人像摄影中光影的运用 
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自肖像画诞生以来，光影一直是其基础。各个时代的艺术家都力求通过控制光线来表现人脸的立体感，营造人物的存在感，并揭示人物的性格。 对光线效果的运用已发展成为一套表现力丰富的技法体系，从简单的轮廓图像演变为需要对光学和解剖学有深刻理解的复杂多层次技法。
明暗对比建模的起源
古代实验
古希腊和古罗马画家最早发展出利用光线表现体积的方法。公元前480年左右活跃的雅典艺术家阿波罗多罗斯引入了“阴影画法”（skiagraphia） — — 字面意思是“影子绘画”。这种方法最简单的形式就是运用阴影线来营造深度感。一个古老的传说将绘画的起源与科林斯少女迪布塔德斯联系起来。据说，在她爱人出征前，她借着灯光在墙上描绘了他的影子。
罗马肖像画，尤其是法尤姆的葬礼雕像，展现了画家们对明暗对比法的精湛理解。他们运用阴影、颜料质感和基本的透视技巧，生动地描绘出人物的形象。古代艺术家们精通于描绘阳光、烛光或灯光下人物影子轮廓的技法。
影子艺术的复兴
文艺复兴早期标志着阴影描绘技法的质的飞跃。马萨乔和马索利诺等人在其作品中对投影的精确描绘做出了卓越贡献。安东内洛·达·梅西纳在其作品《书房中的圣杰罗姆》（约1475年）中，展现了对多光源的精湛运用，创造了一个光学协调的照明系统。
北方文艺复兴时期，画家们运用简洁的明暗对比，将灰调绘画转化为模仿雕塑的错视画。罗伯特·坎平通过对明暗对比的巧妙运用，创造出令人惊叹的逼真效果。
文艺复兴时期的四种经典方法
文艺复兴时期的画家发展出四种运用光线和色彩的基本方法，每一种都为肖像画创造了一种特殊的氛围。
晕涂法 — — 烟熏柔和
列奥纳多·达·芬奇完善了晕涂法，这种技法能营造出柔和、如烟雾般朦胧的色调和色彩过渡，避免生硬的边缘。晕涂法一词源于意大利语“fumo”，意为烟雾。该方法需要涂抹多层极薄的透明油彩，并用画笔甚至手指仔细晕染，以消除可见的线条。
达芬奇的解剖学知识贯穿于他的每一笔。晕涂法成为他模拟肌肤半透明质感、通过柔和过渡表现肌肉线条、以及通过面部轮廓周围微妙的明暗对比来表达情感的工具。《蒙娜丽莎》将这种技法运用得淋漓尽致 — — 光线的微妙变化赋予了蒙娜丽莎的面容神秘感和复杂的情感。
利用X射线进行的科学研究表明，达芬奇用一系列半透明的薄膜构建了头像，这些薄膜薄如微米，色调渐变极其细腻。乔瓦尼·保罗·洛马佐曾描述过这位艺术家运用深色窗帘来塑造阴影的天赋。
Unione - 明亮色彩的和谐
拉斐尔为了回应达芬奇的晕涂法，创造了“融合”（unione）技法。这种技法同样追求色彩的缓慢渐变，但与晕涂法不同的是，它运用了更明亮、更饱和的色调。融合法消除了强烈的色调对比，在保持色彩鲜活度的同时，也实现了色彩的和谐统一。
这种技法以晕涂法的质感为特征，但力求在晕涂法较为含蓄之处展现鲜艳的色彩。色彩运用时避免使用生硬的线条，在光影交汇处营造出柔和细腻的过渡效果。
Cangiante - 改变颜色寄存器
米开朗基罗在西斯廷教堂的壁画中大量运用了变色技法。这种技法着重于通过改变色彩的色调来创造阴影和高光。与通过与棕色或黑色混合来加深颜色不同，艺术家直接用另一种颜色替换一种颜色。
在米开朗基罗描绘德尔斐女祭司的画作中，他运用了从绿色到黄色的鲜明过渡，使女祭司的衬衫色彩更加丰富，并通过色彩层次的变化营造出纹理和阴影效果。她的外套则呈现出橙黄色的过渡。这种技法巧妙地平衡了各种色彩，运用了邻近色和互补色。
由于米开朗基罗的声誉及其作品的影响，动态绘画技法影响了后世。这种技法在文艺复兴晚期继续被运用，塑造了矫饰主义和枫丹白露画派的风格。
明暗对比 — — 对比的建筑
明暗对比法是一种利用光影强烈对比来创造三维立体感的绘画技法。列奥纳多·达·芬奇在15世纪末期将这种技法发展至极致，例如在《三博士来朝》（1481年）等画作中就运用了这种技法。到了17世纪末期，明暗对比法一词被广泛用于指代任何依靠光影深浅变化来达到视觉效果的绘画、素描或版画作品。
乌戈·达·卡尔皮于1516年发明了明暗对比木刻技法，并向威尼斯参议院请愿，要求保护他的技法。他通过将两到四块色调渐变的木板层叠在一起，为拉斐尔和帕尔米贾尼诺等艺术家复制画作。
巴洛克式和戏剧性的灯光
卡拉瓦乔与明暗对比法
卡拉瓦乔并非仅仅运用对比 — — 他将其化为武器。他戏剧性的光线运用并非微妙或渐进，而是像聚光灯一样穿透黑暗的背景，只照亮最重要的元素。在《圣马太蒙召》中，一束光线斜射过昏暗的酒馆，突显出马太惊愕的面容，而其余部分则完全陷入黑暗之中。
这位艺术家很可能使用了暗箱，唯一的光源来自朝北的窗户，背景涂成黑色，并用炭黑绘制，然后在可控的光线下直接观察模特。卡拉瓦乔作画速度很快，直接在颜料未干时作画，没有事先绘制草图。X射线和红外线研究表明，底色绘制极少 — — 只有快速而自信的笔触。
卡拉瓦乔在一个光线昏暗、窗户位置经过精心设计的房间里作画。他利用镜子来反射自然光，并用蜡烛为夜景画作提供额外的照明。这位艺术家掌控着进入工作室的每一束光线，从而创造出他标志性的戏剧性效果。有时，他会在工作室的天花板上开孔，营造出一道引人注目的光束。
多层薄涂营造出丰富的阴影。卡拉瓦乔将熟赭与生赭混合，调出最深的色调，并在前几层颜料未干时涂抹下一层。油画技法使得光影过渡自然流畅，而颜料缓慢的干燥时间则有利于精细的明暗处理。
黑暗象征着人类的境况，光明则象征着神圣的恩典或真理。卡拉瓦乔个人与暴力和救赎的斗争影响了他的艺术选择。戏剧性的光线运用体现了巴洛克艺术的感性，而天主教反宗教改革运动则要求艺术作品能够触动观者的情感。
伦勃朗与光线的调制
伦勃朗·范·莱茵是公认的明暗对比大师 — — 这种技法是巴洛克艺术的典型特征，它巧妙地运用光影的强烈对比来表现画面。这位艺术家通常为画面选择一个光源，并根据光影的位置和方向来安排阴影。这种对比通过艺术手法得到了进一步的强化：伦勃朗富有肌理感的笔触和层层叠加的颜料，在凹凸不平的表面上营造出自然的光影效果。
伦勃朗运用深棕色、金色和赭色来模拟强烈的光线，为他的作品增添戏剧性。一些艺术史学家认为，这位艺术家特意调整了阿姆斯特丹工作室的照明，以营造出戏剧性且逼真的对比效果。他使用宽阔的笔触作画，并经常用调色刀涂抹颜料。他并不细致地描绘珠宝和服饰的每一个细节，而是用大胆的高光和阴影来强调它们，这种做法反而使它们显得更加逼真。
在伦勃朗的蚀刻版画中，他巧妙地运用光影，即便是在那些通常不需要这种技巧的作品中也是如此。蚀刻的工艺本身并不允许产生视觉错觉，至少大多数艺术家是这么认为的。他最杰出的创意之一便是他为传教士扬·科尼利厄斯·西尔维乌斯所作的肖像。伦勃朗打破了传统蚀刻肖像画的惯例，通过添加西尔维乌斯侧脸和他伸向观者的手所投下的阴影，创造出一种视觉上的深度错觉。
伦勃朗即使在蚀刻版画中，也积极运用他独特的技法，在人物面部营造更深的阴影。他还巧妙地运用光影，解决了蚀刻铜版磨损的问题。经过多次印刷后，蚀刻版上的线条会变得模糊，图像也会变浅。大多数艺术家都接受了这一事实，但伦勃朗却常常通过添加新的线条和元素来改变线条和阴影的方向，从而使版画能够继续使用。
在人像摄影中，“伦勃朗光”指的是一种基于单一光源和对比阴影的特定拍摄技巧。为了营造戏剧性和表现力强的肖像效果，摄影师会照亮被摄对象脸部的一半，而让另一半处于阴影之中。伦勃朗光的典型特征之一是在脸部阴影侧的眉毛和颧骨处形成一个倒三角形的光影。
荷兰绘画的黄金时代
维米尔与光作为物质
代尔夫特的扬·维米尔将光线作为其肖像画的主角。在《戴珍珠耳环的少女》中，这位艺术家创作了单色的底层，这些底层如今大多隐藏在画面之下，这表明维米尔从一开始就注重强烈的明暗对比。由于他已经构建了光影的层次，因此只需在其上涂抹一两层颜料即可达到预期的效果。在上层颜料的绘制中，他分别处理了每个颜色区域。
画作左侧，深色的背景与女孩的脸庞形成鲜明对比。维米尔在两者之间勾勒出柔和的轮廓，在相邻的两块色块之间留出空隙。这营造出光线在她脸颊周围流动的效果。
维米尔运用簇簇细小的圆点，营造出光线洒落在纹理织物上的错觉。头巾表面点缀着蓝色圆点，而织物上则散布着黄色圆点。为了在女孩的脸上营造出光影的微妙过渡，维米尔很可能使用了柔软的干画笔，轻轻地将略微潮湿的颜料从光面晕染到阴影。显微镜观察显示，在这些过渡区域的颜料中嵌有画笔的毛发。
十八世纪与贵族照明
雷诺兹与光的系统化
约书亚·雷诺兹爵士系统地研究了光线问题。经过实验，他发现画家们通常的做法是，画面中用于表现光线的部分不超过四分之一，包括主要光源和次要光源。另外四分之一应尽可能保持黑暗，而剩余的一半则应置于半影区。
鲁本斯允许的光线略多于四分之一，而伦勃朗则少得多 — — 几乎只有八分之一。这种方法使得伦勃朗的画作光线极其明亮，但代价也很高 — — 画面的其他部分都为了突出这个物体而牺牲了。
雷诺兹的工作室呈八角形，长约20英尺，宽约16英尺。房间的窗户是正方形的，比普通住宅窗户的一半略大，下半部分离地9英尺4英寸。这个高度便于向上照射，从而塑造了工作室的形状。
庚斯博罗与印象派光线
托马斯·庚斯博罗力图捕捉光影的瞬息变化和日常生活中的感官印象。他希望取悦观者的双眼，唤起他们的情感，而非激发他们的理性思考。庚斯博罗曾将自己的绘画风格形容为“昙花一现”，意指他注重风格，但并不缺乏内容。
盖恩斯伯勒着重描绘道格拉斯夫人与周围环境的联系，用相似的银紫色调和流畅的笔触描绘她身后的云朵和垂落在她膝盖上的帷幔。艺术家对风景的热爱在他将肖像画中的人物与背景融为一体的方式中显露无疑。他晚期的作品以明亮的色调和轻盈简洁的笔触为特征。
与雷诺兹不同，庚斯博罗避免借鉴意大利文艺复兴艺术或古代风格，他笔下的人物都穿着当时流行的服饰。他成熟作品中轻盈的笔触和丰富的色彩运用，使其肖像画经久不衰，广受欢迎。
十九世纪与技艺
萨金特和雕塑
约翰·辛格·萨金特的绘画方式如同雕塑家塑造形体 — — 他首先勾勒出头部的大致轮廓，包括明暗两面，然后运用中间色调来细化形体。艺术家巧妙地运用光影交错，使头部呈现出更具立体感的视觉效果。
萨金特的肖像画通常以深色背景来凸显人物轮廓。为此，他使用柔软的合成画笔，因为柔软的刷毛使他能够在不晕染的情况下，在浅色上涂抹深色。艺术家将光源置于与模特面部呈45度角的位置，略高于视线水平。光源的高度至关重要：光线必须从模特的鼻子向下投射阴影，几乎与脸颊的阴影相接，从而在脸部阴影侧形成一个小小的、被照亮的伦勃朗三角形。
下巴下方的阴影表明光线来自上方和下方。阴影的角度表明光线相对直接地照射在模特身上，可能呈45度角，这样既能塑造出足够的形体，又不会产生过强的阴影。萨金特运用多种光源组合来实现合适的曝光和形体塑造。
佐恩和冒险的灯光
安德斯·佐恩是19世纪末20世纪初瑞典最杰出的艺术家之一。与同时代的约翰·辛格·萨金特一样，佐恩在塑造人物面部轮廓时，也颇具冒险精神，擅长运用中间色调的阴影。传统肖像画通常采用从观者肩后照射的光线（“学院派光线”），而佐恩则尝试了各种不同的光线变化，使人物面部呈现出部分阴影 — — 这是一种“萨里宁光线”。
这幅女孩吸烟的肖像画，从下方打光，展现了佐恩运用极端光线的精湛技艺，巧妙地衬托出模特的美。这幅艺术家的自画像不仅捕捉到了来自两个光源的复杂光线，而且还运用了蚀刻这种极具挑战性的技法。
佐恩运用最简洁的手段，在任何情境下都展现出反射、折射、透明度和色彩。最终呈现出的作品总是引人入胜、充满神秘感，吸引观者驻足细细品味纸上或画布上的颜料。这位艺术家仅使用白色、赭黄、朱红和黑色这四种有限的颜料，却创造出丰富的色调渐变。
二十世纪与心理明暗对比
弗洛伊德和身体之光
卢西安·弗洛伊德运用了一系列温暖的奶油色和棕色调。乍看之下，这些颜色似乎较为单一，但仔细观察，便会发现其中蕴含着微妙的粉色、赭色、灰色和绿褐色。他笔下的人物面部光线来自左前方 — — 这可能是窗户透进来的自然光，但亮度足以在面部营造出强烈的明暗对比。淡淡的奶油粉色笔触勾勒出额头、鼻子、右脸颊、右耳和下巴的轮廓。
明暗、冷暖色调的丰富变化使阴影和体积感更加明显，使人物的底座向后移动，从而显得扁平。如果背景被遮挡，人物在空间中也会变得扁平，并融入其所躺卧的床单的灰白色调中。背景中较深的色调有助于凸显人物身上更深的阴影，尤其是在颈部和面部。
光源的存在显而易见，这体现在人物肌肤上白色的运用有限，以及高光附近色彩深浅和明暗对比的巧妙运用。肤色之间的对比是通过明暗对比、冷暖阴影的运用而实现的。弗洛伊德运用各种对比手法，创作出一幅无论远近观感都充满活力的画面。
光影建模的技术原理
人像中的光线组成部分
人像摄影的布光系统包含几个基本要素。直射光是最显著的组成部分，通常对比度很高。核心阴影是光照区域和阴影区域的分界线，也是塑造人物形体的主要区域。反射光是一种微妙的元素，很多人难以察觉，但它能使阴影区域更加生动。
光线的一致性是光绘作品成功的关键。高光和阴影的表现方式应该完全一致。通常情况下，单一光源效果最佳，因为它能将光线集中在场景的特定区域。使用多个光源则极具挑战性；它们往往会相互抵消，使人像看起来非常扁平。
使用两个光源拍摄人像也是可行的 — — 通常需要非常明显的阴影，如果两个高光区域对比鲜明，效果会更好。从上方打光拍摄人像常常会导致“熊猫眼”，但这反而能营造出非常戏剧性的效果。荧光灯通常给人一种非常冷漠、缺乏生气的感觉，而且常常会让物体显得很扁平。日光通常非常明亮，高光和阴影的对比度很高。
落影及其作用
投影通常非常清晰、锐利且扁平，它们紧贴物体的形状。爱德华·霍珀的画作中，投影简洁明快，令人赏心悦目。自然光通常呈现冷色调的高光和暖色调的阴影，而人造光则相反：呈现暖色调的高光和冷色调的阴影。
委拉斯凯兹与多层次照明
在《宫娥》中，迭戈·委拉斯开兹不仅运用光线来增加体积、勾勒形体，还用来确立视觉焦点。画作的中景和前景由两个光源照亮：一是敞开的门透出的细光束，二是右侧窗户射入的宽光束。
米歇尔·福柯观察到，窗外的光线既照亮了画室的前景，也照亮了画室前方未被描绘的区域，国王、王后和观众很可能就位于那里。在何塞·奥尔特加·伊·加塞特看来，光线将画面分割成三个截然不同的部分：前景和背景被强烈照亮，而它们之间昏暗的过渡空间则包含着人物的剪影。
委拉斯凯兹运用这种光线来突出构图中的关键元素。当光线从右侧照射过来时，它在离光源最近的侏儒的辫子和金色头发上闪耀着明亮的光芒。但由于她的脸背对着光线，处于阴影中，因此其色调并不构成视觉焦点。
委拉斯凯兹的脸部光线昏暗，并非直射光，而是反射光。因此，他的五官虽然不如矮人那样轮廓分明，却更加清晰可见，因为矮人离光源更近。这张面向观者的正面脸庞引人注目，而深色头发、手臂和手上的光线，以及巧妙地照射在艺术家袖子上、直射脸部的三角形光线，都从色调上强化了这种效果。
现代人像摄影用光方法
当代艺术家不断探索光线运用，将历史技法与创新方法相融合。从卡拉瓦乔那里继承而来的对戏剧性阴影心理学的理解，以及光线选择所反映的个人与暴力和救赎的斗争，对21世纪的艺术家而言依然具有重要意义。
控制光线的类型、光源的位置以及高光与阴影的比例，为艺术家提供了营造绘画氛围或叙事性的工具。光线可以塑造作品的氛围，展现人物的性格，或强调某种心理状态。
古典大师们发展出的技法至今仍影响着当代肖像摄影和数字绘画。伦勃朗的布光技法，尤其是面部阴影侧的三角形光影，已成为影棚摄影的标准技法。柔和的晕涂法过渡效果则被应用于数字工作流程中，配合柔和的画笔使用。
如今，艺术家们可以精准地控制光线，从而创作出符合预设光线方案的肖像画。荧光灯营造出一种冷峻、缺乏生气的氛围，常常使人物形象显得扁平，而日光则能提供高对比度。了解这些差异，艺术家就能选择与肖像创作理念相契合的光线。