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维也纳分裂国家：历史，特征
27.10.2020 8 373
在 现代艺术 ，“维也纳分裂国家”（ Viener Sezession ）一词是指进步的行动 现代艺术家 在维也纳，他脱离了城市保守的艺术学院，每年的 沙龙 和 艺术学校 仍然与老式的 学术艺术 。 分离主义的趋势出现在欧洲的几个城市，始于1892年的慕尼黑，由弗朗茨·冯·斯塔克（Franz von Stuck）领导的新成立的分离主义很快超越了官方艺术组织。 维也纳分裂国家，1897年成立， 古斯塔夫·克里姆特（Gustav Klimt） （1862-1918）是最具影响力的突破，并出版了自己的期刊 Ver Sacrum （《神圣的春天》）以宣传其思想。 它还建造了一座由建筑师设计的壮观的新总部大楼（ Haus der Wiener Sezession ） 约瑟夫·玛丽亚·奥尔布里奇 （1867年至1908年）。 维也纳分离主义者没有统一的特征 绘画 要么 雕塑 ， 甚至 建筑 ：相反，其成员致力于通过了解最新的奥地利艺术来实现现代化 现代艺术运动 ，包括最新趋势 后印象派 和 表现主义 以及时尚的装饰艺术风格，例如 新艺术运动 。 然而，引起最大争议的是克里姆特的画作。 他的照片《 哲学 和 医学》 （均为1900年）是大学委托创作的，他的 贝多芬·弗里兹 （ Beethoven Frieze） （1902年）和 《亲吻》 （ The Kiss） （1907-8）也被认为过于物理化，其闪烁的画布极大地受益于克里姆特（Klimt）的丰富知识。 应用艺术 。
英国维多利亚时代的艺术：历史，特征
27.10.2020 19 581
有关绘画，雕塑和绘画发展的一般指南其他艺术形式，请参见： 艺术史 （公元前250万至今）。
凡尔赛宫：历史，建筑，室内设计
27.10.2020 18 650
凡尔赛宫（建于1624-98年），是法国的宏伟典范 巴洛克式建筑 ，是法国最著名的皇家城堡。 凡尔赛宫的巨大规模体现了“以分区创造”的建筑主题-一系列简单的重复，以大窗户的重复为节奏，以韵律为标志-体现了凡尔赛的基本价值 巴洛克艺术 内部以及整个建筑物的焦点就是国王的床。 镜厅（ Galerie des Glaces ）是其著名的建筑设计之一，它是世界上最著名的房间之一。 宫殿位于巴黎西南约20公里处，地势广阔，宫殿及其装饰物激发了室内的小型复兴 设计 ， 以及 装饰艺术 ，在17和18世纪。 确实， 法国装饰艺术 在1640-1792年间-尤其是 法国家具 -是法国国王路易·奎托兹（XIV），路易·昆兹（XV）和路易·塞泽（XVI）的代名词，并以其命名。 为凡尔赛宫做出贡献的众多法国设计师和工匠 建筑 ，陈设和 艺术品 ，包括Louis Le Vau，Jules Hardouin Mansart，Andre le Notre，Charles Le Brun，长者Jean Berain，Andre-Charles Boulle，Charles Cressent，Jean-Baptiste Oudry，Francois Lemoyne和Juste-Aurele Meissonnier等。 从1682年到1789年法国大革命开始，凡尔赛宫容纳国王和整个法国皇家宫廷，共有大约3, 000名居民，这在总体上象征着 安西政权 的专制和decade 废 ，以及特别是法国君主制。 皇家城堡本身并不是唯一的建筑群，其中还包括五个教堂，以及大特里亚农（1687-88），法兰西亭（1749）和小特里亚农（1762-8）以及800个公顷的花园，以经典的法国花园风格进行美化。
威尼斯人肖像画
27.10.2020 15 067
肖像艺术 在威尼斯早期开发。 1339年后不久，保罗·韦尼齐亚诺（Paolo Veneziano）和尚在世的妻子一起在弗拉里 （Friri）萨拉·卡皮托洛 （ Sala del Capitolo） 的丹多洛（Dandolo）墓上画了已故的总督弗朗切斯科·丹多洛（Doge Francesco Dandolo）的肖像。 这些人物与其赞助人圣徒的比例相同（这在当时是非常不寻常的特征），并且这些面孔看起来都是真实的肖像，即使其风格仍然遵循 拜占庭艺术 。
威尼斯绘画：历史，特征
27.10.2020 28 456
而 佛罗伦萨的文艺复兴 自己的辉煌成就使自己精疲力尽，威尼斯的艺术家们正在探索一系列不同的绘画可能性。 这两个伟大的流派之间的区别 意大利文艺复兴 可以总结如下：佛罗伦萨为1480 a 绘画 由形状/设计 加上 颜色组成； 而对于1520年的威尼斯人来说，它的形状/设计 融合 了色彩。 在佛罗伦萨，颜色（ colorito ）（无论和谐如何）是要 添加 到设计中的一种品质（ disegno ）。 在威尼斯，这 与 设计 密不可分 。 对于佛罗伦萨来说，它是它所属对象的一个属性：红色的裙子或绿色的树是红色和绿色的斑块，被限制在这些对象的边界之内。 同时，威尼斯人认为颜色是一种品质，如果没有这种色彩，就很难说存在着衣服或树木。 它渗透了一切，像光一样流过轮廓。 佛罗伦萨绘画的 结构 统一性取代了威尼斯人的 色彩 统一性。 在威尼斯， 颜色 赋予了画布 生命 ，以及艺术家的混合和使用技巧 彩色颜料 至关重要。 威尼斯人对色彩的重视在一定程度上解释了为什么他们采用 油画 比起佛罗伦萨的画家，他们更加热情，因为油画比给画家更大的色彩深度和亮度。 彩画 。 有关威尼斯画家对欧洲艺术的影响，请参阅： 威尼斯绘画的遗产 （1600年之后）。
威尼斯绘画遗产
27.10.2020 9 483
16世纪盛世的后代 威尼斯绘画 并不是在威尼斯本身（1600年后人才迅速下降），而是在阿姆斯特丹，安特卫普和马德里。 罗马，巴黎和伦敦。 意大利人卡拉瓦乔和安妮巴莱·卡拉奇； 荷兰大师鲁本斯，安东尼·范戴克和伦勃朗； 普桑（Poussin）和贝拉兹克斯（Velazquez）-这些天才，他们的榜样启发并占据了主导地位 美术绘画 在欧洲已有250年的历史了，因为他们仍然主持着我们真实的和虚构的博物馆，它们的大部分创作都来自于 威尼斯文艺复兴 ，因此从意大利艺术（历史学家/画家 乔治·瓦萨里（Giorgio Vasari） 希望将其托运到最中心。 这些画家中有一些实际上访问了威尼斯本身，但有些没有。 因为在17世纪，威尼斯的图片传遍了整个欧洲的城市。 当年轻的伦勃朗被敦促去意大利改善自己的风格时，他声称这样做是没有意义的，因为更容易看到意大利人。 文艺复兴时期的艺术 在阿姆斯特丹，而不是在意大利本身从一个城镇到另一个城镇旅行。 我们将看到，这种说法并非完全没有道理。
威尼斯祭坛：文艺复兴时期，矫饰主义时期
27.10.2020 13 564
在本文中，我们探讨了威尼斯人的发展 祭坛艺术 在16世纪-主要涉及reredos，retables和tritychs-并展示了这一时期的主要艺术家对该传统的修改。 由于多种原因，这绝非易事。 首先，所讨论的时期跨越了 文艺复兴早期 （约1400-90）， 高复兴 （c.1490-1530）， 怪癖 （c.1530-99）和 巴洛克 （1600-1700），艺术理论，构图原理和表现形式发生了根本性变化。 其次，在 威尼斯绘画 有当地的学校，他们有自己的传统和标准 圣经艺术; 威尼斯本身的产品与大陆各省中心的产品之间在质量上存在特别明显的差异。 最后，通常很难容纳最大的原始和独特的贡献。 老大师 在严格的发展计划中。 然而，有可能辨别某种形式的 基督教艺术 ，其起源可以追溯到15世纪后半叶。 那时，出现了一种独特的威尼斯祭坛配方，并在16世纪进行了修改和改进。 注意：祭坛画通常以以下基本格式出现： 雕刻板 （2-面板）， 三联 （3个面板）或 polyptych （多组）。
Trecento，十四世纪的意大利艺术
27.10.2020 6 521
术语“ trecento ”（意大利语为“三百”）是“ milletrecento ”（“十三千”）的缩写，表示十四世纪。 在一个极富创造力的时期，它见证了 文艺复兴前的绘画 以及1300-1400年间的雕塑和建筑。 实际上，由于 trecento 与文艺复兴前运动相吻合，因此该术语通常被用作以下术语的同义词： 原始文艺复兴时期的艺术 -即中世纪之间的桥梁 哥特式艺术 和 文艺复兴早期 。 下个世纪（1400-1500年）被称为 十五世纪 ，其后的那个（1500-1600）被称为 16世纪意大利 。
威尼斯绘画：威尼斯文艺复兴时期的绘画
27.10.2020 9 740
艺术鉴赏看到： 艺术评估：如何欣赏艺术 和也可以看看： 如何欣赏绘画 。
提香和威尼斯彩色绘画
27.10.2020 15 239
’米开朗基罗的形式和提香的色彩’：这种陈旧的二分法起源于 16世纪意大利 本身，最近因清洁而发现米开朗基罗（Michelangelo）的色彩鲜艳和微妙，使他们陷入混乱 西斯廷教堂的壁画; 在16世纪初期的佛罗伦萨，没有人看到各种各样的色彩 高复兴 1980年的美第奇展览中的油画可能会质疑色彩（或至少色彩）对意大利中部艺术家的重要性。 如果这次展览是佛罗伦萨而不是 威尼斯绘画 与我们之前看到的颜色相比，颜色将更明亮，色调更多样化，并且更令人眼花乱。 从瓦萨里起，为什么要重视威尼斯色彩呢？
Tachisme，Art Informel：历史，特征
27.10.2020 4 119
较广泛的子变量 艺术无形 风格-最重要的风格之一 现代艺术运动 第二次世界大战后的欧洲 -Tachisme 是一种斑点形式的 姿势画 ，是“ 行动绘画 “。
综合性：绘画风格
27.10.2020 6 050
合成主义一词描述了一种 后印象派绘画 它是由1880年代开发的 保罗·高更 （1848-1903），埃米尔·舒芬克（Emile Schuffenecker）（1851-1934）， 埃米尔·伯纳德（Emile Bernard） （1868-1941），路易斯·安奎汀（Louis Anquetin）（1861-1932）等。 为了摆脱印象派对光的研究的迷恋，高更试图根据纯净的二维区域开发一种新的绘画风格。 颜色 （也就是说，阴影区域很少或任何类型的3-D建模）和一些粗线。 高更的杰作 《讲道之后》 （1888年，苏格兰国家美术馆）中举例说明了合成技术。 最伟大的现代绘画 ，它描述了现实的两个不同层次：现实世界和梦想世界。 “合成主义”这个名称是指（1）简化形式和配色方案的“合成”，以及（2）主题的主要思想或感觉，以便产生更大胆的艺术表达。 合成与 Pont-Aven艺术家殖民地 在布列塔尼。 其他 表现主义画家 总部设在从事合成术的Pont-Aven，包括Jacob Meyer de Haan（1852-95），Charles Laval（1862-94）， 保罗·塞鲁西耶 （1863-1927），查尔斯·菲利格（Charles Filiger）（1863-1928）和Armand Seguin（1869-1903）。 在自己对这种新风格的描述中 法国画 由于其大面积的纯色和黑色轮廓，Emile Bernard和Louis Anquetin倾向于使用该名称 分隔主义 经过中世纪 景泰蓝 的珐琅技术。
合成立体主义
27.10.2020 10 722
遵循以下阶段 早期立体派绘画 和 分析立体主义 ，立体主义合作的第三幕也是最后一幕 乔治·布拉克 （1882-1963）和 巴勃罗毕加索 （1881-1973）发生在1912-14年间。 这种象征性的艺术风格被称为合成立体主义，比早期的分析形式更加丰富多彩。 立体主义 ，结合了各种无关的材料，尤其与毕加索的 大学 和Braque的 papier colles 。 西班牙人 胡安·格里斯 （1887-1927）是新风格的主要贡献者。 如果“分析立体主义”为单点绘画提供了革命性的绘画替代方法 线性透视 ，“合成立体主义”在拼贴和 纸上 拼贴的使用方面同样具有创新性，两者均通过将真实世界的片段插入画布来弥合生活与艺术之间的鸿沟。 他们还强调了一个事实，即绘画是二维的平面物体，模糊了绘画和雕塑之间的界线。 它对诸如 达达 （c.1916-24） 超现实主义 （1924年以后）和 流行艺术 （c.1960-75）。 毕加索的综合立体主义与他从波西米亚蒙马特（Bohemian Monmartre）迁至蒙帕纳斯（Montparnasse）的时间相符，并于1914年秋天爆发战争，此后不久，布拉克（Braque）离开战斗并 丹尼尔·亨利·卡恩韦勒 （二人的主要艺术品经销商）逃往瑞士。 作为西班牙人，毕加索可以自由地在巴黎继续他的绘画生涯。 在适当的时候，他由 保罗·罗森伯格 （1881-1959），立体派商人的弟弟 莱昂斯·罗森伯格 （1879年至1947年）。
同色论：抽象绘画风格
27.10.2020 4 525
在 现代艺术 ，“同色论”一词是指 绘画 1913年，两位美国画家Morgan Russell（1886-1953）和Stanton MacDonald- Wright（1890-1973）在巴黎创立了这家公司。 类似于法国风格 Orphism ，同色是一种形式 抽象主义 ，其中 颜色 被赋予了形式和表达的主要角色。 同色系展览于1913年在巴黎和慕尼黑以及纽约举行，这是著名的国际现代艺术展览（也称为国际现代艺术展览）之后举行的展览。 军械库表演 ）。 的Synchromist风格 美国艺术 在1920年代切换到区域主义之前，中西部画家托马斯·哈特·本顿（Thomas Hart Benton，1889-1975）也采用了这种绘画方式。 最初被誉为即将到来的之一 抽象艺术运动 ，它的创始人在第一次世界大战期间失败了，尽管它的创始人保留了在全球最前沿的声誉。 现代艺术家 在20世纪初。 战争结束时，一种新的朴素几何风格 非客观艺术 -以 德·斯蒂吉尔 由西奥·范·杜斯堡（1883-1931）创立的运动，以及 新Plasticism 皮特·蒙德里安（Piet Mondrian）（1872-1944）创作的作品将在欧洲取代同色异象（和Orphism），而现实主义则在美国盛行。
象征绘画运动
27.10.2020 6 631
象征主义，是19世纪后期的 后印象派绘画 在1886年至1900年的整个欧洲，几乎所有艺术领域都蓬勃发展。 最初出现在文学领域，包括诗歌，哲学和戏剧，然后传播到音乐和视觉艺术。 象征主义艺术与 拉斐尔前派 与 浪漫主义 ，以及 唯美主义 运动。 像所有这些运动一样，象征主义在很大程度上是对自然主义和现实主义的一种反应，并且与 神话绘画 各种各样的。 在现实主义者和博物学家试图以客观客观的方式捕捉光学现实，并因此专注于普通而非理想的情况下，象征主义者则从他们的想象力，梦想和无意识中寻求更深层的现实。 包括著名的象征画家 古斯塔夫·莫罗（Gustave Moreau） （1826年至1898年）， 阿诺德·博克林 （1827年至1901年）， 费迪南德·霍德勒 （1853-1918）， 马克斯·克林格 （1857年至1920年）， 保罗·高更 （1848年至1903年）， 詹姆斯·恩索 （1860年至1949年）， 爱德华·蒙克 （1863-1944）， 奥迪隆·雷顿（Odilon Redon） （1840-1916），以及 卡维尼斯港 。 该运动虽然短暂，但对 19世纪的德国艺术 ，并对20世纪的欧洲艺术家，尤其是那些 纳比斯 和 新艺术运动 ，以及 表现主义 和 超现实主义 动作。 它也影响了惠斯勒，乔治·基里科，乔·米罗，保罗·克莱， 弗里达·卡罗 和马克·夏加尔（Marc Chagall）。 在1990年代，许多中国画家- 愤世嫉俗的现实主义 北京运动-使用象征主义图案来表达天安门广场镇压后产生的政治和社会不确定性。