描绘鹿和森林景观的技巧

在森林环境中描绘鹿是一项复杂的艺术挑战，需要对动物解剖结构有深刻的理解，精通毛皮纹理表现技巧，并能营造出自然环境的氛围深度。 几个世纪以来，绘画大师们发展出了专门的绘画技法来描绘这一主题，将科学观察与艺术表达相结合。

鹿的图像的解剖学基础

对鹿的骨骼结构和肌肉系统的正确理解是进行逼真描绘的基础。鹿的身体由六组主要肌肉构成，这些肌肉在皮肤和皮毛下形成了标志性的隆起。这些肌肉通常起于粗壮稳定的骨骼，跨越至少一个关节，止于远离身体中心的另一块骨骼上。

驯鹿的站姿是蹄状的，它们用脚趾尖 — — 也就是蹄子 — — 站立。脚掌和脚掌的骨骼融合在一起，形成一个坚固的整体，使脚跟和腕关节高高地离地。与狗和猫不同，驯鹿的掌骨长度与前臂大致相同。大部分肌肉集中在身体中心附近，腿部肌肉在每个关节处逐渐变细，后肢的肌肉比前肢更发达。

表现毛皮和羊毛纹理的技术

短款夏季外套

夏季，驯鹿的皮毛光滑闪亮，呈温暖的棕色。冬季，皮毛变厚，颜色变为暗淡的灰色。对于短毛动物，由于毛发难以辨认，艺术家们着重表现皮肤的整体质感，着重描绘透过皮毛隐约可见的肌肉阴影和轮廓。

在勾勒图像轮廓时，添加一些细微的笔触来模仿毛发的纹理，尤其是在皮肤覆盖脊状突起的地方。从轮廓外向内轻轻地画几笔，就能营造出毛发上细小裂纹的效果。重要的是要避免笔触的大小和间距完全一致 — — “有规律的不一致”原则才能产生自然的效果。

基音锁定

专业动物艺术家在绘制毛发时，首先会勾勒出动物的主要色调区域。第一步是确定每个区域中颜色最深的部分。这一阶段不需要进行颜色混合和纹理处理 — — 目标是创建一个底色，之后再在其上添加较浅的毛发。

红鹿和梅花鹿的底色相似，但区别在于调色方法。绘制梅花鹿底色时，会在颜料中加入更多的钛白和浅钛，以获得更浅的色调。而绘制红鹿时，则会使用更多的焦赭和天然赭，以凸显皮毛深沉浓郁的色泽。

鹿的调色板

使用油画颜料或丙烯颜料描绘红鹿和梅花鹿时，最常用的颜色包括熟赭、生赭、焦赭、钛白、灯黑和钛黄。两种颜料的基础色非常相似，区别在于颜料的混合方式。

在描绘梅花鹿身上的浅色斑纹时，为了达到逼真的效果，应避免使用纯白色。用少量浅黄钛色柔化白色，能使斑纹看起来更加自然。同样的原则也适用于颈部和腹部下方的浅色毛发区域。

枪口处微妙的颜色过渡

绘制鹿头时，重要的是要辨别毛发中的各种高光和细微的颜色过渡。耳朵内侧、眼睛周围和嘴部附近的毛发通常颜色较浅。在处理这些区域时，需要在配色方案中添加少量钛白和浅钛黄。

角状图案

幼鹿的纹理鹿角

绘制幼鹿鹿角特写时，建议使用略微磨损的圆头画笔，轻轻刷涂表面以营造纹理。在添加纹理之前，务必先涂上一层晕染均匀的底色，这样才能在底色上叠加一层轻薄的纹理层，而不是试图一次性达到纹理效果。如果描绘对象较小或位于画面较远的位置，则可能无需添加纹理。

成熟的鹿角

处理成熟鹿角时，步骤略有不同。首先要打好底色，突出鹿角的主要颜色，并注意各种颜色渐变。鹿角的分叉通常比其他部分颜色略浅。

古典油画技法

底漆系统

传统技法首先是将构图模板转移到画布上，然后涂抹多层油画颜料和媒介剂。底色奠定了基本的形状和色彩，为后续的图层铺垫。

许多动物画家会使用色调底色，这种底色是用稀释成液态的焦赭色颜料绘制而成。在勾勒出动物轮廓后，会用粉彩定画液固定。这种色调底色有助于在上色前塑造动物的体积和形态。

在油画创作中使用丙烯底色时，艺术家通常先用丙烯颜料勾勒出深色区域，例如豹子的斑点或鹿的斑纹，以免在涂抹色调底色和为画布着色时遮盖住这些区域。这些斑点和斑纹能够展现动物身体的形状和结构。

古代大师的釉彩技法

罩染是指在颜料上涂抹薄薄的透明颜料层，以达到微妙的色彩效果和丰富的质感。卡拉瓦乔和维米尔等大师运用多层透明釉料来创造深度、立体感和非凡的色彩范围。

这一时期的大多数艺术家都探索了层层叠加的技法，例如使用朱砂、红漆、茜草或胭脂红等颜料。这些颜料本身就是透明的。许多艺术家在最底层使用土质颜料或朱砂，涂抹非常浓稠的色彩，通过厚重不透明的底色层层叠加。这些颜料层层叠加并干燥后，通常在上层以半透明的方式涂抹。

提香广泛运用了釉彩技法，这种技法五个世纪以来一直备受推崇。他将纯黄、纯红、纯黑三种颜料与白色颜料按等比例混合，然后一层层地涂抹。颜料用大量的釉料稀释后，以薄而透明的层状覆盖整个画面。

维拉图拉技术

Velatura是一种半透明的颜料技法，与完全透明的釉料截然不同。每种纯颜料都与等量的白色颜料混合调色，然后逐层涂抹，形成朦胧的半透明层。

巴比松画派和森林绘画

户外写生绘画革命

巴比松画派活跃于约1830年至1870年间，得名于枫丹白露郊外的巴比松村，艺术家们聚集于此。他们的作品大多为风景画，有时也描绘农夫和乡村生活场景。该画派最显著的特点是色调、色彩、自由的笔触和柔和的造型。

在户外完成整幅画作是一种革命性的技法。巴比松画派的画家们运用这种方法，力求将风景作为一个整体来描绘，而非仅仅关注其各个组成部分。这种做法也使得巴比松画家们减少了对细枝末节的关注。

巴比松画派的画家们发展了康斯太勃尔的自由笔触，并尝试了多种技法，包括在未干的颜料上涂抹多层颜料，以及一次性完成一幅画布。与传统的学院派绘画不同，许多巴比松画派画家非常注重自由的笔触和个人风格。

古老橡树的图片

卢梭以极富表现力的笔触描绘了这些场景，他运用绿色调和厚涂技法，营造出浓郁的色彩深度和复杂的光影效果，暗示着森林中更为阴暗神秘的一面。阳光照射下的人影很容易被忽略，这突显了人类在古树环绕中转瞬即逝、微不足道的存在。

柯罗对自然的描绘几乎达到了照片般的精准度。泥土的颜色、树木粗糙的树干以及树叶的细致纹理，都以近乎照片般的精确度来处理。

荷兰黄金时代学校

风景画的色调阶段

荷兰风景画“色调阶段”的绘画特点是使用有限的调色板来描绘不起眼的地貌，包括河流景色和沿海沙丘景观，其特点是沙质土壤、稀疏的植被和零星的人类居住地。

饱经风霜的树木被视为画面的主角，突显了其虚空象征意义。那些闲坐交谈的人物的含义同样清晰明了；或许可以将地平线解读为生命的终点，来阐释这幅全景画。背对观者下山的旅人很可能是一位朝圣者，正前往左侧远处的教堂。

鲁伊斯达尔的创新技术

扬·范·鲁伊斯达尔运用了一种创新的技法，即厚涂颜料，营造出光影层次，从而展现出画面的深度感和茂盛的植被。同时，他还借鉴科学观察，描绘出植物学上可识别的树木。

鲁伊斯达尔的风景蚀刻版画也备受赞誉，并对后世风景画产生了深远的影响。他对描绘场景的精准观察，以及作品中光影交错的效果，对约翰·康斯特布尔和巴比松画派等后世艺术家产生了重大影响。

厚涂法是表现树皮纹理的一种技法。

厚涂法是指将颜料厚厚地涂抹一层，以营造出肌理丰富的表面效果。在描绘树皮时，首先要将黑色和白色颜料混合成灰色，然后再加入大量的厚涂调和剂。

将这种混合物厚厚地涂抹在木材的整个表面，营造出厚涂的肌理效果。使用大量的媒介剂可以打造出纹理清晰的表面。可以使用调色刀来创作清晰的厚涂笔触。油画棒也适合用来增加层次感和厚涂肌理，这得益于其油性质地，可以通过层层叠加来创造鲜艳的色彩。

森林场景中的大气透视

改变色调和色彩饱和度

大气透视通过调整色调、色彩饱和度和色温来模拟场景中的距离感。通过调整这些元素，可以增强景深和距离的错觉。

当远处树叶颜色较浅、偏蓝且色调范围较小时，树木通常显得更具立体感。最远处的树叶只能使用浅蓝色。随着距离的增加，树叶颜色逐渐变亮变绿。绿色可以进一步细分，使近处的树叶与绿色形成更强烈的对比。在阴影区域添加红色以加深色调，在高光区域添加黄色。

大气透视法可以让你控制景深。你可以通过改变前景和背景的色调来选择物体看起来的远近。

色温和空气雾霾

色彩调整模拟了光线穿过大气层时的散射效果。这使得地平线上的浅色调逐渐过渡到靠近观察者的深色调，从而增强了景深感。

冷色调和浅色调的运用，能够更有效地表现距离感，利用大气透视对色彩感知的影响。通过在画面中冷暖色调的对比，增强前景和背景元素之间的深度感。

通过对远处物体施加蓝色色调来模拟大气效果，这是由于自然环境中光线和空气粒子的散射造成的。色温的微小变化会显著影响感知深度。

在森林里进行户外写生

画布着色和初始草图

在户外写生时，许多艺术家会用天然赭石给画布着色，为作品营造温暖的中性色调底色。创作始于前景主树的素描，这棵树可以放置在画面的中心位置。

从远距离到近距离的计划

描绘森林灌木丛时，建议从背景向前景推进。首先，涂上底色并轻轻涂抹，然后画一两层轮廓模糊的树木和灌木，最后再开始绘制前景的细节。

选择一个本身就从背景中脱颖而出的物体，就能创作出成功的构图。你应该确定画面中最重要的部分，然后要么只突出它，要么将其余背景图层向后移动，使边缘柔化，整体对比度降低，或者使其比焦点更暗或更亮。

光与大气观测

必须仔细观察光线如何穿过树冠，以及阴影如何落在林地上。色彩温度和对比度的运用能够传达时间和氛围。

为了表现质感和层次感，可以使用干笔、晕染或调色刀来描绘树皮、树叶和远处的枝叶。重要的是保持笔触的流畅自然，专注于营造空间感，而不是纠结于每一个细节。

北方文艺复兴时期的技术

油画和分层

北方文艺复兴时期的艺术家们发展出了精湛的油画技法。油画颜料干燥缓慢，这使得色彩能够平滑地融合，光影之间也能呈现出微妙的过渡，这与蛋彩等速干颜料截然不同。

薄而半透明的釉彩技法，为作品增添了深度和光泽。像扬·凡·艾克这样的艺术大师，运用精细的画笔和一丝不苟的叠釉技法，以惊人的精准度描绘出珠宝、织物和倒影等精细的细节。

在木板上涂抹白色粉笔底料有助于光线透过油彩层反射，使色彩更加鲜艳明亮。艺术家们先在光滑的橡木板上涂抹白色底料，然后绘制细致的草图，再一层层地涂抹油彩。这种方法允许在创作过程中进行调整，从而确保整幅画作的焦点清晰锐利。

灰调技法

在完成素描和画板准备工作后，先用炭笔勾勒轮廓，然后用淡淡的墨水晕染加深。从这一步开始，便开始绘制底层。在绘制其他图层之前，必须让灰调层完全干燥。干燥后，可以使用湿画法或添加罩染。

在脸部阴影区域巧妙地添加灰色，并用干刷晕染，逐渐勾勒出脸型。颈部也采用了同样的方法。黑色用量极少。在完成初步阴影后，先用近乎干燥的刷子晕染灰色，然后再用柔软的干刷子进行柔化。

19世纪英国动物绘画

埃德温·兰西尔的技法

埃德温·兰西尔发展出一种引人注目的动物绘画技法，他以简洁明了的笔触和诗意生动的形象描绘动物，赋予其强烈的戏剧张力。他拥有精湛的笔法，并在质感刻画方面达到了炉火纯青的地步。

动物皮毛的光泽展现了兰西尔精湛的技艺，例如母狮身上底色与高光之间的平衡，以及两只豹子皮毛下隐约可见的斑点。他巧妙地平衡了底色和面色，营造出皮毛的立体感和逼真效果。

个人形象和理想化

19世纪，牲畜饲养者对动物的描绘方式有着非常具体的想法。他们要求动物必须以侧面像示人，以便充分展现动物的体型、比例和美感。当时的动物画家被要求突出动物最美的特征 — — 精致的头部和骨骼、笔直挺拔的背部以及匀称的后躯。

森林的绿色色调混合

森林绿色彩理论

在传统的红黄蓝（RYB）色轮上，绿色与红色相对。像绿色这样的间色，是由两侧两种原色混合而成的。森林绿需要的蓝色颜料比黄色颜料多。

蓝色比例越高，绿色就越深沉。黄色加多了，颜色就会偏向黄绿色或石灰绿。蓝色占主导地位，黄色适中，比例恰当，就能调出浓郁的翠绿色，宛如森林的树叶。

实用颜料组合

以下几种颜色组合非常适合用于颜料：酞菁蓝或普鲁士蓝配氧化铁黄，群青配镉黄，以及钴蓝配柠檬黄。酞菁蓝和普鲁士蓝都带有较深的蓝绿色调。将它们与色调偏暖的氧化铁黄搭配，可以调出格外浓郁的森林绿。

群青比酞菁蓝略带红色调，颜色也更浅。用纯镉黄调和，可以调出明亮、充满活力的森林绿。钴蓝比群青更偏绿。用淡柠檬黄调和，可以调出柔和的森林绿，宛如海浪泡沫。

森林中斑驳的光影

在描绘透过树冠斑驳光影的画面时，我会用到树叶的暗色 — — 也就是阴影部分。树木底部周围的林地上有很多树叶，所以我先从阴影部分入手，将其均匀地涂抹在画布上。阴影部分在画布上分布得越均匀，就越能与画面的其他部分和谐统一。之后，我再添加亮部，也就是中间色调。

色彩饱和度会随着距离的增加而降低，绿色和黄色尤其明显。因此，必须相应地调整调色板，才能营造出逼真的大气透视效果。利用地形和河流走向作为自然引导，有助于引导观者的视线，并创造出动感的构图。

要掌握描绘鹿和森林场景的艺术，需要综合运用解剖学知识、精湛的技法以及对光线和氛围等自然现象的深刻理解。古代大师的传统技法至今仍然适用，它们为表现毛皮质感、空间深度以及自然环境中微妙的色彩变化提供了经受时间考验的有效方法。