到绅士拥抱他的女士同样的温柔，关心和强调的礼貌。这对舞蹈夫妇的姿势充满了直接的可塑性，清楚地表明了他们关系的本质：男人温柔地爱着他的伴侣，他已经准备好尽一切可能做到最好，她沐浴在他的爱和关怀中，就像在音乐中，专注于舞蹈，并使他的动作服从于伴侣的主导力量。

“布吉瓦尔的舞蹈”展示了印象派写作风格的背离。她仍然可以看到树木的树叶和图片的背景，但女孩的衣服和她的绅士服装画得相当紧密和平滑。这部作品的氛围与之前的作品很接近，同样的即时性也在其中，但带着一丝隐藏的感觉 - 这个女孩略微羞涩地远离她的伴侣，她试图通过各种手段赢得她的注意。

电影“城市中的舞蹈”的合作伙伴在动作和表达情感方面更加克制。精致的服饰讲述了他们的高社会地位。这个女孩保持自己非常直，不会靠着她的伴侣的肩膀，有一个流行的轻信。她的姿势严格，符合所有礼仪标准。女主人公的脸很平静，没有表达“村中的舞蹈”中的女主角闪耀的快乐和喜悦。一个年轻人的脸完全隐藏在我们面前。

绘画“雨伞”（1881年 - 伦敦国家美术馆）成为雷诺阿最着名的作品之一。它始于他对印象派的热情的鼎盛时期，并在艺术家熟悉文艺复兴时期大师的作品并重新思考他自己的艺术之路后五年后结束。画布左侧的女性人物写得更轻柔，而在右侧则显示清晰的轮廓线。密集填充字符的图片似乎缺乏构图构造，但这只是乍一看。在路人随意淹没的数字中，画布的对角线结构可以区分：第一个对角线从画布右角的女孩头部开始，然后被倾斜的伞的手杖强调，最后以女孩的头部和站在她身后的男人的头部结束。在女孩的手中伞的手杖指示第二对角线。

“雨伞”成为艺术家的最后一张大图，致力于他现代城市的生活。文艺复兴时期的艺术影响了主题的进一步选择，这些主题在雷诺阿的图像方式上留下了印记。主人直到他的生命结束仍然是女性美的歌手和鉴赏家，令人垂涎的形式，娇嫩的皮肤和闪闪发光的眼睛。画布“The Big Bathers”（1887年，费城艺术博物馆）清楚地证明了过去伟大大师的影响力。轮廓绘画，经典的帷幔，精致的女孩裸体和娇嫩的皮肤，以及它们在空间中的人物布局的存在代表了三角形的清晰金字塔组成。

的确，在“沐浴后沐浴”（1888年，一个私人收藏）中，一个坐着的女孩光滑的裸体身体仍然暗示着艺术家以前的风格。画布中的阴影保持印象，彩色，其背景是宽笔画。女主角身体的画面比以前的作品更柔和。

去年

艺术家仍然经常旅行。 1894年，第二个孩子出现在雷诺阿家族 - 让的儿子。并在1897年发生了一件小事。它本身并不预示任何问题。这位艺术家没有成功地从自行车上摔下来，摔断了右臂。在恢复过程中，大师学会了用左手写字。但即使在骨折完全愈合后，雷诺阿也没有留下持续的剧烈疼痛。因此，开始出现严重的关节炎，这种关节炎在接下来的二十年里没有让艺术家离开，逐渐束缚动作和面部表情，扭动手指，然后完全导致瘫痪。阿丽娜尽一切可能挽救她心爱的配偶，然而，在他的病情每次短暂改善后，复发总是发生。朋友经常来看画家，雷诺阿本人直到生命的最后一天才开始工作。 1901年，他的第三个儿子克劳德出生，成为老练艺术家最受欢迎的模特。

雷诺阿的画作在巴黎，纽约和伦敦的许多展览中展出。他们为他带来了当之无愧的名望。1900年，艺术家成为荣誉军团的持有者，并在十年后成为该命令的官员。

1909年，画家创作了两部配对作品：“带有响板的舞者”和“带有手鼓的舞者”（均为伦敦国家美术馆），其中展现了文艺复兴时期艺术的明显影响。塑料的身体，冷静沉思的表情，帷幔和抽象的背景使他们的风格更接近过去伟大的大师的壁画。这些作品非常具有装饰性，舞者的形象仿佛是从旧的楣上传下来的。

“加布里埃尔与玫瑰”（1911年，巴黎奥赛博物馆）的作品与大师的“古典”肖像截然不同。画布调色板变暗，模特不会带着闪烁的眼睛和灿烂的笑容。但很明显，对体积的塑料研究显而易见。但这一切都很早，显而易见的是，这位年迈的艺术家钦佩他的女主人公的皮肤的光滑和柔软（加布里埃尔是他妻子的亲戚并帮助她抚养孩子）。

随着第一次世界大战的爆发，Renoirs的大儿子们走到前线，他们两人都返回了，但受了伤。阿丽娜尽力帮助她的孩子，但是，没有忍受这些情绪，她就死了。雷诺阿继续坐在轮椅上，克服了整个身体的剧烈疼痛，直到1919年12月2日去世。

Zhuravleva Tatyana